Em vez de transformar por completo o espaço, Emma Collet e Thomas Diettert escolheram partir do seu elemento mais distintivo: as paredes de pedra existentes, cuja expressão natural e irregular se tornou a matriz do projecto. Em torno desta presença mineral, uma paleta de tons creme, madeira escura e têxteis acrescenta calor e suavidade.

O contraste torna-se particularmente expressivo nas grandes cortinas plissadas que pontuam o interior. Dispostas em generosas pregas verticais, revestem algumas das paredes, introduzindo leveza e movimento. Perante o peso e a irregularidade da pedra, o tecido cria uma atmosfera mais suave e íntima, transformando o restaurante numa sucessão de ambientes em vez de numa sala uniforme.

 

Implantado na paisagem montanhosa de Emei, China, este retiro boutique acompanha o declive natural da encosta, evocando pequenas aldeias de pedra que parecem ter crescido organicamente sobre a montanha.

Também a escolha dos materiais reforça esta ideia de continuidade. O xisto proveniente do Monte Emei, as tradicionais telhas cinzentas de Leshan, a madeira de cedro e a pedra local de tonalidade avermelhada introduzem uma dimensão sensorial que privilegia a textura, o envelhecimento e a autenticidade.

No princípio, havia esculturas. Delas nasceu o desenho. O escultor simbolista belga George Minne acompanha este casal há décadas, e foi a quietude das suas peças que traçou o caminho deste projecto - não como ornamento, mas como génese.

A razão de ser desta casa chama-se Christian. Mas quem lhe dá forma é Francesca Oggioni. A ligação do marido à cultura flamenga, preservada ao longo de mais de três décadas longe de Antuérpia, ajudou a dar origem à ideia; coube a Francesca traduzi-la em arquitectura. Foi também por meio dele que aprendeu a apreciar os céus cinzentos e a luz contida - uma maneira de ver que, lentamente, se tornou sua.

Hoje, esse esqueleto industrial desenhado pelos dois arquitectos do movimento funcionalista norueguês dá lugar a um museu de arte e experiências: o Kunstsilo.

O silo nunca esteve sozinho na sua ambição. Faz parte de um quarteirão cultural, ao lado do Kilden Performing Arts Centre e da Knuden Cultural School – e o projecto, desenvolvido por
Mestres Wåge Arquitectes, BAX e Mendoza Partida, ia mais além da instituição, prevendo um hotel e um espaço para startups artísticas. O resultado equilibra respeito e imaginação perante o carácter escultórico do edifício. Ao todo, são três pisos e 8.500 m! onde memória industrial e arte contemporânea aprendem a coabitar. Com poucos cortes, abre-se um volume simultaneamente monumental e contido, iluminado por uma luz zenital cuidadosamente controlada, aquela que desce até ao coração do museu.

Na prática, essa contenção geométrica exigiu um gesto radical: remover cerca de vinte metros da base dos cilindros de betão. Foi, segundo Magnus Wåge, arquitecto responsável pelo projecto, a decisão mais debatida de toda a obra. Em vez de esconder a intervenção estrutural, a equipa decidiu celebrá-la. A abertura da base dos silos deu origem a um imenso hiato escultórico, que hoje organiza os percursos e se tornou o centro da instalação.

Localizada na vila medieval de Cruïlles, em Baix Empordà, Girona, uma antiga masia catalã do século XII tornou-se o refúgio que Cristina Carulla escolheu para chamar de seu e o lugar onde a sua visão encontrou a forma de expressão mais autêntica. Integrada nas antigas muralhas de uma pequena vila, a propriedade, com cerca de 500 m², um jardim romântico de 300 m² e uma casa independente para hóspedes, estabelece um diálogo subtil entre herança arquitectónica e um modo de habitar contemporâneo.

A intervenção assentou num princípio de continuidade. Em vez de impor uma nova linguagem, procurou dialogar com a estrutura existente, preservando o seu carácter e a autenticidade dos seus materiais. O resultado é uma composição elegante, onde a simplicidade se afirma como linguagem primordial e a atenção ao detalhe revela, de forma discreta, a personalidade da designer.

A luz natural desempenha um papel determinante em toda a experiência. Ao percorrer os espaços, acompanha o ritmo das horas, demonstrando, sob diferentes intensidades, a textura da pedra, da madeira e das superfícies recuperadas. Paralelamente, a privacidade foi entendida como um elemento estrutural. Apesar da sua localização central, a casa foi concebida como um retiro, um lugar suspenso numa realidade que se quer pautada pelo silêncio e pela tranquilidade.

A Casa Eva pertence a esta última categoria. Mais do que um edifício residencial, é uma reflexão sobre a forma como a arquitectura pode estabelecer uma relação de continuidade com a natureza, fazendo do exterior uma presença constante no quotidiano.

Concebido pelo atelier S-AR, o projecto organiza-se em três pisos, acolhendo um apartamento autónomo em cada andar. Apesar da independência de cada habitação, o conjunto afirma uma identidade comum, construída a partir da forma como cada espaço se abre à envolvente e interpreta o lugar de maneira distinta. As áreas sociais, desenhadas como amplos terraços cobertos, tornam-se o centro da experiência doméstica, privilegiando uma vivência descontraída, onde interior e exterior quase deixam de existir como realidades separadas.

Implantada num terreno inclinado, a Casa Eva tira partido da topografia para proporcionar diferentes perspectivas sobre a paisagem. Em cada piso, o olhar percorre as copas das árvores, detém-se nas montanhas e prolonga-se até à linha do mar. A arquitectura limita-se a enquadrar estes cenários, recusando protagonismos desnecessários e permitindo que seja a própria natureza a definir o carácter de cada apartamento. 

A vida encarregou-se de nos repetir, vezes sem conta, que nunca devemos voltar aos locais onde fomos felizes. Pois bem, não poderíamos estar mais em desacordo.

Existem destinos que não nos esperam. Permanecem apenas serenos na sua verdade, enquanto somos nós que mudamos até sermos capazes de os reencontrar. Voltar é, afinal, um exercício de reconhecimento. Julgamos encontrar algo e descobrimos, quase sem dar por isso, que andávamos numa busca incessante por uma parte de nós que ali ficou suspensa, entre as vinhas e a cadência tranquila com que o Douro atravessa a paisagem.

A Casa do Rio, da Quinta do Vallado, nunca precisou de se anunciar, a sua identidade constrói-se na discrição e na força dos valores que lhe deram origem.

Onze anos passaram desde que a visitámos pela primeira vez. E a natureza fez-lhe aquilo que melhor sabe fazer às suas mais belas obras: envolveu-a. Deixou crescer as árvores, aprofundou a sombra e abriu novos caminhos à luz. Os jardins encontraram formas de abraçar a arquitectura, enquanto a madeira adquiriu a pátina do tempo. Ao longo dos percursos, os ciprestes, outrora discretos, afirmam-se hoje com uma verticalidade quase escultórica, conferindo-lhe uma nota de nobreza senhorial. O lugar ganhou um charme quase impossível de descrever.

O essencial, porém, permaneceu intacto: o recolhimento, o isolamento, a serenidade e essa sensação, hoje tão rara, de que o mundo pode continuar a girar sem que sejamos obrigados a acompanhá-lo à mesma velocidade.

Idealizado por Zeina Aboukheir, o projecto materializou-se ao longo de duas décadas através do trabalho de construtores e artesãos locais, que ergueram as 54 suites, dispostas em torno de pátios sombreados, repletas de mobiliário antigo, frescos e materiais recuperados de casas históricas, um pouco por todo o Egipto.

Os interiores carregam uma densidade quase teatral, um ecletismo estético que cruza referências formais da arquitectura egípcia, norte-africana e do oriente. Esta mistura de linguagens revela-se na justaposição de portadas de madeira rendilhada, colunas recuperadas de edifícios esquecidos e vitrais otomanos que filtram a luz em tons cromáticos.  

Escondido entre o exuberante manto tropical de Bali, em Tumbak Bayuh, Rumah Rubah permanece quase imperceptível no seio de quatro mil metros quadrados de jardim. Centenas de espécies botânicas, árvores centenárias e subtis vestígios da tradição balinesa envolvem a arquitectura, tornando difícil perceber onde termina a natureza e começa a casa. Concebido pelo arquitecto Maximilian Jencquel, o projecto nasce da intenção simples: observar e respeitar o lugar até ao ponto em que a própria peça construída se dissolva na paisagem e lhe pertença.

Toda em madeira de teca, a casa revela-se lentamente, numa sucessão de enquadramentos, sombras e texturas, onde cada recanto se oferece como uma descoberta.

No centro de tudo está um pátio interior, em torno do qual se organizam os quartos, as áreas sociais, a cozinha e os espaços exteriores. A planta estabelece assim uma relação fluida entre dentro e fora, reforçada por grandes grandes painéis deslizantes que permitem que o jardim invada o espaço e que o ar circule livremente.

É nesta relação com a natureza que o projecto encontra um dos seus princípios fundamentais. O desenho privilegia a ventilação cruzada, a sombra e o arrefecimento natural proporcionado pelo pátio e pelo espelho de água central.  

Projectada por Raquel Font, do Studiofont, a villa de três quartos ocupa um terreno de oito mil metros quadrados, entre cactos, a Sierra de la Laguna e o Oceano Pacífico. A sua forma em ferradura envolve uma piscina circular e divide a casa em diferentes volumes, criando uma relação particular entre cada divisão e o deserto.

A arquitectura é inteiramente construída em betão pigmentado, num tom rosa claro que muda de tonalidade com a luz ao longo do dia. Os quartos funcionam como espaços contínuos, onde dormir, descansar e tomar banho coexistem, enquanto grandes aberturas enquadram diferentes vistas da paisagem.

No centro da casa, duas coberturas cruzam-se sobre uma área comum de dupla altura, onde uma piscina cilíndrica e um fire pit organizam os momentos de convívio. No interior, o estúdio Niños Heroes combina peças vintage, tapetes marroquinos e cerâmicas mexicanas com a materialidade profundamente crua do betão.

Pensada para funcionar em diálogo com o território, a casa é totalmente off-grid, recorrendo a energia solar, sistema termosolar e reutilização de água. A vegetação removida durante a construção foi também replantada no próprio terreno.

A Nereidas Homes é o primeiro projecto de uma colecção de retiros que pretende crescer pela Baja California Sur.

O próximo capítulo da Nereidas será um conjunto de oito cabanas, novamente desenhado pelo Studiofont, concebido como um novo abrigo singular em pleno deserto, com abertura prevista para 2027.

A casa organiza-se em torno de dois volumes e de um jardim de inverno central, elemento estruturante que a intervenção não procura subtrair, mas antes valorizar. As paredes cedem lugar a uma sucessão mais contínua de espaços, os interiores aproximam-se da vegetação e a luz percorre a casa sem encontrar obstáculos, revelando um espaço que emana tranquilidade.

Uma paleta de tons quentes, a madeira existente, o mármore e as marcenarias desenhadas à medida conferem profundidade ao conjunto. A materialidade é rica na sua forma, sem nunca se tornar ostensiva. Peças contemporâneas encontram-se com objectos descobertos em antiquários, num diálogo permanente entre diferentes épocas do design brasileiro. Dessa convivência nasce uma espécie de memória construída: uma casa que, embora moderna, parece guardar vestígios de outras vidas, de outros tempos, como se cada escolha tivesse chegado até aqui para perdurar. Até os elementos técnicos se diluem na composição, integrando um todo que privilegia a discrição. 

O projecto nasce da leitura atenta do lugar. A vegetação, a relação com a rua e, sobretudo, a presença de uma grande jacarandá tornam-se agentes activos na definição da arquitectura. O piso térreo, destinado à vida social, assume-se como um plano aberto e permeável, prolongando-se até ao jardim. Um grande canteiro integrado no volume permite que a vegetação atravesse a casa e se estenda visualmente até à rua.

Esta relação é reforçada pelo revestimento reflector da base, que devolve a imagem da envolvente e reduz a sua presença enquanto objecto construído. A entrada e a garagem perdem protagonismo, enquanto o volume superior parece pousar sobre uma superfície vegetal contínua. A casa deixa, assim, de se afirmar como objecto para se tornar uma condição espacial.

Em contraste, os dois pisos superiores concentram os espaços privados num corpo sólido, opaco e contido. As aberturas são reduzidas e criteriosamente posicionadas, estabelecendo uma clara distinção entre a dimensão colectiva, aberta à paisagem, e a esfera íntima, protegida.

A presença da jacarandá determina ainda o deslocamento do volume superior, originando um terraço. Deste gesto resulta uma ideia central do projecto: o vazio pode ser tão arquitectonicamente significativo quanto a matéria construída. A árvore provoca o deslocamento, o deslocamento produz o vazio e o vazio transforma-se em espaço habitável.

No interior, materiais distintos reforçam esta dualidade. O reboco natural e o mármore prolongam a continuidade entre interior e exterior, enquanto a madeira introduz uma atmosfera mais quente nos espaços privados. Paralelamente, soluções como os painéis solares e a selecção de materiais de menor pegada carbónica integram a sustentabilidade na própria lógica construtiva.

A casa pode, por isso, ser entendida como uma composição de forças: uma base que procura dissolver-se, um volume que se afirma de forma notória, uma árvore que reconfigura a geometria e um vazio que, entre todos, adquire espessura e significado na relação entre os restantes elementos.

Entre o interior e o horizonte instala-se uma simbiose perfeita, moldada pelo azul constante do Mar Mediterrâneo e pela presença de dois pinheiros bicentenários. Longe de condicionarem a construção, estas árvores tornaram-se o seu princípio orientador, determinando a implantação, a estrutura e o modo como a casa se abre ao horizonte.

A história da Villa Rossignols começa, aliás, muito antes desta obra. Trata-se da quarta colaboração entre Sandrine Sarah Faivre e o mesmo cliente, depois de dois apartamentos em Paris e de uma casa de férias na Córsega. Essa relação de confiança, construída ao longo dos anos, permitiu ultrapassar a mera resposta programática para dar lugar a uma compreensão mais íntima da forma de habitar. Concebida para uma família de quatro pessoas, a casa afirma-se como um retiro de fim de semana, profundamente enraizado nas memórias do proprietário, que cresceu junto deste terreno.

Talvez seja essa dimensão afectiva que explique a serenidade do projecto. Nada procura sobressair. A arquitectura prefere envolver-se com a paisagem, fazendo do mar uma presença quase meditativa, que parece devolver outra escala ao tempo e outro significado à vida quotidiana.  

É precisamente nesse território que se desenvolve a prática criativa de Delphine Cordie, designer e artista belga que faz da matéria um meio para despertar experiências sensoriais e transformar a forma como nos relacionamos com o espaço.

Desde cedo se interessou pela capacidade de um objecto transportar memória, emoção e intimidade. Hoje, essa procura manifesta-se numa prática plural, onde as esculturas murais surgem como uma extensão natural do seu percurso - joias que abandonam o corpo para ganhar escala na arquitetura, preservando, contudo, a mesma delicadeza e atenção ao detalhe.

No atelier que partilha, em Gante, com o marido, o arquitecto e designer Benoît Viaene, cada obra nasce de um processo lento de composição, onde a experimentação ocupa um lugar tão importante quanto a técnica. Pedra natural, madeira, metal, têxteis e materiais encontrados reúnem-se de forma intuitiva, dando origem a composições depuradas, construídas a partir do equilíbrio entre texturas, volumes e vazios. A sua linguagem afasta-se do excesso e da ornamentação para privilegiar a contenção - uma sobriedade que não resulta da ausência, mas de uma escolha consciente.

Concebido pelo Valari Studio, este projecto ultrapassa a simples reabilitação. É um diálogo subtil entre memória e contemporaneidade, que devolve a uma antiga masseria a capacidade de se reinventar, preservando a essência que, ao longo de tantos anos, lhe deu forma e identidade. É nesta tensão deliberada entre permanência e transformação que reside a força desta intervenção.

A estrutura existente, moldada por sucessivas camadas de história, torna-se o ponto de partida para uma composição espacial coesa. Cada divisão preserva o seu carácter próprio, mas participa de uma narrativa comum, construída através de aberturas e transições que dissolvem suavemente a fronteira entre interior e exterior.

 

Entre o mundo construído e o mundo vivo, existe um lugar que pertence a ambos. Esta Orangerie de tijolo vermelho, integrada numa propriedade privada nos Países Baixos, sempre foi esse limiar: uma construção que respira jardim, atravessada pela luz e pelos sons da natureza. Reconhecida pela capacidade de transformar espaços existentes em lugares que parecem sempre ter sido assim, Ina Rinderknecht foi a escolha natural para conduzir esta transformação. Quando os proprietários lhe confiaram os lugares onde recebem, descansam e vivem, o desejo era claro: mais carácter, mais riqueza sensorial, sem alterar a alma do edifício que já amavam.

A designer encontrou no próprio tijolo vermelho da fachada o tom que moldaria o espírito de toda a transformação. Dessa leitura nasceu uma paleta de tons quentes e terrosos, creme e madeira escura que percorre os interiores com naturalidade e coerência.

Assinado pelo atelier português Spaceworkers, o projecto transforma antigos celeiros num novo pólo cultural onde a arquitectura se torna instrumento de continuidade, permanência e identidade coletiva.

A intervenção parte da preservação da identidade do lugar e das características originais do edifício, assumindo que a reabilitação não deve extinguir a memória, mas amplificá-la. A proposta arquitectónica acrescenta um novo volume à construção existente, replicando formalmente a linguagem das naves contíguas e reforçando uma ideia de continuidade urbana e formal. Contudo, esta extensão não procura a invisibilidade: afirma-se com autonomia, torna-se a nova entrada principal do conjunto e assinala claramente a sua intervenção no tempo, valorizando a imagem do edifício original.
 

Com assinatura de Anastasiya Dudik, designer e construtora autodidata de origem ucraniana, esta casa é o culminar de uma visão disruptiva que recusa as convenções arquitetónicas.

Embora relembre o Brutalismo, o projeto propõe uma reinterpretação quase emotiva do betão – símbolo da arquitetura soviética da infância de Dudik – aqui despido da sua frieza para dar lugar a um refúgio de curvas orgânicas e luz difusa.  

Na Praia Brava, em Itajaí, Santa Catarina, entre a densidade húmida da Mata Atlântica e a linha infinita do oceano, o Studio Arthur Casas desenha uma residência que parece deslizar pela encosta tropical com a naturalidade de quem sempre pertenceu àquela paisagem.

Há casas concebidas para serem vistas. Outras para serem vividas. E depois existem projectos raros como a Casa Bravíssima, onde viver e olhar se tornam exactamente a mesma experiência.

Implantada sobre um terreno de forte inclinação, no condomínio Bravíssima Private Residence, a residência acompanha o movimento natural da encosta até encontrar o horizonte marítimo.

Durante demasiado tempo, bastava-nos olhar. A cor, o brilho, a textura… O primeiro impacto decidia quase tudo. A matéria era aquilo que se revelava em primeiro plano, como se aí terminasse toda a sua história.

Hoje, pedimos-lhe mais.

Queremos saber de onde vem, como nasceu, o que permanece escondido para além daquilo que vemos. Talvez seja essa a maior mudança do design contemporâneo: deixou de procurar apenas beleza e passou a procurar significado. Uma superfície já não se esgota em si mesma. Guarda memória, intenção e tempo.

É desse lugar que nasce ĒCLOS by Cosentino.

Há uma ideia que atravessa toda a marca: pensar a matéria de dentro para fora. Não acrescentar apenas uma pele, mas conferir-lhe profundidade. Fazer com que aquilo que vemos exista também no interior, onde a inovação, o design e uma visão mais consciente da utilização de recursos convergem.

A natureza sempre soube fazê-lo. Nunca criou apenas uma superfície vazia. Em vez disso, prefere os veios que se abrem lentamente, os sedimentos que se acumulam durante anos, as erosões que contam histórias sem precisarem de palavras. Cada camada preserva um fragmento de uma narrativa maior.

ĒCLOS não procura, de todo, copiar essa beleza. Procura compreender a lógica com que ela acontece.

É dessa observação que nasce a tecnologia INLAYR. O desenho deixa de existir apenas na sua superfície para atravessar toda a espessura da peça. O relevo deixa de ser um efeito ótico para passar a fazer parte da própria matéria. Vê-se. Sente-se. Permanece no espaço. Ao mesmo tempo, esta inovação traduz uma abordagem mais responsável ao futuro, integrando materiais reciclados e conciliando desempenho, estética e sustentabilidade.

Implantado entre falésias calcárias e floresta tropical, o projecto propõe uma experiência de hospitalidade profundamente enraizada na paisagem e na cultura filipina. Este resort ocupa uma área de mais de seis hectares e integra 42 unidades de alojamento (entre water-villas e forest-rooms), além de spa, sunset bar, centro de mergulho, capela e um arrival hall junto à água.

A intervenção da WATG – que assumiu arquitectura, consultoria e planeamento – partiu de uma leitura sensível da topografia natural da ilha, permitindo que os edifícios se integrassem organicamente na paisagem envolvente. Também os interiores, assinados pela Wimberly Interiors, aprofundam esta narrativa contextual através da valorização do artesanato tradicional filipino. O arrival hall inspira-se nos tradicionais barcos Paraw, combinando padrões geométricos Sawali.

Entre montanhas preponderantes e uma paisagem que respira num ritmo próprio, este lugar escapa a qualquer classificação previsível. Não é apenas um hotel, nem tão-pouco um retiro - é um território suspenso entre natureza, escuta e presença. Um intervalo onde o corpo reaprende aquilo que a aceleração do quotidiano tende a fazer esquecer.

Fundado por Nicole Boekhoorn e Fleur Huijskens, o projecto nasce de um gesto intuitivo: regenerar a terra para, quase inevitavelmente, transformar também quem por ali passa. Nada aqui é excessivamente pensado, o que faz com que a personalidade se revele com maior nitidez. A experiência constrói-se em camadas - na quietude que abranda o ritmo interno, no silêncio que se adensa, na forma como os sentidos retornam a um estado de plenitude.

 

O apartamento desenhado por Kamilya Zhakypova, da Alchemia Group, em Esentai City, Almaty, pertence a essa segunda categoria. Não nasceu de uma tendência, nem da vontade de reproduzir uma estética reconhecível. Nasceu de uma conversa e da história de uma mulher que já tinha habitado diferentes linguagens de interiores – do neoclássico ao provençal, passando pelo minimalismo depurado e tantas vezes repetido da contemporaneidade – até chegar à necessidade de traduzir uma sensação.

A cliente, viajante com uma relação profunda com a natureza e com as experiências acumuladas pelo caminho, trouxe consigo uma memória impossível de ignorar: o momento em que nadou no oceano, em Bali, junto de baleias azuis. Há imagens que não desaparecem; habitam dentro de nós e, anos mais tarde, transformam-se noutra coisa. Neste caso, tornaram-se matéria. Um silêncio em tons de azul, uma sensação de escala e a ideia de estar perante algo maior...

Kamilya procurou traduzir essa impressão sem a tornar literal. Dando lugar a uma casa que não pretende ser uma fuga da cidade, mas uma pausa dentro dela. Um lugar onde as paredes parecem respirar, onde a madeira revela as suas imperfeições e onde o gesso artesanal se transforma numa pele. “O uso do gesso como material unificador em todo o espaço é o que melhor expressa a minha abordagem ao design”, explica a designer, descrevendo a forma como este elemento estabelece continuidade entre arquitetura, luz e percepção espacial.

Existe uma beleza particular naquilo que não procura a perfeição. Os veios da madeira foram escolhidos precisamente pelas suas irregularidades e pelas marcas que denunciam a vida daquele material antes de chegar ali. Não se procurou esconder a natureza, mas deixá-la participar.

Os tons acompanham essa intenção: areia, argila, verdes suaves, pedra e tecidos naturais criam a sensação de uma paisagem aquecida pela luz do sol. Nada grita. Tudo sugere.

Talvez o maior desafio tenha sido precisamente este: criar emoção sem excesso. Fazer da casa um lugar de reconhecimento, que em vez de funcionar como arquivo de objetos acumulados, escolhe acompanhar a vida - devolvendo espaço à escuta, à presença e ao próprio estado de ser. Kamilya resume esta ideia de forma simples: “A casa não é uma concha isolada, é uma continuação do mundo que a rodeia.”

Entre o azul intenso do Mediterrâneo e as colinas de Cala Vadella, a Can Chachacha, em Ibiza, afirma-se como o retiro pessoal de Oscar Lucien Ono, fundador da Maison Numéro 20. Desenvolvido como um projecto íntimo a quatro mãos com o seu companheiro, este lugar traduz-se numa ideia essencial: a de abrigo.

Voltada para o horizonte onde Es Vedrà se afirma de forma imponente, esta intervenção nasce a partir de uma estrutura existente dos anos 70. Ao preservar a sua essência e a icónica fachada branca caiada, profundamente ligada ao contexto vernáculo da ilha, o projecto não procura ruptura, mas antes continuidade: uma interpretação contemporânea que respeita a memória construída, transformando-a numa nova linguagem.

Organizada em dois níveis conectados por uma escadaria escultural branca, a casa desenvolve-se com fluidez. A luz natural invade os espaços, dissolvendo os limites entre arquitectura e paisagem. Dois quartos com casa de banho privativa e pátios independentes oferecem recolhimento, enquanto o piso principal integra cozinha, sala de jantar e sala de estar num único espaço aberto, pensado para a partilha.

É precisamente nesta transição entre dentro e fora que reside uma das maiores forças do projeto. No exterior, amplos terraços funcionam como extensão natural da casa, prontos a acolher zonas de refeição, áreas de descanso e um duche ao ar livre. O interior revela uma narrativa mais íntima, construída através de objetos, arte e mobiliário que transportam histórias, viagens e memórias. Um biombo de inspiração japonesa, proveniente da residência parisiense do casal, introduz uma nota de deslocação cultural. Peças desenhadas pela Maison Numéro 20 reforçam a identidade autoral do espaço, enquanto obras de Christophe Gaignon, Daniel Nuñez e François Mascarello acrescentam camadas de sensibilidade e expressão artística.

A paleta cromática, composta por tons terrosos como mostarda, laranja e neutros quentes, evocam o dourado intenso da ilha. Toques de verde e azul dialogam com a vegetação e o mar, equilibrando calor e frescura. O resultado é um ambiente eclético e sofisticado, com uma alma boémia que reinterpreta o espírito livre da Ibiza de1970.

Can Chachacha é, acima de tudo, um lugar de permanência. Uma casa desenhada para conversas demoradas, memórias que se eternizam e momentos de contemplação. Entre a simplicidade dos materiais, a intimidade dos objetos e a presença marcante do cenário envolvente, constrói-se aqui uma forma de habitar mais consciente.

Num tempo em que quase tudo compete por atenção, existe uma forma mais discreta de existir: aquela que não procura destacar-se, mas simplesmente permite-se ser. Nesta casa de verão, concebida por KHR Architects em colaboração com a Garde Hvalsøe, essa atitude ganha expressão construída. Não pretende dominar a paisagem, nem reinventar uma linguagem ou afirmar-se como objeto. Prefere algo maior: pertencer.

Implantada na costa dinamarquesa, a habitação surge como uma extensão natural do território. A cobertura em colmo, longe de ser uma referência nostálgica, funciona como um elo entre passado e presente, tradição construtiva local e uma visão contemporânea de habitar. A arquitectura não interpreta a paisagem; integra-se nela.
A aproximação à casa acontece lentamente. A entrada, discretamente posicionada num dos cantos do edifício, afasta-se de qualquer gesto cénico ou monumental. O percurso conduz o olhar através de amplos planos envidraçados até ao centro da habitação, revelando gradualmente os espaços e aquilo que os envolve. Entre vegetação, luz filtrada e percursos discretos, não existe um momento de impacto imediato. Existe, antes, uma sucessão de descobertas que convidam a uma observação mais atenta.

No interior, a mesma filosofia de contenção orienta cada decisão. Madeira, pedra e materiais naturais constroem uma atmosfera serena onde o valor não está na acumulação, mas na precisão. A luz desempenha um papel central nesta narrativa. Percorre os espaços sem dramatismo, revelando a matéria de forma subtil e transformando continuamente a perceção dos ambientes ao longo do dia.
Os espaços comuns assumem-se como o âmago da casa. A cozinha, cuidadosamente integrada na área social, abre-se para uma ampla sala de jantar e de estar em dupla altura, onde as vistas sobre os campos e colinas se tornam parte da experiência quotidiana. Não através da sumptuosidade, mas pela capacidade de acolher e reunir.
Nos espaços privados, as fronteiras entre interior e exterior permanecem permeáveis, reforçando a relação constante com o cenário envolvente e com o ritmo das estações.

Num contexto marcado pelo excesso e pela velocidade, este projeto propõe uma reflexão sobre a forma como escolhemos ocupar o mundo. Ao rejeitar a necessidade de se afirmar, a Thatched Summer House lembra-nos que existe uma beleza particular naquilo que não procura impressionar. Naquilo que simplesmente encontra o seu lugar.

Há casas que se contemplam; outras, percorrem-se. Desenhada pelo estúdio Lissoni & Partners, esta villa pertence claramente à segunda categoria. De frente para a praia de Juhu, em Mumbai (antiga Bombaim), na Índia, esta residência privada, robusta e escultórica, revela-se sensível e pensada como um refúgio onde três gerações convivem.

A arquitectura, de presença marcante, desenvolve-se em seis pisos e brinca com cheios e vazios, recuos e aberturas verticais, que filtram a luz e garantem privacidade. De três lados, o edifício recolhe-se sobre si próprio; mas do lado do mar, abre-se sem reservas, deixando o olhar perder-se no horizonte do Mar Arábico. É assente nesta dualidade que começa a experiência.

Assinado pelo prestigiado atelier londrino Bergman Design House, fundado por Marie Soliman e Albin Berglund, este espaço de eleição encontra-se estrategicamente suspenso no One&Only One Za’abeel, integrando a icónica estrutura "The Link”, uma das maiores consolas arquitetónicas do mundo, que flutua a mais de 100 metros do solo. Mais do que uma proeza de engenharia que liga fisicamente duas torres, o projeto simboliza uma ponte conceptual entre a herança e o futuro, o luxo elevado e a tradição enraizada da região.
Este espaço encapsula a essência do design de interiores contemporâneo. Marie Soliman e a sua equipa desenvolveram, ao longo de doze meses de meticuloso trabalho e prototipagem, uma linguagem visual estratificada que desafia o conceito tradicional de um cigar lounge. O resultado é um equilíbrio exímio entre a masculinidade e a elegância, a intimidade e a imponência, onde cada detalhe foi desenhado para ser simultaneamente confiante e contido.
A paleta cromática do N53 é densa, calorosa e assumidamente atmosférica. Tons de caramelo e conhaque inspiram a marqueteria nas paredes, enquanto cinzas-escuros profundos dominam o teto e os tapetes, conjugando-se harmoniosamente com bronzes escuros, âmbar e subtis apontamentos de azul-pizarra. Esta escolha cromática não só ecoa o universo dos charutos premium e das bebidas raras que ali se servem, mas também potencia um jogo dramático de luz e sombra que acolhe e envolve o visitante.

O respeito pelo artesanato e pela narrativa cultural está cravado no coração do design. A peça central em marqueteria presta homenagem à falcoaria, símbolo maior de poder e precisão na cultura local, reinterpretada sob uma lente contemporânea e subtil. Materiais autênticos e tácteis como o mármore Cipollino, madeiras ricas, metais escovados e couro foram selecionados pela sua beleza e pela forma graciosa como envelhecem. A atmosfera é pontuada por uma instalação de luz suspensa em malha metálica e por candeeiros de pé em vidro de Murano, que conferem uma suavidade acústica e visual única ao espaço.
Com um layout em plano aberto que flui organicamente entre zonas de estar, a área de exposição de charutos e um humidor privado em estilo speakeasy para convidados VIP, o N53 privilegia a discrição e o recolhimento em detrimento do espetáculo. Orientado para as vistas cinematográficas do skyline de Dubai, este é um refúgio de quietude e indulgência refinada, desenhado com a mestria de quem sabe que o verdadeiro luxo reside na desaceleração do tempo. 

Frescos, colunas e mármores originais permanecem, agora enquadrados por uma intervenção contemporânea que reorganiza os interiores e devolve ao palácio uma nova sequência de espaços.
Nos corredores, a luz desliza sobre o mármore Rosso Verona, percorre as madeiras densas e repousa nos móveis feitos à mão. Os tapetes absorvem os tons quentes dos telhados romanos e cada sala evoca o refinamento dos vagões históricos do Orient Express – ambientes íntimos e luxuosos, pensados para a arte de viajar.
Cada suite revela uma identidade própria. Stendhal, com tectos abobadados e frescos restaurados, evoca o escritor francês Stendhal, que aqui se hospedou, e abre-se para o Panteão e para a Piazza della Minerva. Obelisco observa o célebre elefante de Gian Lorenzo Bernini na praça, enquanto a suite La Minerva, no topo do edifício, parece suspensa sobre os telhados da cidade. A Orient Express, a maior de todas, organiza biblioteca, salas de estar e de jantar em torno de peças desenhadas para o espaço, num ambiente que ecoa a elegância serena dos lendários vagões ostentosos.

Numa abordagem fluida e livre, o seu trabalho é o reflexo de uma cultura em transição. Através dos tecidos explora os limites da experimentação reformulando a ideia de artesanato como uma forma de inteligência, que envolve novas gerações e linguagens desafiantes.


Alexandra Novo: Quem são os artesãos de hoje? Qual a sua visão de futuro e que aspectos são fundamentais na sua prática diária? Constança Entrudo: Os artesãos de hoje são, muitas vezes, designers – ou talvez a distinção entre ambos já não seja tão relevante. É, em grande parte, uma questão de semântica. O que realmente importa é a relação com o fazer. Interessa-me pensar o artesão contemporâneo como alguém que é muito mais do que um técnico. Pode ser quem desenha, questiona, testa e redefine processos. É muito importante estimular o pensamento crítico em todas as fases de desenvolvimento. Para mim, o processo de design não acaba quando a peça está “desenhada” – é uma constante construção e comunicação ao longo de todo o processo.


No seu estúdio desenvolve manualmente tecidos e estampados que cruzam fronteiras e disciplinas, não se limitando a sua aplicação à moda, mas também à arte e aos interiores. Que projectos tem desenvolvido nessas áreas paralelas? Temos desenvolvido vários projectos na área dos interiores – algo que há tanto tempo queria fazer. O primeiro que surgiu foi o Bela, o speakeasy dentro do restaurante Barbela, em Lisboa. Começou com uma encomenda de uma cortina de linhas estampadas, que iria revestir e envolver todo o espaço, e acabou por se transformar num projecto completo, onde fizemos o estudo de cor, desenhámos chão (um terrazzo “manual” feito em colaboração com a artista Maria Ana Vasco Costa), mobiliário, luz e, claro, a cortina, que é a peça central. Este projecto tem um enorme significado para mim, reflecte o meu trabalho de forma tão clara. Temos colaborado também com o atelier DC.AD, do arquitecto Duarte Caldas, com quem desenvolvemos o projecto têxtil do restaurante Sophia, do seu atelier, e temos ainda outros três projectos previstos para este ano.


Recentemente participou num debate na ONU – Organização das Nações Unidas – sobre uso da Inteligência Artificial (IA) no sector têxtil. A IA é uma aliada ou uma ameaça? A IA tornou-se fundamental para mim, mas recentemente tenho sentido vontade de fazer o esforço de desenhar ou escrever sem esta bengala constante. No outro dia li uma crónica do Tim Harford sobre a ideia de self-maintenance, que falava da importância de saber manter, mais do que melhorar. Tenho andado a pensar muito nisso no contexto da nossa relação com a IA. Já não estamos a lidar com máquinas que conseguimos desmontar, perceber, ajustar. Acho que esta distância, este mistério, é perigoso. Deixa para trás algo importante, que é perceber o processo. Seja através da tecnologia ou do trabalho manual, para mim é essencial não perder essa ligação, aquilo a que chamamos de savoir-faire. No entanto, há também uma outra questão que me preocupa: o mau uso das palavras em prol da criação de narrativas. Preocupa-me especialmente o uso de termos como “craft” (uma das palavras preferidas do ChatGPT, por exemplo). Hoje em dia tudo é “craft”: vemos campanhas de fast fashion a falar de “crafting stories”, ou produtos feitos em massa a serem apresentados como “crafted” ou “hand finished”, quando na verdade não são. Acredito que muitas pessoas nem se apercebem que perderam, de certa forma, o controlo sobre o conteúdo que estão a produzir. E é importante que isso seja questionado, caso contrário, palavras como “transparência” – que também parecem ser muito usadas pela IA –, vão acabar por perder completamente o seu significado.  

Idealizado por Benjamin Cohen e Julien Casbas, à frente do Dalia Group, este espaço nasce como um refúgio urbano que privilegia o encontro, a partilha e o prazer de estar à mesa.

Com 360 m² distribuídos por três pisos, o percurso faz-se de forma fluida, quase intuitiva. No rés-do-chão, a cozinha aberta e a sala ampla estabelecem um ambiente vibrante, onde o movimento e a energia marcam o compasso; no primeiro andar, o ritmo abranda, convidando a refeições mais demoradas e conversas sussurradas; já no topo, uma khaïma suspensa (tenda tradicional da cultura berbere) envolve o visitante num cenário acolhedor, pensado para prolongar a noite entre brindes e cumplicidades.  

Implantada no ponto mais alto de uma clareira, a estrutura circular desenhada pelo arquitecto Narein Perera estende-se sobre um cenário de verde intenso, onde o perfume da canela – no coração de uma plantação no Sul do Sri Lanka – e a proximidade de uma lagoa compõem uma atmosfera profundamente sensitiva. A propriedade com cerca de 12 acres, rodeada por arrozais planos, abre-se a vistas de 360 graus sobre a densa vegetação tropical, com a sua arquitectura a emergir quase camuflada pela paisagem.

A forma da casa nasce de um gesto simples e simbólico: um traço circular que acompanha a topografia e organiza a experiência do espaço. Elevada sobre pilares que evocam troncos de árvores e protegida por coberturas de ferro ondulado, a estrutura assume a leveza de uma casa na árvore contemporânea. O desenho em meia-lua do edifício organiza-se em volumes que acolhem quatro quartos, áreas comuns e uma piscina infinita voltada para a paisagem. Estes volumes dispõem-se de forma aparentemente irregular, criando áreas preenchidas e vazios que quebram a simetria da forma circular e evocam a lógica orgânica da própria floresta.

Para o arquitecto, o projecto parte da ideia de que o edifício não deve competir com o lugar, mas antes permitir que a paisagem se infiltre naturalmente no espaço habitado. A casa não bloqueia as vistas; apenas as recolhe, amplia e transforma em experiência quotidiana. Entre aberturas amplas e transparências cuidadosamente orientadas, o exterior parece entrar no interior de forma quase casual. A luz natural desempenha aqui um papel essencial. As grandes janelas permitem que o sol atravesse os espaços ao longo do dia, criando manchas luminosas que se deslocam lentamente sobre cada piso. Este jogo de luz e sombra transforma continuamente os interiores, dando-lhes uma qualidade viva e mutável, marcada pelo ritmo das horas e das estações. 

A paisagem rural da Flandres é interrompida pelo monolítico em tijolo com caixilharia em madeira, um misterioso sólido de aparência minimal, referência ao modernismo dinamarquês. De fora, é notória a robustez do volume de 550 m², mas dificilmente se adivinha a poesia inscrita nas paredes e vãos que se abrem do seu interior para o amplo pasto. Desta e de outras miragens vive o território da criatividade.

O que seria de nós sem a capacidade de imaginar e transformar o olhar, de nos deixarmos seduzir pelo suave encantamento que nos sugere a beleza de um objecto? É este o pressuposto da marca Illus, criada há cinco anos pela designer de interiores Julie Thiers. Illus – palavra derivada de “ilusão” – reúne objectos de design numa colecção de espelhos, acessórios e ferragens feitas à mão, na Bélgica, e que resultam da vontade de reconectar com o artesanato e a alma dos objectos produzidos manualmente. Mais do que elementos decorativos, Julie idealiza peças que funcionam como intervenções na arquitectura de interiores, capazes de trazer poesia ao quotidiano.

Este projecto, desenvolvido em co-autoria com o arquitecto Pascal Bilquin, é a casa onde a designer vive com a família, e que se transformou em manifesto e lugar de experimentação ajustado à sua vivência diária.

O Porto é, por si só, uma cidade com uma envolvente mística, pela qual Massimiliano Sale’ e Jeremiah Healy se apaixonaram já há alguns anos – lugar que visitavam com frequência. Juntos, e longe do seu background profissional, criaram o sonho de abrir portas a um espaço de conforto onde, além de amigos e família, pudessem acolher viajantes e a comunidade local. Um lugar de histórias, criativo, inclusivo, e com sentido de casa: “Não gostamos de dizer que é uma casa longe de casa, porque na verdade queremos que seja a melhor versão da nossa casa”.
Assim, no meio do ritmo criativo da Rua de Cedofeita, nasceu a Casa Cedo – um boutique hotel que redefine a ideia de hospitalidade ao transformá-la numa experiência íntima, sensorial e profundamente pessoal. Instalado num edifício do século XIX cuidadosamente reabilitado, o projecto, com arquitectura assinada pelo atelier in.vitro e interiores pelo Quiet Studios, preserva a alma e memória arquitectónica enquanto introduz uma linguagem contemporânea subtil, onde cada detalhe foi pensado para acolher e inspirar.
Logo à entrada, o inesperado: uma recepção camuflada de uma delicada loja botânica – paixão de um dos proprietários e mote para o nome dos quartos –, onde flores frescas convivem com as fragrâncias da Byredo, antecipando o tom sensorial da estadia. No interior, a atmosfera é a de uma casa vivida, calorosa e serena, onde o tempo abranda entre leituras demoradas, conversas espontâneas ao sabor de um cocktail de assinatura e momentos de relaxamento num refúgio que convida à calma.

Há projectos que nascem de encontros improváveis e se consolidam como narrativas inevitáveis. A Quinta da Princesa é um desses casos. Mais do que uma reabilitação, é um projecto construído sobre uma relação entre arquitecto, cliente e lugar. A velha máxima confirma-se: “com bons clientes, só podem surgir bons projetos”, mas aqui com um detalhe singular: anos antes, o estúdio do arquitecto António Costa Lima já havia imaginado este edifício através de uma aguarela feita pelo próprio. E foi esse gesto que o conduziu ao actual proprietário e ao início desta história agora materializada.

Implantada no topo de um vale em Sintra, com vista aberta até ao mar, a casa remonta ao início do século XIX, quando a vila se afirmava como epicentro do romantismo. Diz-se que D. Fernando II ali terá vivido, rodeado por jardins exóticos e uma paisagem pensada como um refúgio. O abandono das últimas décadas, porém, deixou marcas profundas: vegetação invasiva, cobertura degradada e interiores descaracterizados. Durante quatro anos, o processo focou-se não apenas em reconstruir, mas em compreender e respeitar o tempo.  

Focada na preservação e valorização dos elementos preexistentes, a intervenção mantém a organização espacial típica desta zona histórica, celebrando a fluidez entre as áreas sociais e a alma da estrutura.
Logo na entrada, somos recebidos por um padrão axadrezado em mármore Alpi Verde e Bianco Carrara, que estabelece um diálogo imediato entre o clássico e o contemporâneo. A icónica janela oval da fachada serviu de inspiração para o desenho do mobiliário do hall, onde as linhas curvas enquadram de forma sublime a luz natural, transformando um elemento funcional numa peça de design distintiva.

Na sala de estar, a arquitetura original ganha novo fôlego com a introdução de estantes embutidas que emolduram a lareira de pedra natural, reforçando-a como o ponto focal do convívio. A luz, elemento central em todo o projeto, inunda o espaço através da generosa bay window, realçada por uma seleção de mobiliário discreto que permite à paisagem exterior (dominada por uma árvore secular no jardim frontal) assumir o protagonismo.
A transição entre pisos é, talvez, a melhor metáfora desta renovação. A escadaria original, outrora degradada, foi redesenhada com um rigor formal que combina molduras clássicas e um corrimão em aço lacado, embutido na estrutura. É neste detalhe, fruto de uma colaboração estreita entre designers e artesãos, que reside a essência da Wood Residence: uma atenção meticulosa ao pormenor.
A cozinha, situada na retaguarda, mantém a sua localização original mas abre-se agora para o exterior através de uma porta de estilo francês em tom antracite. O contraste subtil entre o mármore das bancadas e a funcionalidade da nova ilha central adapta o espaço aos padrões de vida atuais, sem comprometer a elegância intemporal.
No piso superior, a suite principal assume-se como o expoente máximo de sofisticação. Inspirada no conceito de boutique hotel, a casa de banho privativa é separada por portas de vidro texturado que garantem privacidade sem bloquear a luz. A bancada de parede a parede e o duche walk-in reforçam o caráter luxuoso e refinado deste refúgio.

A Wood Residence é, acima de tudo, um tributo à continuidade. Ao redesenhar molduras e preservar a volumetria, o projeto não se limita a renovar; ele enaltece a identidade de Westmount, provando que é possível honrar o passado enquanto se desenha o futuro. 

O desafio era audacioso: transformar uma estrutura de linhas minimalistas e arquitetura depurada num refúgio que evocasse o charme clássico dos apartamentos haussmannianos de Paris, sem abdicar de uma frescura contemporânea e vibrante.
O fio condutor desta metamorfose é a luz. Mais especificamente, o momento em que o dia se despede. Ali Lahlou concebeu os interiores como uma jornada cromática inspirada no pôr-do-sol, onde gradientes suaves de laranjas quentes se fundem com azuis enevoados. Esta paleta não surge em contrastes abruptos, mas em transições silenciosas que conferem ritmo e profundidade aos espaços, garantindo que a serenidade e o caráter coexistam em cada divisão.
Ao atravessar a entrada, somos recebidos por uma imponente mesa central em mármore Calacatta, que ancora a circulação e evoca a sofisticação de um hotel boutique. Daqui, o olhar perde-se na elegância do pavimento em madeira de nogueira, disposto em herringbone, um elemento fundamental para estabelecer o diálogo entre a tradição europeia e a audácia moderna do projeto. É sobre este palco de tons neutros que o mobiliário, quase todo desenhado à medida pelo estúdio, ganha voz própria. Veludos macios repousam junto a mesas de vidro esmaltado, enquanto um bar de ónix arco-íris se destaca como uma peça de joalharia arquitetónica.
A casa desdobra-se em ambientes de um conforto tátil: desde a sala de estar em estilo biblioteca até ao jardim de inverno sob uma pérgula banhada por luz natural. Sendo os proprietários ávidos colecionadores de arte, as paredes mantiveram-se discretas, permitindo que as obras de arte e as peças de design arrojado pontuem o espaço com confiança. O resultado é um equilíbrio magistral entre o antigo e o novo, onde as lareiras convidativas e os materiais nobres, como o mármore e o latão, convivem com uma sensibilidade decorativa sublime.

Concluída num prazo recorde de seis meses para coincidir com o casamento dos proprietários, esta renovação integral não foi apenas uma obra de engenharia e estética, mas um exercício de intimidade. Ali Lahlou conseguiu criar um cenário que é, simultaneamente, um palco para a expressão criativa e um santuário de calma. Em Casablanca, entre o sussurro das árvores e o brilho do pôr-do-sol refletido no vidro, habita agora uma casa com alma de Paris e o coração no horizonte. 

Inspirado na estratificação minuciosa do croissant, o design interior estrutura-se através de um sistema de camadas, profundidade e uma articulação secional que privilegia a disciplina visual.
A organização do espaço desenrola-se ao longo de um eixo longitudinal dominante. As unidades de prateleiras, desenhadas à medida, funcionam como um continuum que integra arrumação, exposição e iluminação num único elemento arquitetónico. Estes pórticos verticais estabelecem um ritmo quase musical, criando baías estruturais que conferem ordem ao espaço, sem sacrificar a flexibilidade necessária à apresentação dos produtos.
Sob as superfícies horizontais, a iluminação integrada enfatiza a estratificação, numa alusão direta à massa folhada que inspira o conceito.

Na ORIGAMI, a identidade não se constrói através de gestos decorativos, mas sim através da precisão dos encontros. As junções entre o vidro, o metal e a madeira são executadas com um rigor cirúrgico. As vitrinas de exposição, despojadas de molduras desnecessárias, minimizam o ruído visual, permitindo que o produto seja o protagonista absoluto.
"O espaço não é definido pelo excesso, mas pela disciplina; um interior construído através de camadas, alinhamentos e um contraste controlado."
Mesmo na zona de estar, a continuidade material é preservada. O mobiliário de madeira e as mesas de acabamento mineral mantêm a hierarquia espacial, garantindo que a circulação flua naturalmente ao longo do corredor central.

O resultado final é um ambiente requintado, onde a arquitetura atua como uma moldura silenciosa, celebrando a contenção e a clareza formal. 

Este duplex penthouse de 240 m², que resultou da união estratégica de duas unidades habitacionais, foi concebido pelo investidor Gilles Mattelin para proporcionar uma autêntica experiência de casa unifamiliar num contexto urbano. O projeto destaca-se pela forma como gere a transição entre o antigo e o novo, com a sala de estar instalada numa rotunda histórica da estrutura classificada, enquanto a ala da cozinha surge como uma nova construção. Esta dualidade define a alma da residência, onde a fluidez espacial é garantida por uma escadaria central em estuque branco que rompe com a tipologia convencional de um apartamento.

A jornada sensorial começa logo na entrada, onde as paredes em estuque suave e a presença monumental de uma escadaria revestida a carpete beringela estabelecem um ambiente de acolhimento e calor. O design de interiores é uma ode à sofisticação tátil, marcada por uma curadoria que inclui um candeeiro Bocci em cascata e um banco Baxter Dharma, peças que convidam à pausa logo nos primeiros passos pela casa. Na zona de estar, a atmosfera torna-se ainda mais rica através da sobreposição de texturas: um tapete Jov extremamente macio, o conforto escultural de um sofá Edra e estantes personalizadas em folheado de nogueira que evocam a estética refinada da década de 1970. A arte é o fio condutor deste espaço, com obras de Willem Boel e Stefaan De Croock a guiarem o olhar através dos volumes arquitetónicos.

No piso superior, a casa revela o seu lado mais privado e suave, mantendo a coerência cromática de tons terrosos e materiais nobres. Uma parede contínua de portas de armário estofadas não só organiza a zona de vestir, como também amacia as linhas da arquitetura, ocultando habilmente a entrada para o quarto principal. No santuário do repouso, o veludo e a nogueira voltam a ser protagonistas, complementados por uma obra de Anastasia Bay. A experiência culmina num banho de cariz escultural onde o travertino assume formas fluidas, desde o lavatório monumental até à banheira que segue a curvatura da parede, integrando detalhes pensados para o bem-estar, como um banco de descanso que serve de apoio após as sessões no hammam privado.

A Maison Mattelin não é apenas uma renovação; é um processo exploratório que resultou num lar rico em camadas, onde cada detalhe foi pensado para oferecer uma experiência de habitar profundamente pessoal e intemporal. 

A renovação, que procurou reinterpretar o contexto clássico através de uma linguagem atual, assenta numa premissa onde a cor e a geometria se fundem para ditar o ritmo do espaço. O ponto de partida é o pavimento em carvalho natural, disposto numa rigorosa espinha de peixe, que serve de base neutra e sofisticada, unindo visualmente todas as divisões e conferindo uma continuidade tátil que percorre todo o apartamento.
A verdadeira alma do projeto reside, contudo, na forma como os volumes verticais foram trabalhados. Afastando-se do minimalismo branco convencional, a Casa Pellas abraça uma paleta de tons profundos, do azul oceano ao vermelho tijolo e ao couro, que não funcionam apenas como adorno, mas como verdadeiras ferramentas de composição arquitetónica. Estas superfícies cromáticas definem funções, criam profundidade e guiam o olhar através de uma sequência espacial onde a cor assume um papel quase estrutural. Esta fluidez foi potenciada por uma intervenção técnica cirúrgica: a remoção de um elemento de suporte para criar uma abertura de pé-direito total, estabelecendo uma ligação física e visual entre a sala de jantar e o estar, o que permitiu maximizar a entrada de luz natural e otimizar a circulação na planta compacta.

Neste cenário de equilíbrios, a materialidade assume um protagonismo silencioso mas marcante. Na sala de jantar, uma mesa em mármore Rosa Portogallo, desenhada à medida e produzida por artesãos locais, surge como a peça central que ancora o espaço, contrastando a dureza da pedra com a suavidade das paredes coloridas. Este cuidado com o detalhe estende-se ao sistema de iluminação, uma coreografia entre peças de design icónicas e pontos de luz técnicos quase invisíveis, pensados para esculpir volumes e criar atmosferas que se adaptam aos diferentes momentos do dia. Ao integrar obras de arte de grande formato e uma curadoria rigorosa de texturas, a Casa Pellas afirma-se como um refúgio que respeita a memória do lugar, oferecendo uma resposta funcional e profundamente estética aos desafios da habitação contemporânea. 

Há uma cadência quase musical nos espaços assinados pelo Ecru Studio. Não é por acaso. Jin Chen, o fundador do estúdio sedeado em Taipé, dedicou quase uma década à indústria da música como compositor e produtor antes de transpor essa sensibilidade para a arquitetura de interiores. O que começou em 2012 como a D.A Gallery (Delicate Antique) - um espaço dedicado à curadoria de mobiliário europeu de coleção - evoluiu organicamente para um estúdio de design pleno em 2019, focado na criação de narrativas espaciais onde o objeto e o espaço dialogam de forma indissociável.

Uma Ponte entre Continentes e Eras
A filosofia do Ecru Studio não se limita a reproduzir estilos históricos. Pelo contrário, o estúdio opera uma tradução cultural. Referências que vão do Arts and Crafts ao Art Déco, passando pelo Neoclassicismo e o Mid-Century, são filtradas por uma perspetiva estética asiática. O resultado é um design pautado pela contenção espacial, pela honestidade dos materiais e por uma profunda sensibilidade emocional.
Com a entrada de Randy Tu como Designer Principal em 2024, o estúdio prepara-se agora para um marco decisivo: a abertura de uma base em Paris já em 2026. Esta expansão europeia reflete a maturidade de um percurso que procura, nas palavras de Jin Chen, "interiores que sejam emocionalmente ressonantes e culturalmente matizados".

Projetos em Destaque: Da Gastronomia à Hotelaria
The Flow: Onde o Street Food se torna Refinado
Localizado num edifício com 80 anos no distrito histórico de Zhongshan, em Taipé, o restaurante The Flow é um exercício de contrastes. No piso térreo, a energia informal da comida de rua de Taiwan é reinterpretada através de um balcão ondulante em travertino, inspirado no mobiliário europeu dos anos 30. No piso superior, a atmosfera torna-se mais formal, com painéis de pinho nórdico e arandelas originais de Pierre Chareau, elevando a experiência gastronómica a um patamar de modernismo erudito.

“Menos excesso, mais essência”. Inspirada neste mote, a equipa do Estúdio JB desenhou uma moradia unifamiliar com quase 370 m2 que abraça a contemporaneidade com um toque rústico e aconchegante. Esta casa traduz o desejo dos proprietários por viver num ambiente tranquilo, envolvido pela natureza, sem abrir mão da sofisticação.

Com este projeto, os arquitetos e designers procuraram harmonizar a força dos materiais naturais com a intimidade das memórias pessoais, criando um espaço com uma arquitetura sólida, confortável e profundamente ligada à identidade dos moradores.

A escolha dos materiais — como cimento, madeira e pedra — estabelece a base formal e estética da moradia, reforçando a estrutura sólida e intemporal do projeto. No interior observa-se o mesmo diálogo, onde acabamentos de carácter rústico convivem com soluções elegantes e funcionais.

A paleta de cores foi definida a partir da combinação de tons neutros e sóbrios com pontos de cor estratégicos. Nos materiais naturais, destacam-se o cinzento do cimento e o castanho avermelhado da madeira, nas suas diferentes aplicações, transmitindo equilíbrio entre robustez e conforto. No interior, a base cromática é formada por tons elegantes, garantindo sofisticação e sobriedade. Sobre estas tonalidades base, são aplicados pontos de cor que acrescentam personalidade ao espaço.

O design de interiores foi pensado como uma extensão da identidade dos clientes, valorizando memórias pessoais e peças com significado afetivo. O casal conta com um conjunto diverso de objetos, recolhidos em viagens, que foram integrados no projeto como elementos de destaque, trazendo autenticidade e um carácter único aos ambientes. Estes objetos — artesanato local, esculturas, obras de arte —, além de carregarem histórias, funcionam como pontos de cor e textura, em contraste com a base neutra e sóbria da paleta.

Na construção da moradia, o Estúdio JB teve em conta o seu desempenho ambiental e conforto térmico, nomeadamente na disposição estratégica das grandes janelas em fachadas opostas, permitindo a circulação natural do ar, a renovação contínua dos espaços interiores e a redução da necessidade de climatização artificial.

A localização privilegiada do projeto, cercado pela natureza, potencia a ventilação cruzada e a entrada de luz natural, criando uma atmosfera acolhedora e tranquila. Inserida de forma harmoniosa no cenário, a casa integra-se perfeitamente na paisagem, como se sempre tivesse feito parte dela. 

Das suas mãos surgem objectos heirloom, pensados para nos acompanhar na travessia do tempo. Tendo já conquistado o mercado da hotelaria de luxo nacional e internacional, a JUNTO Wood Design acaba de abrir o seu primeiro showroom, em Lisboa, e de anunciar a chegada da loja online.

Alexandra Novo: Como se deu a alquimia do vosso encontro? O que vos juntou na vontade de deixar uma marca para o presente e o futuro?
Junto Wood Design: O encontro aconteceu de forma muito orgânica. Vínhamos de percursos distintos – um ligado ao design, outro à advocacia –, mas rapidamente percebemos que partilhávamos a mesma inquietação: a vontade de criar objectos com significado, feitos para durar e para serem usados no quotidiano. Existia uma sensação comum de que faltava propósito em muito do que se produzia. A JUNTO nasce desse alinhamento de visão, do desejo de trabalhar com tempo, rigor e intenção, criando peças que façam sentido hoje e continuem a fazê-lo no futuro.

AN: Como é que esta nova forma de viver, associada ao trabalho manual e a um tempo mais lento e consciente, mudou as vossas vidas?
JWD: Mudou profundamente a forma como olhamos para o trabalho e, inevitavelmente, para a vida. Passámos a trabalhar com mais atenção e presença, a valorizar o processo tanto quanto o resultado. Percebemos que acelerar não faz sentido quando se trabalha com matéria viva e com objectos pensados para durar décadas. Esse ritmo mais lento trouxe-nos maior exigência, mas também mais clareza, consistência e satisfação. Hoje, cada decisão tem peso e cada detalhe importa.

AN: O que questionam, pensam e sentem em frente a um bloco de madeira maciça num dia de múltiplas possibilidades criativas? Quais as prioridades? Que madeiras preferem ter entre mãos?
JWD: O primeiro gesto é sempre escutar o material. Questionamos proporções, função, resistência, estética e longevidade. A prioridade está no equilíbrio: a peça tem de funcionar, envelhecer bem e transmitir algo. Preferimos madeiras com carácter e densidade histórica, como o carvalho, a nogueira ou a kambala – materiais que aceitam o tempo como parte do seu percurso. Cada madeira impõe limites e possibilidades próprias, e é nesse diálogo que surge a inspiração. 

Guiados pelas palavras de João Cardozo e pelo olhar atento dos fotógrafos Joe Fletcher e Mariko Reed, apresentamos um projecto assinado pela Mork-Ulnes Architects que transforma as limitações de um espaço compacto, a poucos passos da Baía de Kailua, num lar conectado à natureza tropical do Havai.
Concluída em 2024, a Kailua House é uma casa para uma família de quatro, Anton e Bonnie Rhee Andryeyev e as suas duas filhas, que traduz um modo de vida onde dentro e fora se fundem sem hierarquias. Situada num terreno no litoral de Kailua, e nascida da procura dos proprietários por um novo estilo de vida e do seu amor ao surf, a residência abre-se para o interior, como um refúgio tranquilo no meio de um bairro densamente povoado, centrando-se num jardim privado exuberante e numa piscina cintilante, enquanto avista as Ilhas Mokulua, relembrando a proximidade da zona com a praia de Lanikai.

O projecto, com assinatura do gabinete Mork-Ulnes Architects, organiza-se em dois volumes principais. O primeiro é um espaço de dois pisos, com os dormitórios acima da grande sala de estar. O segundo é um lanai – ambiente típico da arquitectura havaiana que conecta a casa à natureza, fundindo o interior e exterior com protecção. Neste volume abriga-se um escritório, cozinha externa, sala de chá e banho ao ar livre. O tecto, recortado em curva, permite que a luz solar percorra a piscina estendida, ampliando ainda mais a conexão entre céu e água. A cobertura verde do lanai, além de integrar o edifício no verde local, funciona como isolamento natural e reforça a ligação da casa com o ecossistema tropical.  

A poucos minutos de Seminyak e Canggu, mas resguardado do ritmo acelerado da costa Sul, o hotel integra a comunidade da Design Hotels e propõe uma estadia onde natureza e arquitectura coexistem em equilíbrio.

O projecto nasce da visão de Jacopo e Rosa Sertoli, que abordaram o espaço com profundo respeito pela sua história. Em vez de apagar as marcas do tempo, escolheram revelá-las, mantendo a identidade do lugar visível. Ao protegerem a terra, árvores sagradas e técnicas artesanais, defendem uma hospitalidade enraizada no património indonésio.

Bungalows e villa organizam-se em torno de estruturas com cerca de 150 anos, preservando madeira original, técnicas construtivas tradicionais e ferramentas outrora usadas nos arrozais, hoje expostas como elementos decorativos. A arquitectura respira com a paisagem e permite que luz, textura e silêncio se tornem matéria essencial. Em colaboração com Gabriele Salini, responsável pelo grupo hoteleiro GS Collection, o hotel afirma-se como manifesto cultural onde artesanato indonésio, arte local e materiais naturais definem a linguagem estética.  

Minuciosamente reabilitado pelo atelier de arquitectura Masslab, o edifício preserva a sua original fragmentação e densidade da memória criando múltiplas conexões e percursos, não fossem estes cenários que visam inspirar infinitas experiências de partilha, reflexão e criatividade.

O complexo acolhe no seu núcleo um conjunto de cinco apartamentos – de um e dois quartos –, numa linguagem que apela à serenidade luminosa em tons rosa pálido, cinza pombo e areia quente. No clube são muitas as possibilidades de encontro e estímulo, desde salas de reunião intimistas, lounges informais ou espaços mais generosos, adequados a exposições, conversas, actuações ao vivo, workshops e masterclasses.  

Implantada sobre um antigo campo de lava formado pelo vulcão Santa Clara e enquadrada pela reserva do deserto de Red Cliffs, na fronteira com o Arizona, esta casa quer pertencer ao lugar. É a partir dessa escuta atenta do território que nasce o projecto de interiores assinado pelo Design Studio JAC. “É uma paisagem onde a rocha vulcânica negra e o arenito vermelho coexistem sob uma luz em constante transformação”, explica Jourdan Hammond, designer principal do estúdio. “O nosso objectivo foi criar uma casa que parecesse ter estado sempre ali.” Essa intenção atravessa todo o projecto, desde a arquitectura com inspiração do sudoeste americano até à escolha minuciosa de materiais, cores e texturas que ressoam com o deserto.

Quando os proprietários – apaixonados por design, arquitectura e clientes de longa data do estúdio – adquiriram a casa, o interior encontrava-se totalmente despido na sequência de um incêndio. O que poderia ser um obstáculo transformou-se numa oportunidade, como “uma verdadeira tela em branco”, recorda Hammond. “Pudemos repensar cada superfície, cada proporção, cada detalhe”, e a partir daí o projecto desenvolveu-se com uma clareza quase imediata. A casa distribui-se por dois níveis, equilibrando áreas sociais amplas com espaços de refúgio e introspecção. No piso principal, as zonas de estar, jantar, cozinha e bar articulam-se num fluxo contínuo, sempre orientadas para a paisagem através de grandes planos envidraçados. A experiência é a de um interior permanentemente ligado ao exterior, onde o deserto entra pela luz, pelas sombras e pelo silêncio. Os quartos seguem a mesma linguagem, e cada espaço estabelece a sua própria relação com a envolvente.  

Como de costume no mês de Fevereiro, a feira inclui três categorias principais que podem ser visitadas: Christmasworld, Creativeworld e Ambiente, que era o nosso objectivo visitar, especialmente pela presença portuguesa lá. E é surpreendente como a expertise em porcelana e cerâmica Made in Portugal foi muito bem e elegantemente apresentada. O grupo Costa Verde e Grestel tinha dois grandes stands para contactos profissionais e contratuais, o grupo Vista Alegre voltou a apresentar-se com estilo e stands bem decorados. A Vasicol com inovações impressas, a Arfai Ceramics reforçando a sua experiência, bem como a Borralheira, a Barcela ou a Hand Pot, só para citar algumas cuja presença foi notável em termos de design e escolha de produtos.
No domínio dos utensílios de cozinha, a ICEL voltou a destacar-se pela sua gama de produtos e a Silampos chamou a atenção do público em geral com um novo stand e novas opções inovadoras para o consumidor. Já na área de talheres e faqueiros, a Cutipol manteve-se fiel à sua imagem, com a mesma apresentação de outros anos e integrando algumas novidades; o destaque vai para a Herdmar que, com o seu novo stand e novidades desenhadas por personalidades da arquitectura e arte, reforça o seu posicionamento com acções de marketing bem estudadas, respondendo às necessidades do seu público.
 

Assinado por Yi Ping, fundador do estúdio YID, o projecto nasce de uma relação íntima com o território e de uma história pessoal: a da proprietária, Qi Qi, e do seu pai, cuja ligação à terra foi determinante para tornar este retiro possível. Aqui, arquitectura, interiores e paisagem são pensados como um único organismo – vivo e mutável – que convida à desaceleração e à contemplação.

Desenvolve-se em dois núcleos complementares: a Bookhouse, que emerge no topo da colina como um espaço de leitura e silêncio absoluto, e a Homestay, integrada na base da montanha, onde os hóspedes encontram abrigo e continuidade com a paisagem. Ambos os volumes foram pensados para diluir os limites entre interior e exterior, permitindo que a luz, o lago e a vegetação façam parte da experiência. Os quartos abrem-se para a montanha, as varandas acolhem pequenos rituais diários – um chá quente, uma conversa silenciosa, o simples acto de observar.
A materialidade do projecto reforça esta ligação ao lugar. A pedra retirada da própria montanha, a madeira reaproveitada e materiais aplicados manualmente conferem aos espaços uma autenticidade marcada pelo tempo e pela imperfeição, onde cada elemento carrega uma história.

Símbolo universal da eternidade, unidade e perfeição, um círculo não tem princípio nem fim, remetendo a ciclos de vida e de tempo, ao cosmos, a tradições religiosas e esotéricas e à própria arquitectura e design, quando o tema é a harmonia e a infinitude. Na casa que Fernanda Canales desenhou para Valle de Bravo, no México, o círculo é também a forma de um dos três volumes que a compõem. A casa 720 Degrees é um engenho geométrico e óptico, que à função de habitação junta a particularidade de duplicar o percurso de 360 graus da visão normal.

O seu desenho nasce do pátio central e da interacção entre os mundos interior e exterior, concebida como um relógio solar que marca a passagem do tempo. Esta casa autónoma é muitas casas numa só: de dia enquadra uma montanha e um vulcão, abrindo-se para vistas diversas ao longo do perímetro circular; à noite, volta-se para dentro, em torno de um pátio central. O projecto estende-se entre a casa circular principal, um estúdio/quarto de hóspedes independente e um volume rectangular com pátio que acolhe quartos adicionais, arrumos e serviços. A separação em volumes responde à topografia acentuada do lugar e à vontade de preservar a vegetação existente.

Concebida para duas famílias, a casa desenvolve-se em dois níveis – ao nível do solo e em terraço aberto no telhado – e integra espaços para familiares e convidados alargados. Quem a olha de fora, não imagina que no interior os quartos são rectangulares, assim como os quartos de banho, closets e cozinha. As paredes curvas promovem a circulação e estendem-se em terraços para o pátio e jardins para o exterior.  

Uma casa de praia funcional, elegante e confortável, alinhada com as necessidades dos proprietários, foi a proposta de Orie Prince para esta moradia de quatro quartos em Venice Beach. O processo de criação do diretor do Prince Design Studio combina conceitos da psicologia humana com os princípios do Feng Shui e um design intencional.

Ao longo do projeto, as decisões do designer de interiores foram sendo orientadas pela forma como a família gostava de se sentir nesta nova morada: segura, confortável e capaz de voltar a si depois de dias agitados.

Para esta casa, o objetivo de Orie consistia em criar um espaço esteticamente bonito, que refletisse verdadeiramente a essência desta família de cinco – não procuravam tendências, mas alinhamento; um lugar onde todos pudessem descansar, sentir-se seguros e conectar-se.

A tarefa do designer baseou-se em traduzir estas necessidades emocionais, de forma material. Juntamente com a sua equipa, Orie Prince utilizou materiais naturais, ricos em sensações, que envelhecem graciosamente. Cada elemento foi escolhido não só pela sua beleza, mas também pelas sensações que estes transmitem — a argila romana Portola pelo seu calor e profundidade, os azulejos Zellige para acrescentar textura e movimento ao espaço, alguma carpintaria rústica em carvalho branco, pela sua suavidade e estabilidade, e o quartitzo Taj Mahal com acabamentos em couro, para uma elegância orgânica subtil.

Orie queria que o mobiliário transmitisse uma sensação de generosidade emocional e expressividade discreta. Incorporou no projeto formas arredondadas, texturas com alma, peças vintage e arte selecionada para criar uma casa profundamente vivida e amada. Todas as escolhas foram feitas com base no conforto, na personalidade e no apoio ao estilo de vida da família. 

Peças únicas, realizadas com a mestria da equipa da LX Rocks e fruto da ideia de se utilizar materiais de revestimento e acabamento industrial para produtos de utilidade doméstica, no caso, os materiais da gama alta da Cosentino. Deliciados pela qualidade e diversidade do resultado obtido, mostramos estas peças nos showrooms da Cosentino, em exposição no City Lisboa até 31 de Janeiro e no City Porto até 31 de Março deste ano – ideal para os mais curiosos e amantes de design industrial. Aqui deixamos o que pensam os quatro designers sobre esta parceria.

A. O que pensa sobre a iniciativa criada entre a Attitude e a Cosentino?
B. O que motivou a aceitar o convite para esta parceria?
C. Qual o conceito da peça criada em colaboração com os materiais Cosentino, equais foram os principais desafios da sua execução?


CHRISTIAN HAAS
A. É uma parceria inesperada e, portanto, uma iniciativa interessante.
B. Decidimos trabalhar com Silestone, um dos materiais emblemáticos da Cosentino. Durante o nosso processo de design, ficou claro para nós que gostaríamos de usar esse material resistente de uma forma bastante inédita, tanto do ponto de vista funcional quanto estético. Queríamos revelar as possibilidades do material. Esse foi um desafio estimulante e o ponto de partida para a prateleira FRAGMENT.
C. O design da prateleira FRAGMENT representa atributos que não se associariam classicamente ao material Silestone: a aparência da prateleira é curva, emocional e irracional. À primeira vista, brinca com a imperfeição de um fragmento arquitectónico. Olhando mais de perto, o design revela detalhes habilidosos nas suas ligações.

O projeto, assinado pelo atelier HOMU ARQUITECTOS, transformou um apartamento de 237 m² num território híbrido: casa e estúdio, refúgio e palco criativo. Depois de mais de cinquenta anos a viver nos Estados Unidos, a escritora, ensaísta e fotógrafa chilena regressa à Europa com um desejo claro: abraçar o ritmo mediterrânico sem abdicar da amplitude e fluidez espacial que marcaram a sua experiência americana. O briefing refletia essa dualidade: recuperar a altura original dos tetos, reinterpretar as molduras históricas, privilegiar áreas abertas e luminosas, manter a ligação visual à avenida arborizada e criar um espaço profundamente pessoal.

Amplitude com intenção
Apesar da generosa área, o programa é contido: uma suíte principal com closet, um pequeno quarto para as netas e uma vasta zona social pensada para cozinhar, receber e criar. A entrada conduz a um corredor abobadado que enquadra a cozinha luminosa, organizada em torno de uma grande ilha central que reforça a ideia de partilha. Aqui, a tradição americana da cozinha enquanto coração da casa cruza-se com o espírito mediterrânico de partilha sem pressa.
A área de estar desenvolve-se através de divisórias de meia-altura que preservam a continuidade visual e a circulação de luz natural, criando diferentes atmosferas dentro de um mesmo espaço. No centro, a mesa de jantar estrutura a vivência; ao lado, um recanto mais íntimo oferece pausa e privacidade. O espaço de trabalho integra-se organicamente na zona social, culminando no escritório privado de Emma, marcado por portas recuperadas e restauradas pelo atelier.

A linguagem estética assume-se depurada, mas nunca fria. A paleta de claros e neutros funciona como uma página em branco onde a arte, os objetos pessoais e as memórias acumuladas ao longo de décadas ganham protagonismo A necessidade de instalar um novo sistema de climatização levou à reconstrução do teto falso, o que acabou por ser uma oportunidade para aumentar a altura dos espaços e introduzir molduras de escala contemporânea, integradas na carpintaria desenhada à medida.
O pavimento contínuo em porcelânico cinza-freixo reforça a sensação de unidade, enquanto portas e lavatórios em pedra recuperados de demolições acrescentam textura e história. A iluminação, discreta, foi pensada para apoiar, e nunca competir, com a luz natural, verdadeiro elemento estruturante do projeto.
Mais do que uma renovação, esta casa traduz uma transição de vida. É um espaço onde arquitetura e memória se entrelaçam, onde a sensibilidade mediterrânica acolhe a liberdade americana e onde o design se coloca, com precisão e sensibilidade, ao serviço da criação e do quotidiano. 

O que começou, em janeiro de 2023, como um bar-restaurante dedicado à sidra e aos espumantes naturais, celebra agora o seu terceiro aniversário com uma identidade mais definida e ambiciosa: um restaurante autónomo, com carta estruturada, sazonal e pensada para partilha, acompanhada por uma seleção de bebidas curada ao detalhe.
Fundado por Maxime Bourdigal e Victoria Merret (com passagens por Bertrand Larcher, entre Paris e o Japão, e por espaços como o Ötap, em Bruxelas) o Badi evoluiu de forma orgânica. A entrada de Maxime na cozinha e a colaboração com Paul-Antoine Bertin marcaram um ponto de viragem. A cozinha ganhou profundidade, as composições tornaram-se mais precisas e a identidade gastronómica consolidou-se em torno de um princípio claro: o produto é o centro de tudo.
Essa exigência começa na origem. O restaurante privilegia ingredientes naturais, locais e sazonais, trabalhando em proximidade com produtores e artesãos comprometidos, do pão de massa-mãe às hortícolas de cultivo responsável, dos queijos artesanais ao marisco e à carne selecionada. Cada prato reflete essa curadoria rigorosa, numa abordagem onde a simplicidade é resultado de escolha e não de acaso.
A mesma lógica aplica-se à carta de bebidas. A sidra mantém-se como fio condutor do projeto, tratada com o mesmo rigor e narrativa habitualmente reservados ao vinho, numa seleção particularmente singular no contexto belga. A oferta estende-se a vinhos naturais de referência, champanhes, cervejas e opções sem álcool, compondo um universo coerente e pensado para acompanhar a experiência à mesa.

No Badi, o cuidado com o produto prolonga-se no espaço. O interior, desenvolvido em colaboração com a arquiteta Nelly Smets, foi distinguido em 2023 com os prémios do júri e do público do Commerce Design Brussels. O projeto materializa-se numa linguagem honesta e tátil, onde a pedra natural do balcão central em travertino trabalhado por Filiep Dascotte assume papel estrutural e simbólico. Organizado em torno deste elemento, o layout convida à interação e à partilha, numa clara influência da cultura japonesa que moldou o percurso dos fundadores.
Peças de design belga, como os candeeiros Barbier Bouvet, dialogam com cadeiras da FRAMA, reforçando a coerência estética de um espaço onde cada detalhe é intencional. Gastronomia e arquitetura convergem numa experiência integrada, onde a matéria-prima, no prato e no espaço, é celebrada com a mesma precisão e sensibilidade. 

Com cerca de 130 m², a Staggered Cabin nasceu como refúgio de fim de semana para um casal australiano radicado na Califórnia, mas acabou por se transformar na residência permanente da família, um detalhe que ajudou a afinar o projecto para uma vida real, quotidiana e em crescimento.
Implantada a mais de 1.800 metros de altitude, a casa organiza-se em quatro volumes revestidos a cedro, dispostos de forma desencontrada ao longo da inclinação natural do terreno. As coberturas de uma água acompanham o declive e criam pequenos pátios resguardados que integram rochedos existentes, pinheiros Jeffrey e uma clareira soalheira. Esta estratégia reduz a intervenção no solo e permite que a construção toque a paisagem com leveza, prolongando os espaços interiores para o exterior.
O revestimento em western red cedar escurecido funde-se com os tons da floresta, enquanto as coberturas metálicas incorporam sistemas de retenção de neve, transformando-a em isolamento térmico sazonal. A resposta formal é simples, mas rigorosa: uma leitura contemporânea das cabanas escandinavas e do imaginário alpino da Califórnia.

No interior, a organização é compacta e eficiente: três quartos, duas casas de banho, uma área social central, mudroom, escritório em mezzanine e garagem com arrumação superior. A sala e a zona de jantar funcionam como núcleo da casa, articulando os diferentes volumes e eliminando corredores. Portas de correr em vidro abrem o espaço em dois sentidos, criando vistas cruzadas e uma relação constante com a envolvente natural.
A linguagem interior, desenvolvida por Casper e Lexie Mork-Ulnes, aposta num minimalismo quente e funcional. Armários e estantes em Douglas fir, iluminação integrada e mobiliário desenhado à medida garantem continuidade visual e ausência de ruído. Nos quartos das crianças, uma mezzanine com parede de escalada e um pequeno “esconderijo” elevado introduzem dimensão lúdica, sem comprometer a coerência do conjunto. Aqui, reduzir mobiliário não é apenas uma escolha estética, mas também uma forma de libertar espaço para viver.

A sustentabilidade é parte estrutural do projecto: ventilação cruzada, janelas altas que distribuem luz natural em profundidade, arrefecimento passivo no verão e optimização solar no inverno. A gestão das águas pluviais foi integrada no desenho do terreno e a intervenção paisagística manteve-se mínima, respeitando os exigentes critérios ambientais da região de Tahoe.
Mais do que uma casa na montanha, a Staggered Cabin é um exercício de equilíbrio entre tradição e inovação, entre abrigo e abertura. Um projecto que demonstra como a arquitectura pode ser simultaneamente contida e generosa, discreta na forma, mas expansiva na experiência de habitar. 

Assinado pelo gabinete de arquitetura e design de interiores Stene Alexopoulos, este apartamento ocupa o último piso de um edifício dos anos 50 e abre-se para uma varanda panorâmica com vista directa para a Acrópole - um cenário que dispensa enquadramento.
Localizado sobre a praça da Igreja Bizantina de Santa Catarina, a poucos metros da Rua Tripodon, considerada a mais antiga da Europa ainda em uso, o projecto nasce num território onde a história não é pano de fundo, mas presença constante. É nesse contexto que a arquitectura moderna mediterrânica do pós-guerra encontra uma nova leitura, discreta e profundamente respeitosa.

Com 75 m², o apartamento pertenceu à avó de Elena Alexopoulos e, por isso, mais do que uma reabilitação, este projecto é um exercício de continuidade. A planta original foi mantida, permitindo que a lógica espacial dos anos 50 permanecesse intacta. Elementos arquitectónicos da época foram preservados, não como nostalgia, mas como matéria viva sobre a qual se constrói o presente.
O espaço foi redesenhado para funcionar simultaneamente como habitação e estúdio criativo, sem nunca trair a sua identidade original. O resultado é um interior sereno, onde cada decisão parece ter sido tomada com tempo e com memória.

Em coerência com o ano de construção do edifício, o projecto recorre a materiais emblemáticos da Grécia de meados do século XX: mármore, aço inoxidável e madeira maciça. A maioria do mobiliário foi desenhada pelo próprio atelier e produzida por artesãos locais, num processo que valoriza o saber-fazer e a autenticidade dos materiais.
A paleta cromática nasce desses mesmos elementos, dispensando cores artificiais ou contrastes excessivos. Cada peça foi concebida como um protótipo específico para o apartamento, desde o lavatório da casa de banho até aos elementos estruturais em mármore e inox, reforçando a ideia de um interior pensado como um todo coeso.

Um interior como arquivo cultural
O projecto constrói-se a partir de uma sobreposição subtil de referências. A Antiguidade surge na escolha dos mármores locais e nas proporções clássicas; o artesanato popular grego do século XIX revela-se na atenção ao detalhe e à manualidade; e o modernismo dos anos 50 define a estrutura, a contenção formal e a clareza espacial.
Este diálogo materializa-se numa composição equilibrada de mobiliário feito à medida, peças vintage e uma selecção curada de obras de escultores gregos e franceses. O edifício transforma-se assim num palco silencioso, onde passado e presente coexistem sem hierarquias.
Mais do que um exercício de design, este apartamento é uma declaração de respeito pelo lugar. Um espaço que não tenta competir com a cidade que o envolve, mas antes prolongá-la para o interior, com elegância, precisão e tempo. 

Entre volumes de betão e madeira, o projecto transforma a iluminação natural numa linguagem arquitectónica: enquadra vistas, cria profundidade e desenha atmosferas que mudam ao longo do dia.
Implantada nas Scarborough Bluffs, em Toronto, num território marcado pela erosão e por décadas de estabilização artificial, a casa responde com contenção e inteligência. O betão emerge como estrutura e contenção habitável, ancorando o edifício ao terreno frágil. Sobre ele, um volume de madeira avança em consola em direcção à rua e ao lago, criando um equilíbrio subtil entre peso e leveza.
No interior, o contraste entre a robustez do betão e a textura quente da madeira dá o tom: uma casa tátil, silenciosa e durável. No centro, um estúdio de pintura, desenvolvido em estreita colaboração com o proprietário, recebe luz uniforme através de uma clarabóia orientada a norte e de um tecto curvo que controla a intensidade luminosa.
Mais do que um exercício formal, esta casa é um manifesto discreto sobre como ambição, responsabilidade ambiental e respeito pelo lugar podem coexistir. Uma arquitectura que não procura protagonismo, mas permanência. 

Instalado num antigo espaço comercial com 170 m², o projecto propõe uma nova forma de pensar o estúdio criativo: flexível, comunitário e profundamente influenciado pela imagética urbana de Tóquio.
Mais do que uma colaboração estratégica, o Sornells 21 resulta de um encontro natural entre dois percursos complementares. O regresso de Ausiàs Pérez à cidade coincidiu com a procura de Paloma Bau por um novo estúdio, dando origem a um espaço onde diferentes metodologias, disciplinas e linguagens coexistem, e onde a arquitectura se assume como catalisador de encontros, trocas e sinergias espontâneas.

Desde o início, o projecto foi estruturado a partir de uma divisão clara de papéis: o T.O.T Studio liderou o conceito e a narrativa espacial, enquanto a equipa de Paloma Bau ficou responsável pela sua materialização arquitectónica. Esta dualidade reflete a essência de ambos os estúdios, entre pensamento estratégico, matéria, geometria e detalhe.
A inspiração surge de três situações quotidianas da cidade de Tóquio, reinterpretadas de forma subtil e não literal: a rua revestida a cerâmica, o bar izakaya, e a atmosfera relaxada de um onsen.
O percurso começa logo na entrada, pensada como um verdadeiro limiar conceptual. O revestimento em cerâmica branca 10x10 (comum em muitas fachadas urbanas japonesas) envolve o espaço, reforçado por um espelho no tecto que duplica a perceção volumétrica. O efeito é claro: a sensação de que o exterior se prolonga para dentro, diluindo fronteiras entre cidade e estúdio.

No interior, a organização do espaço gira em torno de um elemento central: um bar contínuo que percorre a planta em U. Executado em MDF tingido de preto, este elemento estrutura a circulação e os usos, funcionando simultaneamente como zona de trabalho, superfície expositiva e ponto de encontro.
No centro, uma mesa de 7,20 metros acomoda até vinte pessoas. Pensada como peça-chave do projecto, permite transformar o estúdio num espaço de refeições, apresentações, provas ou reuniões profissionais, sem perder a sua identidade base.
Suspenso sobre o bar, um candeeiro longitudinal desenhado à medida evoca os noren, os tradicionais tecidos japoneses que assinalam entradas de lojas e tavernas. O resultado é um ritmo horizontal que escala o espaço e cria uma atmosfera contida e acolhedora.

Uma das decisões mais singulares do projecto é a localização da cozinha fora do bar, invertendo a lógica típica do izakaya. Para equilibrar essa inversão, um espelho devolve simbolicamente a presença de quem cozinha ao interior do espaço, reforçando um jogo perceptivo que atravessa todo o projecto.
Essa lógica atinge o seu ponto mais inesperado na sala de reuniões, instalada numa reentrância original do espaço e inspirada no universo do onsen. O acesso faz-se por uma escada discreta escondida na marcenaria da cozinha, antecedida por uma porta azul Klein que anuncia a mudança de ambiente.
No interior, a contenção dá lugar à experimentação: tatamis, granito, cromatismos intensos, candeeiros que evocam chuveiros, espelhos com corrimões e uma falsa clarabóia com vegetação criam uma atmosfera quase lúdica. Um céu em néon substitui, com ironia, a habitual imagem do Monte Fuji.
As casas de banho adjacentes, revestidas a vermelho intenso, reforçam o contraste e acrescentam uma nota provocadora à narrativa espacial.

Materialidade, luz e flexibilidade
A estratégia material é coerente e repetitiva, marca do trabalho de Paloma Bau. O pavimento contínuo em microcimento claro unifica todo o espaço, enquanto o tecto em celulose projectada funciona como plano técnico e acústico, deixando instalações e calhas visíveis.
Os móveis fixos - mesas, cozinha e arrumação - são resolvidos em MDF cru, através de um sistema simples e honesto, dialogando com o carácter expositivo do estúdio. Todas as peças à medida foram produzidas pela empresa valenciana Lebrel Furniture.
A iluminação combina soluções técnicas da Arkoslight com candeeiros decorativos em papel de arroz e peças desenhadas especificamente para o projecto, criando um equilíbrio entre precisão e calor difuso.

O Sornells 21 é, acima de tudo, um espaço multifuncional. Um estúdio que se adapta, que acolhe trabalho diário, colaboração, eventos e celebrações, sem necessidade de grandes transformações. Arquitectonicamente, afirma-se como um palco flexível onde o profissional e o colectivo se cruzam, e onde a criatividade acontece tanto nos projectos como nos encontros. Um lugar em Valência que olha para Tóquio, mas que responde, acima de tudo, a uma nova cultura de trabalho: mais aberta, mais partilhada e mais humana. 

Desde o primeiro gesto, o projecto partiu de um princípio claro: integrar-se na natureza sem a alterar, preservando todas as árvores existentes no terreno.
Com 170 m², a casa foi concebida para se orientar totalmente para a floresta. A grande fachada envidraçada funciona como um enquadramento vivo da paisagem, dissolvendo os limites entre interior e exterior e permitindo que a luz natural e as vistas verdes se tornem elementos centrais da experiência do espaço.
No interior, o ambiente reflete essa mesma filosofia. Inspirados pela envolvente, os espaços transmitem uma sensação de calma e harmonia, pontuada por uma curadoria cuidada de arte, mobiliário vintage e peças singulares, carregadas de carácter e história. Cada elemento contribui para uma atmosfera acolhedora, quase meditativa, onde o tempo parece abrandar.
O piso térreo organiza-se num esquema circular, fluido e funcional, integrando sala de estar com pé-direito duplo, sala de jantar, cozinha e casa de banho. Esta disposição favorece a continuidade visual e a circulação natural entre os espaços, reforçando a ideia de casa como um organismo vivo. No piso superior encontram-se o quarto principal, um quarto infantil, um quarto de hóspedes e duas casas de banho, pensados para garantir conforto, privacidade e uma ligação constante à paisagem exterior.
A escolha de materiais reforça a relação com a natureza: pavimentos em madeira, bancadas em mármore e aço inoxidável convivem num equilíbrio subtil entre calor e rigor contemporâneo. Grande parte do mobiliário e dos elementos embutidos foi desenhada à medida, sublinhando a atenção ao detalhe e a coerência do projecto.
A paleta cromática e as texturas foram cuidadosamente seleccionadas para dialogar com o exterior, prolongando visualmente a floresta para dentro da casa. Nada é excessivo, nada é aleatório. Cada decisão contribui para um todo coeso.

Este projecto é um exemplo claro de design consciente e sustentável, onde estética e funcionalidade caminham lado a lado. Uma casa que não se impõe à paisagem, mas que existe em simbiose com ela. Um refúgio contemporâneo onde viver é, acima de tudo, estar em contacto com a natureza. 

Suspenso entre o real e o poético, o conjunto assume-se como uma casa-escultura, um corpo tridimensional que questiona os limites entre arquitectura, arte e filosofia, onde a luz, o som e o movimento tornam-se matéria viva, ampliando a percepção e convidando à pausa.

No coração de uma paisagem vinhateira, uma forma inesperada parece flutuar sobre o solo. Globos habitáveis que respiram com o pano de fundo, são três esferas cobreadas unidas como átomos em suspensão, desafiando a gravidade e as convenções arquitectónicas. É aqui que o “habitar” se transforma em experiência sensorial – uma casa que é também escultura, pensamento e substância viva. Concebido pelo atelier Rebelo de Andrade, Átomos surge do desejo de repensar a forma como habitamos o mundo. Mais do que um edifício – na verdade, um espaço de trabalho do proprietário da vinha ao redor –, este é um organismo poético que paira entre o real e o imaginário, um ensaio tridimensional sobre o equilíbrio entre natureza, arte e consciência, fundidos num só gesto. Para o estúdio de Luís Rebelo de Andrade, em cada projecto “há um participante silencioso – a paisagem – que exige um profundo entendimento e respeito pela sua presença e forma de manifestação”. E este é mais um exemplo da sua prática, que complementa a atmosfera envolvente com profundo respeito e harmonia, expressando “história e inovação, tradição e ecologia, fazendo da arquitectura uma arte única de superação”. 

Nascido em Coimbra em 1973, é a partir dessa familiaridade com a cidade, da es-cola e da prática vivida no atelier que se delineia uma arquitectura consciente, rigorosa e profundamente ligada à forma como as pessoas habitam o espaço.

Lúcia Rumor: Para contextualizar as raízes da sua prática, pode contar-nos um pouco das suas origens e como influenciaram o seu interesse pela arquitectura?
Jorge Teixeira Dias: Nasci em Coimbra, numa família onde se falava muito de ciência e pouco de arquitectura. O “desvio” para o espaço construído veio por outras vias: al-gumas revistas de arquitectura em casa do meu avô e, sobretudo, o desenho. Dese-nhar obriga a olhar duas vezes – para ver e para compreender. Viver numa cidade como Coimbra, onde a arquitectura está sempre presente sem a pressão de uma grande metrópole, acabou por moldar uma forma de estar: observar, simplificar, voltar a olhar. A escolha da arquitectura foi uma acumulação de evidências. Mais do que sa-ber desenhar, interessa-me pensar o espaço e o tempo das pessoas dentro dele.

L.R. O que o levou a escolher Arquitectura na Universidade de Coimbra?
J.T.D. A escolha foi racional e afectiva. Racional porque a escola tinha sido reestrutu-rada por Fernando Távora e reunia professores do Porto e de Lisboa, com culturas de projecto distintas, criando um confronto saudável de ideias. Fui aluno do Hestnes Fer-reira, do Alexandre Alves Costa, do Gonçalo Byrne e outros, o que deixou marcas pro-fundas na forma como olho a disciplina. Foi também uma escolha afectiva: cresci a percorrer a Universidade de Coimbra acompanhando os meus pais. Havia uma familia-ridade física com aqueles espaços, como um regresso a um lugar que já sentia como meu.

L.R. Iniciou a sua carreira com João Mendes Ribeiro, como Coordenador de Ate-lier e Projecto. Como foi a experiência e de que forma moldou a sua prática?
J.T.D. Foi uma segunda escola, mas em “tempo real”. Pela posição que ocupei no ate-lier, atravessei todas as camadas do trabalho: do desenho à contabilidade, às reuni-ões com clientes ou acompanhamento de obra. Essa transversalidade deu-me uma visão muito concreta do que é um atelier de arquitectura: o lado visível – o desenho, as maquetas, as imagens – e o lado menos romântico – a infra-estrutura administrativa, técnica e relacional que sustenta tudo –, mas essencial. Percebi que a arquitectura não existe sem esse “lado B”. 

A dupla de arquitectos, que colabora desde a faculdade – quando criaram o colectivo Kaputt! –, renovaram intenções e dinâmicas com a fundação do Aurora Arquitectos, em 2010. Por essa altura, o crescimento exponencial da reabilitação urbana definiu o foco de intervenção do atelier, resultado da oportunidade e depois do interesse crescente pelas tipologias construtivas históricas. Convertidos em mestres de uma tecitura poética feita de materialidade e memória, questionam o que está instituído para reinventar novas identidades e outros modos de sentir e de se relacionar com os edifícios. Mais do que a funcionalidade do programa, priorizam a simbologia dos rituais atravessada pelo significado de casa, templo e cidade. Cada corpo num espaço é uma narrativa singular que se eleva.

Alexandra Novo: O Sérgio e a Sofia conhecem-se desde a faculdade e dos tempos do colectivo Kaputt!. O que faz perdurar uma parceria ao longo dos anos? Quais os maiores desafios que enfrentaram juntos?
Aurora Arquitectos: Grande cumplicidade, complementaridade e semelhança na forma de colocar perguntas e desenhar respostas. O primeiro desafio foi criar e manter o atelier quando não existia trabalho, depois crescer e continuar a dedicar atenção a cada um dos projectos como se fosse o único e o último.

A.N. Qual o significado e a intenção da escolha do nome Aurora para o vosso atelier?
A.A. Vínhamos de um atelier chamado Kaputt!, que acabou também nos momentos mais duros de crise em Portugal. Queríamos manter um nome colectivo, independente dos nossos nomes. Aurora é o momento do lusco-fusco, o princípio de tudo, o momento onde tudo é possível.

A.N. Que aspectos desta área consideram convergir e aprofundar a vossa linguagem e filosofia?
A.A. A coisa mais interessante é o diálogo entre os diferentes tempos. Sendo esse diálogo não só de linguagem, mas também tipológico. Aquilo que se quer de um edifício do ponto de vista simbólico, construtivo, térmico ou social é completamente diferente de há 50, 100, ou 300 anos atrás.

Um cenário que se presta a tudo: uma apresentação intimista, um evento de marca, um aniversário, um casamento, uma conferência, uma reunião de trabalho ou simplesmente uns dias de retiro junto ao mar, onde o silêncio e a luz fazem parte da experiência.
Localizado na primeira linha da Foz do Douro, com vistas inigualáveis sobre o Atlântico, este edifício dos anos 30 foi resgatado de décadas de abandono e devolvido à cidade com uma abordagem ousada e profundamente contemporânea. A reabilitação preservou os vestígios da ruína – as texturas, as marcas do tempo, as cicatrizes da história – incorporando-os num projecto que respeita a memória sem abdicar do conforto.
O resultado é uma arquitectura que respira e que dialoga com a paisagem.
Proporcionando um ambiente totalmente insonorizado, com um pé direito de mais de seis metros, janelas rasgadas que inundam o salão de luz, e uma escadaria escultórica que acede ao quarto sobranceiro com vista para o oceano... cada espaço foi pensado para oferecer uma experiência singular. No exterior, o jardim acolhe jantares à luz de velas e o rooftop oferece um horizonte sem fim, palco perfeito para conversas, brindes e pores do sol que todos os dias se reinventam. 

Alexandra Novo conduz-nos por uma casa que poderia ser um livro, onde o design se torna tangível, os materiais se tocam, as gavetas se abrem e a imaginação floresce.
Nas margens do canal principal de Haarlem, o edifício de 1886 ergue-se em discreta monumentalidade. No interior, as divisões amplas com janelas altas, antigas lareiras e tectos ricamente ornamentados são a tela em branco para um dos mais ousados projectos dos designers Jeroen Stock e Leonie Hendrikse, a Stock Show Home. Sede do seu estúdio Stock Dutch Design, a casa é ainda a sua residência, onde vivem com os dois cães e os três filhos. São 500 m2 de narrativa emocional, reflexo de uma personalidade efervescente, aberta à partilha e à exploração.
O maior desafio foi criar fluidez numa área tão vasta. “Queríamos que os pisos estivessem ligados tanto na cor como na atmosfera, tons quentes foram misturados em toda a casa. Por exemplo, a madeira do primeiro andar é mais escura do que a do rés-do-chão, mas ambas pertencem à mesma família de verdes, pelo que a transição parece natural e harmoniosa.”, afirma Leonie. No piso térreo desenvolve-se o estúdio, área criativa com uma cozinha que liga directamente ao jardim. O primeiro andar dá início à área residencial onde a família cozinha, convive e relaxa. Neste piso há ainda um pequeno escritório para trabalho ou chamadas privadas, e é aqui que fica a sala de tecidos – prazer e trabalho misturam-se. O segundo e o terceiro andares albergam os quartos. 

Durante anos, este castelo do século XII foi destino de peregrinação gastronómica, guiado pela visão de Andreas Caminada, cujo restaurante de três estrelas Michelin moldou a identidade do lugar. Em celebração dos 20 anos do restaurante e curiosamente, também do estúdio Space Copenhagen, os interiores foram redesenhados num gesto que honra passado e presente, património e artesania.
A renovação estabelece um diálogo sensível entre herança e contemporaneidade. No lobby, a arquitectura em pedra e madeira encontra peças seleccionadas com precisão: objectos do Studio Oliver Gustav convivem com a mesa de pedra de Maverick Lee e com o candeeiro em latão de Michael Verheyden, compondo uma elegância silenciosa e contida. No restaurante, a luz suave desliza por paredes texturadas, enquanto o mobiliário feito por artesãos locais e as cadeiras Sela da De La Espada definem uma atmosfera íntima e cerimonial. No bar, tons quentes e formas envolventes, desde os sofás Loafer da &Tradition, às mesas Sintra da Frama, criam um refúgio acolhedor.
 

Conheci Juan Herreros no mundo da arte; um amigo galerista em comum foi a ponte necessária, mas seria mentira dizer isso sem mencionar os inúmeros livros que comprei sobre o seu trabalho, de mais de 40 anos de prática, ao longo da minha vida. O seu trabalho expande-se por Espanha, Noruega, França, Roménia, Albânia, Marrocos, México, Panamá, República Dominicana, Colômbia, Brasil, Argentina e Coreia do Sul. Herreros é um arquitecto do mundo da arte, e através do estudio Herreros projectou museus, sedes de colecções privadas, redesenhou e corrigiu a arquitectura de importantes instituições – como o Reina Sofia em Madrid –, projectou galerias e feiras de arte, estúdios de artistas e montagens de exposições. Juan é dotado de uma energia inesgotável, sempre disposto a ajudar, o seu sorriso franco e incrível capacidade de criação fazem dele o profissional perfeito para discutir esta linha estreita e muitas vezes porosa entre a arte e a arquitectura.

Verónica de Mello: O seu trabalho posiciona-o como um arquitecto conhecedor do mundo da arte, para o qual realizou projectos de todos os tipos e escalas. O que é que o contacto com a arte pode oferecer a um arquitecto com tanta experiência?
Juan Herreros: A arte goza de uma resposta imediata às inquietações que nos acompanham, algo que a arquitectura não tem devido à lentidão dos processos de projecto e de construção. É por isso que digo sempre que a arte nos indica o caminho, os temas de trabalho, as novas sensibilidades que é preciso desenvolver e experimentar. Além disso, a arte é experimental por natureza e, nesse aspecto, interessam-nos mais os avanços conceptuais do que os formais, as formas de olhar, interpretar e descrever o mundo do que as novidades estéticas. Digamos que não procuramos inspiração nas formas da arte, mas nas suas abordagens conceptuais à realidade.

V.d.M. Falemos do conteúdo experimental que mencionas, pois às vezes parece um lugar comum que está a pedir uma posição crítica, para além do uso insistente da palavra.
J.H. Metade dos projectos do nosso estúdio têm ligações com o mundo da arte. Este espaço oferece-nos oportunidades exploratórias com interlocutores abertos e empenhados que compreendem que a técnica tem conteúdos sociais e políticos, e que o diálogo entre disciplinas criativas e díspares é a melhor forma de fazer avançar todas elas ao mesmo tempo nos seus respectivos campos. Os museus, galerias ou instalações que projectamos são o laboratório das nossas propostas para outras arquitecturas e nos incentivam a infiltrá-las com conteúdos que, embora às vezes não sejam muito visíveis, operam com grande capacidade de afectar a vida das pessoas.

V.d.M. Como é que a arte influenciou o vosso sistema de trabalho?
J.H. A arte conhece e valoriza o risco da tentativa e a dimensão produtiva do erro e do acaso. A arquitectura não se pode permitir tanta liberdade, mas uma mistura equilibrada de pragmatismo e poética pode torná-la tremendamente influente. O contacto com a arte, os artistas, curadores, galeristas e directores de museus enriqueceu os nossos registos e as camadas de informação dos projectos, mas, acima de tudo, afectou as nossas próprias rotinas, tornando desnecessários certos lugares – comuns da prática profissional. Por exemplo, a conversa tornou-se o principal instrumento de tomada de decisões. Já não concebemos um projecto em que não haja um diálogo permanente do qual possam surgir decisões ou ingredientes do projecto que seriam muito difíceis de alcançar por um caminho rotineiro.

V.d.M. Para si, o museu como um espaço democrático, público, da cidade é importante. O museu Munch de Oslo é o projecto que melhor representa esta vontade de fazer um museu para todos?
J.H. Eu diria que sim, porque o projecto surge da conversa em que, sem ainda ter traçado uma linha, nos fazíamos essa pergunta, e o projecto propriamente dito começa quando entendemos que o museu deve actuar como um centro cultural para os cidadãos e como um marco com grande personalidade para os viajantes globais, de modo que ambos encontrem o seu lugar. Um grande museu numa grande cidade deve considerar que o seu sucesso não se mede apenas pelo número de visitantes, mas também pela quantidade de interacções repetidas com a população local, que mede até que ponto esse repositório de referências sobre nós mesmos se inscreveu, ou não, na vida quotidiana dos cidadãos, o que não é menos importante do que o seu prestígio internacional.

V.d.M. A arquitectura do espaço SOLO, por si só – instituição de 4000 m² que abriga uma importante colecção de arte de Madrid –, conta com uma intervenção que permite viver a memória histórica do edifício e, ao mesmo tempo, possui características contemporâneas de grande sofisticação. É um lugar onde se compreende uma nova forma de desenhar, de pensar a arquitectura. Como foi desenvolvido este projecto?
J.H. O projecto do espaço SOLO tem uma particularidade extrema, pois estendeu o seu carácter experimental ao próprio processo de design e construção, eliminando a figura do projecto completo, a construtora única e a luta entre os agentes habituais. Lá, pudemos concretizar o nosso sonho de fazer um projecto em que o conceito, o design, a construção, o equipamento e a ativação foram realizados simultaneamente, alimentados por diálogos, idas e vindas, melhorias, reviravoltas e enriquecimentos que se transformaram num projecto de projectos que tem algo de certeiro e milagroso ao mesmo tempo. A filosofia de que “nunca é tarde para melhorar”, nem “a última palavra sobre nada está dita”, permitiu-nos avançar com firmeza e desenvoltura, ajudados por artesãos memoráveis, para um nível de qualidade material e conceptual muito raro.

Em Agramonte, onde a memória industrial ainda ecoa, a Casa FM emerge como gesto de ousadia. A cliente procurava transformar um antigo barracão devoluto numa habitação familiar de estilo loft – um desejo pouco comum na tradição construtiva portuguesa, mas que o arquitecto António Bessa Cruz abraçou como ponto de partida para um projecto onde a autenticidade é alcançada através da ilusão.
Face à impossibilidade de converter o armazém existente, a solução passou por uma abordagem arrojada: demolir para reconstruir, mas mantendo viva a linguagem do edifício original. Assim, a nova estrutura ressuscita o perfil industrial do edifício através de vigas, pilares e condutas à vista, bem como caixilharias em ferro e pisos de betão, num jogo subtil entre aquilo que existiu e aquilo que apenas se sugere. Deste modo, a arquitectura aproxima-se de uma cenografia desenhada para que a família habite um cenário que parece ter sempre ali existido.
Com 400 m², a casa deslumbra-nos pela exuberância dos pés-direitos, onde a luz natural chega através de pátios interiores e até a escadaria parece acompanhar as reentrâncias luminosas. Estes apontamentos, estrategicamente posicionados, garantem ventilação e privacidade num edifício com escassas aberturas pelo lado de fora, esbatendo, em simultâneo, os limites entre interior e exterior. A atmosfera mantém-se crua, genuína, quase fabril, mas sempre equilibrada pelo conforto contemporâneo, como é o caso do pavimento radiante, que assegura a estabilidade térmica num espaço onde a escala industrial poderia sugerir o inverso. 

Esta é a história de uma antiga adega transformada num refúgio contemporâneo por Matteo Arnone, contada nas palavras de Lúcia Rumor e fotografia de Federico Cairoli. Um lugar onde o tempo pára e convida à contemplação.
Entre as vinhas de Alenquer, a quarenta minutos de Lisboa, ergue-se a Quinta do Álamo, um projecto assinado pelo designer e arquitecto Matteo Arnone, que converteu uma antiga adega em habitação contemporânea, reafirmando a filosofia do seu estúdio, o Atelier MA: uma prática que une a racionalidade construtiva à sensibilidade poética, explorando a tensão entre permanência e transformação.
O projecto nasce de um reencontro inesperado. “Durante a pandemia, um dos proprietários – um velho amigo da minha terra natal – contactou-me. Procurava um espaço onde o tempo tivesse outro ritmo, em harmonia com a natureza”, recorda Arnone. O casal de proprietários, ambos DJ, tinham acabado de se mudar para Portugal em busca de uma vida mais tranquila. O desejo era simples: dois espaços funcionais – uma zona de estar e um quarto – e, acima, dois estúdios de gravação idênticos. A clareza do programa conduziu o arquitecto a uma composição rigorosamente simétrica, um diálogo contínuo entre equilíbrio e movimento.
A planta da casa, de cerca de 500 m², organiza-se em dois volumes espelhados, ligados por um eixo central que estrutura a circulação. No piso térreo encontram se a sala, a cozinha e o quarto principal, cada um aberto para um pátio semicircular que se prolonga para o exterior e funciona como mediador: são espaços de transição que deixam entrar o ar e a luz, mas resguardam a intimidade. No interior, as geometrias curvas eliminam ângulos, criando uma sensação de fluidez e contemplação. “A ausência de cantos gera calma, quase uma percepção de infinito.  

Concluído em 2023, o projecto revisita a arquitectura vernacular rural a partir de uma leitura contemporânea, onde volumes com coberturas de duas águas, materiais naturais e uma implantação sensível ao território constroem uma relação subtil entre arquitectura, paisagem e modo de habitar.
Implantada num terreno arborizado e em declive, junto à margem de um ribeiro, a casa nasce directamente das condicionantes naturais do lugar. A topografia orienta a organização espacial e define a composição em dois volumes que acompanham suavemente o terreno, abrindo-se em direcção à água. A preservação das árvores maduras foi determinante para a implantação, reforçando a integração da construção na paisagem envolvente. Grandes vãos enquadram vistas contínuas sobre o exterior, enquanto os terraços em lajedo prolongam os espaços interiores e convidam a uma vivência quotidiana em contacto directo com a natureza.
A linguagem arquitectónica estabelece um diálogo equilibrado entre tradição e modernidade. O revestimento em madeira crua e a cobertura metálica evocam a memória dos celeiros rurais, reinterpretados através de linhas depuradas e de um rigor construtivo contemporâneo. Um volume de ligação mais leve une os dois corpos principais, criando zonas de entrada protegidas e áreas de apoio que conferem unidade ao conjunto.
No interior, um núcleo central revestido a madeira organiza as áreas técnicas e de circulação, libertando as fachadas para a luz natural e para a relação com a paisagem. A atmosfera é marcada por uma selecção cuidada de peças de mobiliário de inspiração mid-century, texturas quentes e uma sensação de conforto sereno. O resultado é um refúgio intemporal, onde arquitectura e natureza coexistem num equilíbrio silencioso e profundamente enraizado no lugar. 

De estilo renascentista espanhol, esta casa espelha uma combinação cuidadosa de várias estéticas, centrada no estilo de vida do jovem casal e dos seus dois filhos. “Adoramos a estética europeia moderna e achámos que funcionaria bem para esta casa”, diz Amna Chaudhry, designer de interiores.

Os interiores foram projetados para complementar a vista e o ambiente envolvente. Os designers procuraram encapsular a leveza e a descontração da vida num resort, com a grandiosidade de um interior histórico, marcante e com personalidade. Esta visão resultou num espaço acolhedor e sofisticado, que equilibra artisticamente o ambiente tranquilo do mediterrâneo com o dramatismo de Paris.

Originalmente, a casa apresentava uma estrutura mais compartimentada. Para alcançar uma maior sensação de fluidez, “removemos várias paredes para criar um hall de entrada mais amplo e uma sala de estar formal”, explica Amna. As principais intervenções arquitetónicas desta renovação — como expandir e redefinir a zona do hall de entrada, adicionar arcadas nas áreas de estar e projetar as portas de aço e vidro — foram planeadas ao detalhe para criar momentos de impacto imediato e definir a transição dos espaços públicos para os privados.

Apesar das cores previstas no briefing inicial serem neutras, a designer de interiores quis proporcionar um “fator surpresa” aos proprietários. “Demos um passo em frente e começámos a introduzir cores dramáticas em toda a casa”. A paleta, rica e sofisticada, teve como base o gosto pessoal dos proprietários: os armários da cozinha são de um verde profundo e terroso, complementado por um mármore Calacatta verde — inspirados na cor favorita da dona da casa. A pensar no seu marido, fã de tons mais fortes, a equipa optou por detalhes em bordô — no sofá da sala de estar, no papel de parede das casas de banho e na cabeceira da cama do quarto principal.

O compromisso com a utilização de materiais naturais e duradouros foi o princípio orientador para Amna Chaudhry. “Como empresa, focamo-nos sempre em materiais naturais que pareçam intemporais e envelheçam bem”. Neste projeto, a biblioteca de materiais apresenta uma mistura de mármore, linho, veludo, latão e madeira.

O resultado deste projeto é uma “obra-prima”, na combinação de elementos históricos com a estética europeia moderna — que celebra cores ousadas e materiais naturais, proporcionando um fator sofisticado, mas impressionante. 

Concebido pelo Lamarc Studio, fundado por Marcela Restrepo, o projeto nasce da vontade de criar uma casa que fosse simultaneamente galeria pessoal, palco de convívio e abrigo íntimo. Um espaço onde passado e presente, clássico e contemporâneo, dialogam de forma natural e equilibrada.
Desde a entrada, o tom é claro: os pavimentos em xadrez de mármore Nero Marquina e Travertino ancoram o espaço com uma elegância intemporal, enquanto espelhos antigos e acentos escultóricos introduzem uma narrativa que cruza história e modernidade. A casa, com três quartos e quatro casas de banho, desenvolve-se num único piso fluido, pensado para acolher tanto momentos familiares como celebrações mais animadas, com as áreas de estar, jantar e bar a desdobrarem-se num contínuo sofisticado e acolhedor.

Este projeto não se encaixa num único estilo, e essa é precisamente a sua força. Reflete as duas visões distintas dos proprietários, um casal equatoriano na casa dos 50 anos, que escolheu esta propriedade como segunda residência. Ela aproxima-se do universo clássico, das molduras, do cristal e da arte tradicional; ele prefere a clareza das linhas limpas e a contenção do contemporâneo. O desafio foi aceite e resolvido com mestria: os elementos clássicos são reinterpretados através de uma lente contemporânea, permitindo que ornamentação e simplicidade coexistam em harmonia.
O interior assume-se como uma galeria vivida, onde cada escolha é deliberada. Peças de design de linhas puras e curvas suaves convivem com obras de arte pontuadas por cor, enquanto a paleta de fundo, inspirada no mar, no céu e na luz natural de Miami, cria uma atmosfera de tranquilidade constante. Tons de areia, ecru muito claro e brancos nítidos dialogam com materiais naturais e pedras expressivas como o Viola e o Hermitage, que surgem como verdadeiras esculturas no espaço.

A intervenção implicou uma profunda reconfiguração da zona social, incluindo a criação de uma lavandaria funcional e de uma cozinha mais ampla e aberta. Até os espaços de transição foram tratados como momentos de impacto, como a antigo quarto de banho, agora reinventado com um espelho em madeira crua e um lavatório suspenso em travertino, num exercício de equilíbrio entre ousadia e contenção. O princípio orientador foi claro: detalhes fortes e memoráveis, sem nunca sobrecarregar o ambiente.

A luz, elemento central da arquitetura de Miami, foi trabalhada como matéria-prima. A remoção de sancas pesadas permitiu maximizar a altura dos tetos e criar linhas contínuas, deixando que a luz percorra livremente a pedra, a arte e as superfícies, reforçando a sensação de amplitude e leveza. Nos quartos, o registo torna-se mais contido: texturas naturais, tons taupe e cores suaves criam refúgios silenciosos, pensados para o descanso e a introspeção.
A escolha dos materiais reflete também o percurso dos proprietários na área do design naval, onde a durabilidade e o envelhecimento nobre dos acabamentos são essenciais. O Travertino estabelece uma base calma e intemporal em toda a casa, enquanto as casas de banho assumem gestos arquitetónicos mais ousados, como as dramáticas bancadas em pedra Viola na suíte principal, equilibradas por microcimento e soluções minimalistas. A cozinha e o bar, ambos revestidos em Hermitage, celebram a hospitalidade com uma presença escultórica e sofisticada.

Mais do que um exercício estético, este projeto é um testemunho de confiança. Antes mesmo da compra do imóvel, a equipa do Lamarc Studio já trabalhava em layouts e estratégias para transformar um apartamento sem expressão na casa que hoje existe. O resultado é um espaço que conta uma história de visão partilhada, de risco criativo e de design pensado para durar. Um verdadeiro santuário contemporâneo, onde pedra, luz e arte se unem para celebrar a beleza de viver bem, rodeado pelas águas turquesa de Key Biscayne. 

O charme do passado convive com a leveza de um ambiente contemporâneo, pensado para acolher quem chega sem impor ritmos. São espaços onde é possível trabalhar em silêncio, ler à luz dourada do fim de tarde ou trocar algumas palavras com um viajante desconhecido. Lugares que incentivam ligações consigo próprio, com os outros, com a cidade.


Os espaços comuns foram pensados como algo mais do que áreas de passagem. São o fio condutor discreto que liga os quartos, criando uma atmosfera acolhedora onde é fácil sentir-se em casa desde o primeiro momento. Aqui, conforto e beleza caminham juntos, sem excessos, num equilíbrio cuidado entre funcionalidade e sensibilidade ao lugar. Também os corredores deixam de ser apenas zonas de circulação e passam a ter um papel ativo na experiência. Dão continuidade, criam ritmo e reforçam a identidade do projeto. Os tons quentes de laranja, combinados com detalhes em branco, constroem um ambiente sereno e envolvente, pensado para acompanhar e não apressar. Mesmo o simples ato de passar torna-se um convite a abrandar, observar e sentir-se bem-vindo.

Os espaços privados seguem a mesma lógica de conforto e cuidado, com especial atenção às casas de banho. Pensadas para transmitir amplitude e bem-estar, combinam funcionalidade com uma atmosfera calma. Os tons neutros encontram materiais de superfícies irregulares, suaves ao toque, que remetem para um trabalho artesanal discreto e honesto. Os grandes duches, ligados visualmente ao quarto através de um vidro fosco, garantem continuidade e luz, sem comprometer a privacidade.

Este projeto de hospitalidade nasce de uma visão partilhada com o cliente, que desde o início acreditou no valor de respeitar a história do lugar enquanto se oferecia conforto contemporâneo. Materiais naturais, elementos originais e soluções desenhadas à medida dão forma a um espaço acolhedor, preparado para receber viajantes de todo o mundo com simplicidade, atenção e carácter. 

Restaurada para uma família de cinco, a intervenção recusa o excesso e procura antes um equilíbrio subtil entre memória, funcionalidade e luz. O carácter histórico do edifício foi respeitado em cada detalhe, desde a escada original, um exemplo delicado do artesanato entre guerras, às proporções luminosas que orientam o olhar para as dunas. A proximidade do mar torna-se parte ativa da narrativa interior, e a vista que invade a sala sugere uma forma de viver que privilegia a contemplação e o ritmo lento.
É neste cenário que surge a nova cozinha, contemporânea mas contida, desenhada com a mesma atenção ao gesto manual que moldou o passado da casa. Os tons quentes da madeira introduzem uma suavidade quase táctil, criando um espaço de encontro que substitui o entretenimento por convívio: não há televisão, por escolha deliberada. A casa convida a um quotidiano despojado e íntimo, feito de pequenos-almoços longos, refeições preparadas em conjunto e regressos tranquilos depois de caminhadas pela praia.
Em vez de sobrepor modernidade, o Studio Pien optou por revelar o que já existia, ampliando o conforto sem apagar a história. O resultado é uma habitação que respira continuidade: entre passado e presente, entre proteção patrimonial e modo de vida contemporâneo, entre o rigor da intervenção e a leveza da experiência.  

Concebida pelo estúdio Block722 para acolher os seus próprios fundadores e família, esta penthouse duplex em Papagou combina funcionalidade rigorosa, luxo orgânico e uma relação contínua com a natureza.
Implantado nos dois últimos pisos de um edifício boutique desenhado pelo próprio atelier, o apartamento revela uma arquitectura moderna suavizada por curvas, madeira e vegetação mediterrânica. No interior, tudo foi desenhado à medida, desde a planta ao mobiliário, fruto de uma análise profunda das rotinas e desejos da família. O piso inferior reúne dois quartos e uma ampla área social fluida; no superior, a suite principal abre-se a um terraço com piscina, deck e vistas verdes que fazem o espaço sentir-se mais próximo de uma moradia no céu do que de um apartamento urbano.
Materiais naturais, luz abundante e grandes aberturas sustentam uma abordagem biofílica que privilegia bem-estar e ligação ao exterior. A casa celebra o envelhecimento dos materiais, o toque artesanal e a imperfeição que dá vida aos espaços. O resultado é uma proposta luminosa para viver a cidade: um refúgio caloroso, feito à medida, onde a experiência sensorial e emocional define cada gesto do habitar. 

A intervenção da JAO Arquitectura parte de uma desmontagem quase arqueológica: retirar paredes, expor a estrutura, revelar o esqueleto de um lugar outrora rígido. A partir desse vazio disciplinado, Ana Sara Hidalgo e Jesús Barranco constroem um contínuo espacial que acompanha a vida em todas as suas fases: um percurso de memórias, ecos e desejos que se encadeiam com naturalidade.
À chegada, o limiar transforma o gesto quotidiano de entrar num pequeno ritual sensorial, com mármore irregular, paredes texturadas e uma luz suave que anuncia o tom da casa. A câmara surge como um compasso de pausa, íntimo e profundo, onde um teto rebaixado e uma abóbada azul alteram o ritmo, conciliando arrumação e atmosfera antes de conduzir à cozinha. Já o jardim, outrora uma varanda encerrada, converte-se num refúgio interior banhado por verdes brilhantes e vegetação, a filtrar o ruído urbano enquanto molda enquadramentos para a Alhambra, o Sacromonte e a Sierra Nevada.

Entre estes três momentos, o apartamento desenvolve-se como uma paisagem doméstica serena. A sala e a zona de jantar revestem-se de carvalho, integrando estantes e sugerindo a transição para a área de trabalho sem quebrar a fluidez. A luz percorre superfícies, reflete-se no jardim e encontra os tons naturais que estabilizam a atmosfera. No final, o que antes era uma sequência de compartimentos fechados transforma-se numa narrativa arquitectónica coerente. Uma casa que respira, que acolhe e que se reinventa a cada passagem. 

No fim de um pátio comprido e de um jardim inesperado, o Holzrausch Studio criou um refúgio onde a madeira, a luz e a contenção definem a experiência de habitar.
O cliente, um antigo modelo e galerista, procurava um interior imune a tendências e ruído visual. A resposta do estúdio germano-austríaco foi uma intervenção quase monástica: paleta reduzida a carvalho, gesso, pedra e aço inox; iluminação totalmente embutida; mobiliário maioritariamente integrado; electrodomésticos ocultos; e uma ausência deliberada de arte ou decoração. O objectivo? Preservar a serenidade.

No centro do projecto nasce a peça que organiza a narrativa espacial: uma escada escultórica em carvalho que canaliza a luz natural proveniente dos novos claraboias, distribuindo-a pelos quatro pisos da casa. Mais do que circulação vertical, funciona como espinha dorsal e elemento poético, transformando a luz em matéria.
A casa, com cerca de 350 m² e quatro quartos, vive em diálogo constante com o jardim frontal. Nos dias quentes, o piso térreo abre-se para o exterior, dissolvendo fronteiras e criando um raro cenário de vida indoor-outdoor em plena Paris.

O rigor do projecto resulta da própria história da Holzrausch: um estúdio que nasceu como carpintaria e evoluiu para prática integrada de design, mantendo uma relação íntima entre ideia e fabrico. O gesso italiano, a madeira trabalhada na Dinamarca e a iluminação nórdica reforçam esta dimensão artesanal internacional.
Aqui, o luxo não se exibe, respira. A casa parisiense da Holzrausch é um manifesto de simplicidade intemporal, uma ode à matéria e à calma, construída com a precisão de quem sabe que, às vezes, o gesto mais poderoso é subtrair. 

Assinada por Pazit Winer, designer e amiga de infância dos proprietários, a casa nasceu de uma verdadeira folha em branco: apenas a estrutura existia. A partir daí, ergueu-se um universo que combina minimalismo contemporâneo com a expressividade dos materiais, resultando numa estética moderna e eclética, rica em peças colecionadas ao longo de viagens pelo mundo.

A inspiração veio diretamente das tendências mais recentes observadas em Milão. O pavimento em travertino, que se estende pelo piso térreo e invade o jardim, cria continuidade e luminosidade. Na cozinha, o contraste assume protagonismo: uma fachada em madeira escura encontra um bloco de aço inox que funciona como ilha escultórica, um diálogo de texturas que reflete o espírito milanês atual.
Nos quartos, portas de roupeiros em vidro champanhe e paredes texturadas introduzem um luxo táctil, reforçado por iluminação criteriosamente escolhida e peças de mobiliário contemporâneas.

A relação fluida com o exterior é um dos elementos centrais do projeto. Grandes vãos de vidro abrem-se para o jardim e a piscina azul-turquesa, criando uma atmosfera de férias permanente. No interior, carpintarias feitas à medida, iluminação embutida e arte selecionada a dedo dão profundidade e carácter ao espaço. Nas casas de banho, duches generosos e superfícies contínuas em travertino reforçam a sensação de retiro spa.

A casa organiza-se em dois pisos que articulam momentos sociais e zonas privadas. No piso térreo, uma área social luminosa integra sala, cozinha com ilha central, zona de refeições, lounge familiar e casa de banho de apoio. No exterior, a vegetação abundante e a piscina reforçam a sensação de resort.
O piso superior acolhe a suite principal com closet e casa de banho privativa, além de dois quartos principais destinados aos mais novos. No total, a casa distribui seis quartos, respondendo às necessidades de uma família que adora receber.
Este projeto revela a harmonia possível quando design, emoção e vivência se encontram. Uma casa pensada para ser habitada com tempo, conforto e beleza. 

Abriram-nos as portas do seu retiro citadino, lugar de memórias onde a luz é protagonista, iluminando o enredo de uma vida espelhada entre arte e conforto.
O lugar de onde se avistam as copas das árvores do Parque da Cidade, na Invicta, e o olhar se perde até ao mar, é o novo apartamento de Mário Azevedo e da sua família, que conta uma nova etapa de vida. Foi há cerca de seis anos, depois das mudanças naturais de rotinas familiares, quando as filhas saíram de casa, que Mário e Paula decidiram mudar-se da moradia onde sempre viveram para um apartamento que, apesar de ter metade da área da residência anterior, respondia às suas novas necessidades, num exercício de eliminar o excesso e revelar a verdadeira essência de cada espaço, mantendo o espírito de aconchego familiar. Intimamente envolvida pelo "pulmão" da cidade do Porto – zona privilegiada com o maior parque urbano do país – a casa distribui-se por espaços amplos e generosos, que a luz invade sem pudor. Essa foi uma das principais razões por que o casal escolheu esta como a sua nova residência – um e último andar banhado por o Sol. 

Com 140 quartos e suites, o projecto transforma o imaginário do parque numa experiência imersiva, evocando o universo cinematográfico de The Grand Budapest Hotel de Wes Anderson. Assinado pelo estúdio de arquitectura e design Heinzel De Vries, reconhecido por criar interiores arrojados que elevam a experiência de hospitalidade, este projecto ergue-se como um verdadeiro palco de teatralidade e detalhe. Formas orgânicas e arredondadas, pavimentos axadrezados e materiais como mármore, madeira, latão e terrazzo, criam um cenário onde o luxo e o conforto se encontram. As paletas cromáticas inspiram- se nas redondezas: os verdes recordam o Fairytale Forest, um bosque encantado repleto de personagens de contos de fadas, e os vermelhos evocam a Pardoes Promenade, a avenida principal do parque. 

Construída nos anos 50 como refúgio de fim-de-semana, a moradia térrea revestida a telhas de madeira foi reinventada para se tornar residência permanente de Analisse Taft-Gertsen e do seu marido, James Gertsen.
Repensar uma casa de férias como habitação principal não foi apenas um gesto prático, foi uma transformação intrínseca: "Quando decidimos mudar-nos definitivamente, a casa não parecia uma residência permanente", recorda Analisse Taft-Gertsen – fundadora da ALT for Living e co-fundadora do The 1818 Collective. O desafio revelou-se quase uma reconstrução do zero. A arquitecta Analisse Taft-Gertsen e o marido James Gertsen, removeram janelas, ergueram um novo quarto de banho principal e repensaram todos os recantos. As paredes exteriores permaneceram, mas tudo o resto foi repensado. Em nove meses, o que era um retiro de Verão passou a ser um lugar para a vida toda.
Houve, porém, outro desafio: o da escala. Habituado a uma casa maior, o casal teve de aprender a viver com menos. "Pensava que seria difícil viver com metade do espaço, mas é melhor", confessa a designer. Cada canto foi desenhado e cada parede ganhou uma função. Apesar das mudanças, o espírito original da casa foi preservado. A madeira regressou às paredes da sala, os tectos mantiveram-se expostos, a pedra permaneceu na cozinha e nos quartos de banho. 

O projecto de 2024 da Aurora Design reinventou-o, tecendo tradição e modernidade numa atmosfera onde cada olhar se detém em múltiplos detalhes.
À primeira vista, nada denuncia o que ali se passa. No piso térreo, um corredor em madeira escura deixa passar a luz coada por portas rendilhadas que lembram confessionários – como se a travessia fosse um pequeno ritual que troca a pesada agitação da cidade pela leveza íntima do espaço. O pátio central abre-se em plena claridade, revelando uma sequência de detalhes: as vigas do telhado com padrões embutidos nas extremidades, os pilares de madeira que parecem assentar em vasos sobre o pavimento, um pequeno lago onde a luz se mistura ao movimento dos peixes. Sob os pés, tijolos e lajes de pedra originais devolvem o ritmo do passado a cada passo. À volta, mesas e assentos convidam à pausa, as conversas soltam-se devagar, e o bar negro numa das extremidades brilha sob a luz quente que cobre tudo com um tom intemporal. 

Mais do que a reabilitação de uma Shuangbeijian – tipologia de casa histórica de Chaoshan –, o espaço, que antes acolhia o estúdio AD ARCHITECTURE, estabelece agora um diálogo entre a memória da vida urbana e o contexto rural tradicional.
Entre alvenaria ancestral e blocos vermelhos contemporâneos, propõe-se um conceito de recinto que é simultaneamente casa de chá, café, galeria, salão de estética, passerelle de moda, hotel e estúdio fotográfico. Cada objecto – do rattan vintage ao aço polido – conta uma história, enquanto a luz solar e o ar se tornam convidados de honra a moldar o ambiente.  

Estamos em Tulum, no coração da selva e onde a vegetação densa e generosa desenha um horizonte verde contínuo. É aqui que se ergue a Hacienda Wabi, um complexo residencial que, embora assente numa geometria aparentemente rígida, se confunde com a paisagem e parece até destinado a regressar a ela. Promovido pela Namus – uma promotora imobiliária local especializada em hóteis boutique – e desenhado pelo estúdio RA!, o edifício propõe uma reflexão sobre a passagem do tempo e a forma como a natureza reclama sempre o seu lugar. A sua silhueta é marcada por volumes escalonados, articulados através de escadas e terraços, numa arquitectura que evoca as antigas povoações da região. O conjunto tem a amabilidade de não se impor, parece até ter sido concebido para se dissolver lentamente no ambiente que o rodeia. Essa ideia de ruína reinterpretada, presente em toda a concepção, transforma o projecto numa arquitectura em constante metamorfose. As fachadas estão envolvidas por canteiros que acolhem a vegetação, permitindo que o verde também trilhe caminho e ocupe o seu lugar entre lajes e paredes. O edifício é, assim, abrigo humano e suporte natural. 

Nos arredores de Los Angeles, em Mayview, ergue se um exemplar notável da arquitectura californiana Post and Beam dos anos 60 – uma verdadeira ode à leveza e à transparência. Kirsten Blazek e a equipa da A1000XBetter interpretaram o poema, transcrito nas palavras de Paula Ferreira.
Construída em 1973 como residência pessoal do arquitecto Dick Lowry, a casa preserva com autenticidade os elementos típicos do estilo Post and Beam – um sistema estrutural ancestral de vigas e pilares expostos que o modernismo californiano transformou em linguagem arquitectónica de volumes claros e espaços abertos, onde rigor, leveza e luminosidade coexistem em perfeita harmonia. Em Mayview, essa linguagem revela-se na madeira exposta, na carpintaria embutida e na iluminação feita à medida, transformando cada espaço num diálogo intimista entre solidez e luminosidade. Os 227 m2 distribuem-se por dois pisos, incluindo três quartos e uma sala ampla que reflectem fielmente o carácter original da casa. A cozinha e os quartos de banho, remodelados por anteriores proprietários, mantêm o espírito do espaço. A casa de hóspedes com 39 m2, o abrigo exterior para carros, a garagem e o espaço adicional com forno completam o conjunto, enquanto o terraço, prolongamento da sala de estar principal, se projecta sobre o jardim de 1500 m2, com vistas amplas sobre as colinas de Silver Lake e as Montanhas San Gabriel, conectando de forma orgânica interiores e exteriores. A chaminé, preservada na sua forma original, nasce da terra como se árvore fosse, irrompendo pela estrutura rasgada do telhado e fazendo-se parte da paisagem. 

Num edifício datado da primeira metade do século XX, a remodelação deste apartamento reflete uma sensibilidade criativa e uma visão contemporânea e ponderada da arquitetura.
Caroline Weill e Laetitia Paradis, fundadoras do estúdio PAREIL, abordam cada projeto como uma verdadeira colaboração a quatro mãos. As arquitetas concentram-se nos fundamentos - espaço e luz - e expressam-nos através dos materiais, como madeira, metal e pedra, complementados, cada vez mais, por recursos reutilizados.

Na renovação do projeto VAUGIRARD, os principais desafios consistiram na otimização da disposição estreita, escura e pouco eficiente do espaço; em restaurar a ventilação cruzada do apartamento e trazer luz natural para o centro, criando, simultaneamente, uma perceção mais fluida e transversal dos espaços; em conceber um ambiente habitacional distinto e sereno, valorizando a coleção de arte dos proprietários.
O núcleo central do apartamento foi totalmente redesenhado, de forma a criar uma circulação mais eficiente e a organizar melhor as zonas de serviço. As divisórias semitranslúcidas, como a parede envidraçada da cozinha e os blocos de vidro, permitem que a luz atravesse os espaços interiores mais escuros.
As proporções da sala de estar/jantar e dos quartos permaneceram inalteradas. Foi desenhada uma suíte principal, como extensão de um dos quartos existentes, juntamente com uma lavandaria e com amplos espaços de arrumação.

O resultado é um interior contemporâneo e elegante, que equilibra funcionalidade, arte e serenidade. 

A reabilitação do espaço partiu do coração da casa: uma galeria de madeira lacada a branco que inunda de luz o que agora foi transformado na zona de dia. É neste cenário que a cozinha, a sala de jantar e a sala de estar se fundem num só ambiente diáfano — uma atmosfera luminosa e calma, onde cada detalhe reforça a harmonia entre estética e utilidade.
O design de interiores deu especial atenção aos materiais orgânicos, valorizando a ligação à natureza. A pedra, exposta na parede da sala de estar, e a madeira, presente no mobiliário, nas divisórias em ripas e no soalho de carvalho cinzento que percorre toda a casa, afirmam o carácter natural e sensorial do espaço. O mobiliário, desenhado com precisão e leveza, aposta na funcionalidade essencial — poucas peças, mas com impacto —, permitindo que a luz se expanda e amplie a perceção de amplitude e serenidade. No final, o design de interiores funcionou como uma ponte entre o prático e o emocional, criando uma atmosfera confortável, calorosa e serena. 

Próxima do rio e do mar, a Miramar Tower destaca-se na paisagem pelas suas características únicas e estética singular. “Miramar Tower é quase uma tempestade perfeita, no local onde cresci e numa paisagem onde nunca imaginei vir a projetar”, afirma Diogo Brito, um dos sócios dos OODA.

A ambição de desenvolver tipologias habitacionais com mais de 200 m2 de área de varanda por piso resultou numa composição volumétrica distinta e particular. O projeto apresenta-se num volume vertical de 15 andares, paralelo ao solo, com uma altura semelhante à das torres desta zona de construção. Evidenciando uma matriz estruturalista e com uma secção vertical dendriforme, o edifício adapta-se à otimização das tipologias. Os pisos, organizados com uma ou duas habitações, constroem um discurso em espiral, onde a aparente rotação e modelagem dos terraços a 360 graus atribuem uma sensação visual e real de verticalidade.

Cada casa tem a sua identidade e individualidade, com um terraço e jardim próprios. Para melhor compreender a singularidade deste projeto e evitar a sensação de “dejà vu”, o prédio ganha algum dinamismo ao “deslizar” as lajes horizontais na zona das varandas. Estes elementos, concebidos em betão, desenham o conceito do edifício e criam uma oportunidade para o exercício plástico e escultural. “As varandas são a parte visível da estrutura da torre. Atuam como exoesqueleto, que se estende de forma desigual em cada piso e desconstrói a racionalidade interior”, explica João Jesus, sócio dos OODA.

Entre a fluidez dos espaços comuns, que se perdem na relação interior-exterior, e até mesmo no horizonte, e a compartimentação dos quartos, os usos são privilegiados pela exceção. No piso térreo, um átrio comum conta com vegetação natural, criando um microclima de biodiversidade interligado ao ambiente que rodeia o edifício.

Numa pequena cidade colonial nos arredores de San Miguel de Allende, Casa San Francisco explora a viticultura e a arquitetura característica do México no século XVI. A natureza circundante e a finalidade da propriedade como local de descanso e relaxamento influenciaram o conceito de design deste projeto.

A equipa do Jorge Garibay Architects tinha como principal objetivo criar um espaço de contemplação, que permitisse refletir sobre a ordem natural do mundo e celebrar os processos sazonais de crescimento, mudança, decadência e entropia.

Para isso, os espaços da casa foram divididos em cinco volumes que se abrem para diferentes áreas ajardinadas, oferecendo vistas panorâmicas das vinhas e do cenário natural ao seu redor. Um corredor transversal orienta a disposição dos espaços. O acesso a esta zona é feito através de uma entrada com o pé-direito duplo, que serve como área de transição entre o exterior e o interior. A ala oeste do edifício alberga os espaços públicos da casa: sala de jantar, terraço, cozinha, sala de estar e garagem. Os quartos encontram-se localizados a leste.

Através da escolha dos materiais, o gabinete de arquitetura conseguiu transmitir o princípio da natureza marcada pelo tempo e o estilo arquitetónico conventual, traduzido numa linguagem contemporânea. Para dar forma à casa, a equipa optou pela utilização de materiais nobres e resistentes e por métodos tradicionais de construção. O projeto conta com materiais naturais, como pedra de origem local, mármore mexicano não polido para os pisos, e tinta à base de cal, a plicada à mão num tom que complementa a cor natural da pedra.

No que toca ao design de interiores, os móveis de carvalho foram escolhidos pela sua simplicidade e a iluminação reproduz a temperatura da luz dos conventos do século XVI. Esta combinação resultou em ambientes acolhedores, onde a luz natural desempenha um papel significativo.

Este projeto abraça a ideia do arquiteto mexicano Luis Barragán de que “o tempo também pinta” e de que a beleza é imperfeita e surge com o tempo. 

Originalmente projetada por Roger Lee, Creston House abraça o diálogo entre o presente e o passado e reafirma a relevância duradoura dos princípios modernistas.

Honrando os conceitos espaciais originais de uma casa “mid-century”, a Mork-Ulnes Architects conseguiu com esta restauração, adaptar o espaço a uma vida moderna. Este projeto mantém-se historicamente fiel ao original, enquanto reflete uma abordagem arquitetónica que se apoia nas melhores tradições de construção.

Com vistas deslumbrantes para a Baía de São Francisco, o edifício original exemplificava os princípios de design característicos de Lee, que combinavam o modernismo global com o artesanato da região. Influenciado por outros arquitetos, Roger Lee desenhou casas eficientes, acessíveis e despretensiosas para a classe média. A escala modesta, o fluxo aberto e a estrutura exposta da Creston House refletem esse ethos, permitindo que esta permaneça profundamente conectada com o seu redor.

Neste projeto, a equipa da Mork-Ulnes preservou os elementos que definem o caráter da casa, fazendo algumas intervenções de forma a melhorar e renovar o edifício. A remoção cirúrgica de pequenas secções das paredes abriu a cozinha para a zona de estar principal. Esta opção permitiu desenhar um volume, revestido a madeira, no centro da casa, que alberga espaços de arrumação dentro de armários meticulosamente trabalhados. Este elemento contrasta com a forte linguagem plana das vigas expostas, do teto laminado e dos grandes painéis de vidro, enfatizando dinamicamente o caráter do projeto original.

O processo de restauração da Mork-Ulnes Architects manteve-se fiel aos princípios fundamentais que definiram a visão arquitetónica de Roger Lee. O seu trabalho combinava a pré-fabricação e a produção em série com uma forte sensibilidade artesanal — uma abordagem que garantia eficiência e uma estética refinada. A intervenção do gabinete de arquitetura respeitou estes princípios, mantendo a autenticidade espacial e dos materiais. Cada detalhe, desde os elementos estruturais aos acabamentos interiores, foi abordado com uma filosofia de “nada mais, nada menos”: um equilíbrio cuidadoso entre contenção e precisão, garantindo que a integridade do design permanece intacta, enquanto se adapta aos padrões de vida contemporâneos.

A cozinha renovada reforça esta linguagem de design, onde os elementos funcionais estão escondidos em volumes de madeira, com eletrodomésticos totalmente integrados e bancadas com superfícies de madeira. Os pisos em azulejo foram removidos e substituídos por carvalho vermelho, para combinar com o resto da casa, aumentando a sensação de espacial em todos os espaços. As casas de banho, por detrás de grandes painéis de madeira, surpreendem de forma divertida com mosaicos vermelhos, sublinhando o jogo equilibrado de “esconder e revelar”.

A sustentabilidade foi uma preocupação fundamental no projeto, com a reutilização a desempenhar um papel principal. Ao invés de adotar uma abordagem aditiva convencional, o arquiteto Casper Mork-Ulnes empregou uma metodologia redutiva para atingir os objetivos de design. 99% do edifício original foi mantido, reforçando as vantagens ambientais de trabalhar dentro de uma estrutura arquitetónica existente.

Creston House dá continuidade à exploração da Mork-Ulnes Architects dos princípios modernistas do “mid-century”, dentro dos desafios arquitetónicos atuais. Ao mesmo tempo, levanta questões sobre a sustentabilidade ambiental e económica das práticas contemporâneas de construção. 

Projetada pelos próprios habitantes, Vish e Gaurav Rajadhyax, fundadores do estúdio R ARCHITECTURE, esta casa é tanto uma declaração de princípios quanto uma expressão íntima de vida partilhada.
Mais do que construir, os arquitetos decidiram preservar. No terreno, três árvores preexistentes ditaram o desenho: um liquidambar, uma bétula-prateada e, no coração do lote, a majestosa mahogany que dá nome à casa. Em torno dela, tudo se organiza — o eixo central, o pátio interior, a relação entre interior e exterior.
A casa divide-se em dois volumes — ou “pods” — ligados por uma entry lounge que enquadra a vista para o pátio com piscina. A oeste, o corpo principal, de dois pisos, abriga as áreas sociais e privadas da família; a leste, um módulo térreo pensado para os avós, com quartos, sala e kitchenette, garantindo autonomia e proximidade num mesmo gesto.
A identidade visual da Mahogany House nasce da experimentação material: telhas de terracota locais — habitualmente reservadas a coberturas — são aqui reinterpretadas como revestimento integral de fachada. O resultado é uma pele texturada, quente e orgânica, que dialoga com as copas das árvores e com o solo que a sustenta.
No interior, a paleta de cores e texturas prolonga essa ligação à natureza. O verde das carpintarias, o toque do contraplacado, os apontamentos de couro e os azuis profundos das paredes compõem um ambiente simultaneamente vibrante e acolhedor. Cada elemento foi pensado para refletir equilíbrio, fluidez e vida — como um jardim habitado.
Sustentável por essência, o projeto baseia-se nos princípios Passivhaus e na utilização de Painéis Isolantes Estruturais (SIPs), garantindo eficiência térmica e conforto ambiental. “Direito ao espaço certo”, explicam os arquitetos — uma abordagem consciente que evita o excesso e privilegia a qualidade de vida.
A Mahogany House é, assim, um manifesto de design sensível e sustentável, onde cada curva, cor e material celebra o diálogo entre gerações, natureza e arquitetura. Uma casa que cresce — como as árvores que a inspiraram — com raízes fundas e ramos abertos ao futuro. 

Mais do que um exercício de design, esta foi uma oportunidade para materializar a sua linguagem estética, uma síntese entre elegância intemporal, conforto quotidiano e autenticidade emocional. “Esta foi a primeira casa que desenhei para a minha família desde que lancei o meu estúdio”, conta Amna. “Procurávamos uma propriedade com uma estrutura arquitectónica sólida, algo com potencial para ser reinventado à nossa medida. Assim que vi esta casa, percebi que havia nela uma harmonia rara no Dubai, uma base com carácter, pronta para ser reimaginada.”
A residência, construída em 2008, apresenta traços de Spanish Revival, visíveis no telhado em terracota, nas arcadas e na fachada em estuque. Amna preservou o encanto original, mas reinterpretou-o com uma sensibilidade contemporânea. A escolha da localização não foi inocente: Green Community West é uma área que combina a calma de um refúgio suburbano com a proximidade à cidade, um equilíbrio que se reflete também na atmosfera da casa.

Inspirada pela sofisticação parisiense e pela elegância das brownstones nova-iorquinas, Amna construiu um diálogo entre referências europeias e americanas, suavizado por uma paleta mediterrânica que responde à luz e ao clima locais. O ponto de partida foram dois elementos fundamentais: o mármore Breccia Capraia, escolhido para a cozinha, e o fogão ILVE, com um toque vintage e artesanal - duas peças que acabaram por definir a direcção de todo o projecto. “O mármore, com a sua base cremosa e veios em roxo suave, deu-nos o equilíbrio entre suavidade e ousadia; o ILVE trouxe um certo romantismo, que acabou por inspirar a escolha de mobiliário e detalhes com alma.”

No interior, o ambiente respira calma e harmonia. A base cromática é neutra, dominada por brancos quentes e tons de areia, que amplificam a luz natural e criam uma sensação de serenidade. Nos espaços mais pequenos, como a casa de banho de visitas ou a despensa, Amna optou por tons mais escuros, quase cinematográficos, para um efeito mais íntimo. A cozinha, ampla e inundada de luz, ganhou profundidade com armários em azul-marinho, um contraponto ao mármore Capraia. E nos apontamentos decorativos — obras de arte, tecidos, móveis — surgem notas de ferrugem, vermelho e bege, evocando o outono nova-iorquino que a designer associa à sua infância.
Durante a obra, uma descoberta inesperada transformou por completo a casa: o tecto da entrada, inicialmente com 2,4 metros, escondia um pé-direito de quase cinco metros. “Quando percebemos isso, fiz questão de recuperar toda a altura original. Foi um momento decisivo — de repente, o foyer ganhou uma escala monumental e uma luminosidade surpreendente.” Esse espaço tornou-se agora o coração da casa, um prelúdio para o que se revela a seguir: proporções equilibradas, materiais naturais e uma sensação constante de leveza.
Com cerca de quatrocentos metros quadrados, todos num único piso, a casa desenvolve-se em torno de uma relação fluida entre interior e exterior. As grandes portas e janelas abrem-se para o jardim, criando uma continuidade visual com a natureza e trazendo serenidade ao quotidiano da família.
O resultado é um refúgio contemporâneo com alma clássica, onde o rigor estético se funde com a emoção de habitar. Uma casa que fala de tempo, de texturas e de luz, e que prova que o verdadeiro luxo reside, afinal, na arte de tornar o quotidiano extraordinário. 

“Gostaríamos de sentir que vivemos dentro de um museu japonês”. Para Gustavo e Cynthia, a casa de família deve ser um espaço onde o tempo desacelera, onde a luz se filtra suavemente, onde o silêncio se torna tangível — como num museu japonês.

Num bairro sem paisagens marcantes, a Casa Tao ocupa um lugar especial. Uma praça com árvores que oferece sombra e alguma frescura, orientou o desenho do projeto. Evitando grandes superfícies envidraçadas, que poderiam intensificar o calor, a equipa do HW Studio propôs uma relação oblíqua e angular da casa com a praça, permitindo sentir a presença deste espaço público, sem que o edifício ficasse totalmente exposto à forte luz solar.
O ato de habitar é enquadrado indiretamente, como se a casa estivesse a observar o mundo de forma diagonal e modesta, deixando apenas passar o vento e a fragrância do mar, não muito distante.

Na base do edifício estão os quartos, a garagem e as áreas de serviço. Acima, os arquitetos desenharam uma caixa suspensa de pé direito duplo para as zonas sociais. “Esta estratégia permitiu-nos elevar a vida social acima do nível da rua, envolvê-la com o ar e abri-la para a praça”. Os pátios elevados funcionam como terraços de contemplação — pequenas plataformas onde se pode respirar o perfume das flores e ouvir as folhas das árvores.
Os quartos estão organizados em torno de um pátio, procurando o silêncio. Aqui, a privacidade é expressa através de um espaço fechado, como um mundo interior. “A casa não olha para a vizinhança; volta-se para dentro, como alguém que procura um refúgio. Mas também não se fecha: abre-se para o céu, para a sombra, para a praça. Tudo está organizado para que a vida aconteça de uma forma mais lenta e plena — mais aberta ao invisível”, explicam os arquitetos.

A materialidade é inevitavelmente tátil e sensorial. Os tons brancos brilham sob o sol da costa, enquanto o betão — pesado e honesto — absorve a luz com delicadeza e se transforma com o uso e com o tempo.
A Casa Tao é um projeto nascido do desejo de viver o mundo com maior atenção. É uma casa que se retira discretamente e oferece os seus espaços como ambientes para contemplação e memória. “Nela, habitar torna-se uma forma de estudo, de pausa, de gratidão. Cada recanto convida a permanecer e cada sombra é uma promessa de bem-estar”. 

Fundada por Rocío Gallardo e Jorge Ros, Simuero é conhecida pelas joias artesanais imperfeitas e com formas orgânicas. Situado no bairro histórico de Patraix, em Valência, o novo estúdio e oficina reflete esta filosofia. O projeto da Form Estudio presta homenagem ao lado cru e autêntico da marca.
Com esta renovação, o gabinete de arquitetura e design valenciano quis criar um diálogo entre o passado e o presente. Uma característica distinta no projeto é a reinterpretação dos azulejos hidráulicos em xadrez, que outrora cobriam o chão da casa. Embora, os originais não pudessem ser preservados, foram introduzidos novos azulejos com o mesmo padrão, mantendo viva a memória do espaço pré-existente num design mais contemporâneo.

A disposição da Casa Simuero gira em torno de um pátio central que preenche os interiores com luz natural e reforça a conexão com o exterior. No piso térreo, a oficina, a cozinha e o showroom coexistem, enquanto o andar superior conta com uma zona de escritórios e salas de reunião.
A materialidade é um aspeto fundamental para o projeto: as madeiras quentes, o aço, o piso em terracota e as tintas à base de cal juntam-se para criar uma atmosfera sólida que evidencia o espírito artesanal da marca.

A colaboração com outras marcas tem sido essencial para construir a identidade da Casa Simuero. A carpintaria interior tem a assinatura da Oven, que supervisionou o design e a produção artesanal de cada elemento de madeira, integrando peças da sua coleção, juntamente com uma cozinha em madeira maciça de iroko.
A marca de design dinamarquesa FRAMA contribuiu com mobiliário e alguns elementos metálicos (cadeiras, candeeiros de parede e um armário em aço inoxidável), conferindo um toque contemporâneo ao espaço, que complementa o trabalho artesanal. Em conjunto, este tipo de colaborações acrescenta profundidade e autenticidade à marca, amplificando o espírito que define a Simuero.

A atmosfera que se vive neste espaço reflete as qualidade orgânicas das joias — a textura, o ritmo, a luminosidade e a materialidade estão presentes em cada detalhe. “Queríamos criar um espaço que refletisse o nosso processo criativo — lento, artesanal e profundamente significativo”, explicam Rocío Gallardo e Jorge Ros. 

Situada numa rua calma e central da cidade, de frente para uma zona arbórea e natural, a Casa do Parque surge da alteração e ampliação de uma propriedade, construída no século XX, bastante degradada.
O projeto combina modernidade e tradição. Na fachada destacam-se vários elementos vegetais, animais e humanos, esculpidos em calcário, cujo valor arquitetónico e histórico se impôs reservar.

Respeitando a memória inscrita na pele original do edifício, a Casa do Parque desdobra-se em direção ao pulmão verde da cidade de Aveiro, como se fosse esculpida diretamente da essência da antiga fachada. A sua estrutura em pedra, extraída do edifício original, entalhada por ripas de madeira, corta o espaço criando uma narrativa visual que celebra o passar do tempo, com linhas e sombras que se abraçam e completam.
Construída com madeira laminada cruzada (CLT), a propriedade organiza-se em quatro pisos. Como um convite à reflexão, a garagem e outros espaços de trabalho encontram-se no piso da cave; os espaços sociais estão no piso térreo, convidando ao encontro e à partilha; e os andares superiores abrigam quatro suítes. No topo da estrutura está o terraço, que oferece vistas de 360º sobra a cidade.

Terminada em 2023, a Casa do Parque foi nomeada para Obra do Ano 2025, pelo ArchDaily Brasil. 

Na capital da Ucrânia, onde antigamente se encontravam duas pequenas mercearias, com uma fachada pouco chamativa e um interior desorganizado e sem personalidade, ocupa lugar a nova loja da LBTM STUDIOS, remodelada pelo estúdio de arquitetura e design HE.D Group.

Os tetos altos e as grandes vitrines características do antigo espaço revelaram grande potencial de transformação, inspirando a ideia de maximizar a abertura, fazendo com que a loja se tornasse um lugar convidativo e despertasse curiosidade aos transeuntes.

As paredes suaves em tons creme servem como pano de fundo a esta boutique, elegante e com um sentido estético alinhado com a marca. Os elementos clássicos em madeira trazem conforto e estabilidade sem sobrecarregar a composição. Quase todos os acessórios, móveis e candeeiros foram criados por artesãos locais, com base nos desenhos da equipa do HE.D Group. “Isso permitiu-nos combinar meticulosamente os materiais e texturas por tonalidade, garantindo que todos os elementos funcionassem em harmonia”.

A iluminação desempenha um papel central na definição da atmosfera do espaço — não é apenas funcional, é como uma declaração artística. Três lustres centrais, no formato de medusas, atraem o olhar da rua com a sua suavidade orgânica e subtileza cuidada, dando vida ao espaço. As peças em destaque foram estrategicamente posicionadas para criar uma interação suave entre luz e sombra.

Os provadores foram projetados como espaços confortáveis e privados para cada cliente. Espaçosos, convidativos e cuidadosamente iluminados, contam com espelhos posicionados de forma a oferecer as perspetivas mais favorecedoras.

“Ao longo da transformação, colocámos uma forte ênfase na tactilidade, individualidade e ressonância emocional”, explicam os designers. Os têxteis tiveram um papel significativo no projeto — muitas peças foram feitas sob medida, com alguns tecidos pintados à mão para criar uma identidade visual verdadeiramente única. As telas espelhadas, os sofás, as cortinas de linho e as carpetes nas áreas dos provadores contribuem para a criação de uma atmosfera acolhedora e intimista.

Os móveis e a decoração vintage acrescentam um carácter distinto ao interior da boutique. Uma cadeira junto à janela, combinada com um grande candeeiro de mesa cria um recanto de leitura. Louça antiga bem como vasos decorativos cuidadosamente selecionados, acrescentam personalidade, charme e um estilo descontraído.

O resultado do projeto é um interior que transmite uma sensação de conforto natural, mantendo-se refinado e distinto — um lugar onde fazer compras é uma experiência exclusiva e memorável. 

Aqui, sob o calor texano e as copas de árvores centenárias, relaxamento, meditação e festa encontram morada no mesmo espaço.
Criada pelo estúdio de Christina Simon para Randall Mays – figura de destaque na indústria musical e nas ciências do bem-estar e da consciência –, esta é uma residência que convida à celebração, à introspecção e à surpresa. Originalmente construída em 1915, a casa passou por sucessivas transformações até 2022, quando foi transformada num projecto que honra a sua história e a reinventa com uma linguagem visual ousada, repleta de texturas e uma estética onde o "grandpa chic" encontra o psicadelismo moderno.
Com cerca de 316 m2 em apenas um piso, a casa abrange cinco quartos e cinco quartos de banho, e foi concebida como pied-à-terre do proprietário, sendo palco quer para encontros íntimos, quer para festas exuberantes durante eventos como o SXSW e o Austin City Limits Music Festival. A missão de Christina era clara: criar um ambiente que fosse simultaneamente acolhedor, provocador e inesperado – onde cada detalhe despertasse curiosidade, humor ou uma memória afectiva.
A luz, a cor e a textura, trabalhadas de forma profunda e original, são guias sensoriais do projecto. A luminosidade natural abundante permitiu à designer explorar uma paleta de cores profundas e envolventes, fundindo uma base dramática onde papéis de parede ousados e os acabamentos em latão patinado brilham com elegância discreta. 

Nesta rua, onde outrora funcionou a Academia de Belas Artes de Xangai, cada pedra guarda ecos de um passado cultural marcante. O Arbour presta homenagem a esse legado através de uma arquitectura que retoma as proporções dos tradicionais lilong e shikumen, incorporando baixos-relevos do mestre artesão Liang Hangyu e esculturas em pedra do restaurador-chefe do emblemático Bund.
O interior revela-se como uma reinvenção contemporânea de uma mansão haipai. No átrio, a silhueta de Rong Zhai é reinterpretada numa cadência estrutural sóbria, com pavimentos em mármore escuro em espinha e detalhes em vidro martelado, metais e puxadores com textura de jade. 

Especializada em projectos residenciais, comerciais e de hospitalidade, Adri defende uma abordagem íntima e meticulosa, na qual cada detalhe importa, defendendo uma prática de "design com alma". Tivemos a oportunidade de descobrir mais sobre o seu percurso, processo criativo e a forma como olha para o design como uma extensão da identidade de quem o habita.

LÚCIA RUMOR: Quem é a Adri Clery, e como descreveria o seu percurso enquanto designer de interiores?
ADRI CLERY: Sou designer de interiores de título, mas vejo-me mais como uma curadora de sentimentos – alguém que usa o espaço para evocar emoções, texturas e significados. O meu caminho nunca foi linear; é tecido através da arquitectura, viagens, maternidade, direcção criativa e um fascínio duradouro por objectos e materiais que transportam memória. Ao longo da última década, trabalhei em projectos residenciais, comerciais e de hospitalidade high-end, sob a alçada do meu estúdio, Atelier Interiors, com o objectivo de criar espaços com alma e consideração. O meu trabalho inclina-se para aquilo a que chamo de "contar histórias silenciosas": espaços que estão enraizados no seu contexto, mas que não são ditados pelas tendências; que têm tanto de comedido como de caloroso.

L.R. Carácter, propósito e alma: estas são as palavras que melhor descrevem a sua prática. Como surgiu o Atelier Interiors e qual foi o momento em que sentiu que era altura de criar o seu próprio estúdio?
A.C. O Atelier Interiors começou em 2014, nascido de um desejo silencioso mas persistente de criar mais livremente – para explorar a minha própria voz e moldar interiores com carácter e profundidade. Tinha passado anos no mundo da arquitectura, muitas vezes focada nas camadas técnicas da arquitectura de interiores, mas dei por mim a querer uma ligação emocional mais profunda ao espaço. Com algum encorajamento do meu (agora) marido, dei o salto e fundei o estúdio. A minha primeira encomenda foi um pequeno projecto de hotelaria, que deu origem a uma série de espaços comerciais dinâmicos. Mas, com o passar do tempo, senti-me mais realizada com a intimidade do trabalho residencial – criar casas que reflectem a paisagem emocional das pessoas que nelas vivem. O estúdio evoluiu – de uma equipa maior para uma configuração mais intencionalmente dimensionada –, permitindo-me estar perto de cada projecto e proteger a integridade do processo. 

Inspirados pelo conceito de otium – um estado de tranquilidade atemporal –, os arquitectos criaram um refúgio de equilíbrio entre bem-estar físico e mental. Com uma fachada modesta e vista única da cúpula restaurada do próprio palazzo, o projecto respeita a arquitectura original – tectos em abóbada estrelada e pisos em terrazzo decorado – e desdobra-se em quatro suites, salões, pátios, terraços e jardins. Materiais como pedra, aço e cascalho celebram o passado e convidam a uma experiência sensorial.
Os ambientes estabelecem uma relação fluida entre si. As zonas exteriores prolongam a experiência dos espaços interiores e criam momentos de contemplação. Destaque para o Garden Room: um verdadeiro oásis dentro do edifício.  

A arquiteta e designer australiana, hoje sediada em Los Angeles e conhecida pela sua abordagem cinematográfica da arquitetura, transformou esta residência histórica num refúgio contemporâneo, onde tradição e modernidade dialogam em perfeita harmonia.
O projeto nasceu do reencontro com o casal Natasha Shick e Tull Price, ligados ao mundo da moda, que após duas décadas em Nova Iorque procuravam uma casa com autenticidade mas capaz de acolher uma nova vida na Costa Oeste. Fascinados pela aura original da casa - pisos em madeira escura, azulejos marroquinos, pátios íntimos - quiseram preservar-lhe o caráter, mas abrir espaço a uma estética mais minimalista e leve. Jordana trouxe para a renovação a sua sensibilidade quase coreográfica, inspirada em mestres como Luis Barragán, criando uma sequência de espaços escalonados que se desdobram em perspectivas e momentos de pausa, numa narrativa onde interior e exterior se entrelaçam.
O coração do projeto está nos terraços exteriores, com piscina e jardins em diferentes níveis, onde o estuque branco e o betão pigmentado em tons de tijolo evocam tanto a tradição mediterrânica como as atmosferas fotográficas de Slim Aarons. A marcenaria em burl e olmo vermelho acrescenta calor e textura, enquanto a luz natural assume o papel de protagonista: ao entardecer, as paredes transformam-se em telas vivas, refletindo dourados e rosas que conferem à casa uma aura quase meditativa.
Mais do que uma renovação, esta é uma declaração sobre o poder da arquitetura como mediadora entre épocas e sensibilidades. Fiel à herança espanhola mas aberta à modernidade, a casa de Natasha e Tull é agora um organismo vivo, onde cada detalhe (do traço arquitetónico ao grão da madeira) reforça a ideia de que a verdadeira sofisticação nasce da síntese entre memória, luz e natureza. 

O projecto surgiu da premissa da permanência da velha estrutura, integrando-a no ambiente envolto e na herança cultural, adaptando-a às necessidades actuais e conferindo-lhe vitalidade. O nome do restaurante espelha esta ideia de conforto num espaço caótico que se torna concreto assim que o visitante pisa a entrada. Ao invés de se assumir como um espaço mordaz e vazio, este, numa localização de excelência, convive de maneira simbiótica com o Wild Garden circundante, como se alimentasse a própria paisagem, composta pelos caminhos à superfície da água, que criam luminosidade, e sobrepondo-se de forma etérea numa atmosfera única, repleta de sensações e mistérios. 

Aqui nasceu o Matriarca, um espaço de alma rústica pensado para quem vive o vinho e a gastronomia como uma arte, um ritual e um prazer partilhado. Criado pela histórica família Symington, produtora de vinhos do Porto há cinco gerações, o restaurante presta homenagem a Beatriz Leitão Carvalhosa Atkinson – a mulher que acolhia à mesa, com elegância e alma luso-britânica, os primeiros encontros que viriam a marcar a história da família em Portugal. Hoje, o seu espírito vive em cada detalhe desta casa.
Distribuído por três andares de um edifício nobre da Invicta, o design do espaço tem assinatura do estúdio londrino Thurstan, assumindo várias dimensões: no piso térreo, o Wine Bar convida a brindar com vinhos da Symington e petiscos portugueses, enquanto a Cellar Shop oferece provas e uma curadoria única de vinhos tranquilos e do Porto. No andar superior, o restaurante The Dining Room, com assinatura do chef Pedro Lencastre Monteiro, apresenta uma cozinha sofisticada que cruza sabores portugueses e britânicos em pratos criativos e reconfortantes. A carta é sazonal, com uma oferta que funde a dupla nacionalidade da família, sentida em cada recanto.  

Implantada na paisagem tropical de Verla Canca, em Goa, a Casa Tranquilo, com uma área de aproximadamente 929 m2, propõe uma leitura sensível da habitação contemporânea em contexto tropical. Concebida pelo atelier DADO Architecture, esta moradia privilegia a simbiose entre arquitectura, topografia e ecossistema, traduzindo-se numa linguagem formal contida, que coloca a paisagem como figura principal.
O percurso até à casa faz-se por uma alameda, ladeada por palmeiras e vegetação densa. A chegada é gradual, quase coreografada, revelando lentamente uma fachada discreta. Ao abrir-se a grande porta pivotante surge um pátio amplo que conecta todos os espaços. No coração da casa, uma árvore transplantada durante a obra tornou-se símbolo do diálogo com a terra e a memória viva do terreno original.
A casa foi concebida como uma série de volumes interligados, com grandes aberturas, varandas e pátios de transição que promovem uma relação interior exterior perfeita. A sala de estar e de jantar, com assentos embutidos, mesas orgânicas e texturas sobrepostas, pensadas para o toque e o repouso através de camadas suaves e materiais que respiram com o clima. O espaço de jantar, marcado por uma mesa monolítica em pedra, abre-se para um jardim. A cozinha, próxima e discreta, prolonga a sensação de casa vivida, onde cozinhar, partilhar e conversar são partes do mesmo acto. Do outro lado do pátio, o lounge estende-se até ao bar e à piscina. 

Edoardo Mapelli Mozzi, fundador do estúdio Banda, deixou-se imbuir pelo espírito do lugar para transformar uma townhouse numa composição onde geometria, contenção e atmosfera se conjugam com rigor e funcionalidade.
Num bairro onde cada pedra parece conhecer o seu lugar na história, uma townhouse reescreve silenciosamente as regras do luxo contemporâneo. Inserida no antigo complexo militar Chelsea Barracks – hoje transformado pela Qatari Diar numa zona residencial de prestígio que integra moradias, comércio e espaços públicos, com uma rara atenção à escala urbana –, esta residência assinada pelo estúdio Banda é tanto casa como afirmação.
Onde outrora desfilavam silêncios regimentais, hoje vive-se uma nova ordem, feita de luz, proporção e detalhe. Com cerca de 1.500 m2 distribuídos por vários andares, esta townhouse inclui sete quartos, dois elevadores, cinema privado, spa com piscina, sauna, jardim paisagístico e um terraço no último piso – um espaço pensado para habitar o excepcional sem perder o quotidiano de vista.
O respeito pelas proporções grandiosas do edifício, com pés-direitos generosos e volumes quase escultóricos, foi essencial para um trabalho de curadoria onde cada escolha parece inevitável. Uma paleta de cores escuras – azul, castanho e burgundy – pontua a base arenosa dos interiores, onde texturas naturais e contrastes subtis percorrem os espaços, dando a cada divisão identidade se perder o tom. A luz natural, generosa, foi tratada como matéria-prima: amplifica texturas, dramatiza silhuetas, dá profundidade aos silêncios. 

Travertino, carvalho e uma linguagem geométrica precisa estruturam um projeto onde arquitetura e design de interiores se fundem num único gesto disciplinar. A residência, pensada como refúgio de férias para um casal holandês, habita a costa levantine espanhola com uma presença contida, que se abre à luz e ao horizonte sem nunca os dominar.
Organizada em três níveis e com uma área construída de 234 m², a casa adapta-se ao terreno em patamares horizontais que acompanham a topografia natural. As zonas sociais ocupam o piso principal, enquanto os quartos se distribuem no nível superior e, em baixo, encontram-se os espaços auxiliares. No exterior, mais de 200 m² de terraços e varandas prolongam a experiência de habitar, culminando numa piscina que se funde com o horizonte.
O projeto evita a imposição e privilegia a continuidade: o mesmo pavimento que percorre os interiores estende-se para os espaços exteriores, diluindo os limites entre dentro e fora. A abertura para o mar é calibrada, ora em recantos resguardados, ora em panorâmicas amplas, equilibrando intimidade e contemplação.

A materialidade surge como eixo central: superfícies revestidas a travertino conferem densidade e mineralidade, enquanto o carvalho introduz calor e continuidade tátil através de mobiliário feito à medida e revestimentos que percorrem toda a casa. A paleta contida reforça a coerência visual, onde cada detalhe se subordina a uma lógica espacial clara e honesta. Mais do que construir uma imagem, este projeto procura construir um modo de viver ancorado na luz, na matéria e na geometria. Uma proposta depurada e precisa, onde arquitetura e interiores não se distinguem, mas coexistem numa disciplina unificada, respondendo ao lugar e ao tempo com sobriedade e elegância.

A resposta chegou através de uma paleta suave, tons quentes e discretos apontamentos de cor, que sublinham a identidade clássica sem abdicar da contemporaneidade.
A generosidade dos espaços – grandes janelas, pé-direito alto, fluxo contínuo entre divisões – ditou a filosofia do projeto: uma arquitetura de interiores sem concessões. Entre elementos históricos preservados e gestos de atualização subtil, Dubrovska constrói uma narrativa onde a luz é protagonista.
O apartamento organiza-se em duas zonas principais: a social, aberta e fluida, que inclui hall, cozinha-sala de jantar, sala de estar e escritório; e a área privada, mais resguardada, composta por quartos e casas de banho. Os portais abertos substituem portas tradicionais, promovendo continuidade e diálogo visual entre divisões.
Na entrada, painéis em MDF detalhados e um pavimento em porcelânico com grafismos geométricos anunciam a identidade gráfica que percorre todo o projeto. Já na cozinha, o contraste entre armários inferiores em vermelho profundo e unidades superiores claras traduz o equilíbrio entre proporção e leveza. O mobiliário mistura peças ucranianas com design escandinavo, num cruzamento entre identidade local e referências globais.
A sala, de geometria irregular, ganha harmonia através de rodapés e cornijas curvas, que suavizam a transição dos espaços. O recanto da janela em bay window é revestido de verde esmeralda, transformando-se num ponto focal intimista. O conjunto compõe-se com poltronas vermelhas, um aparador com fachada esculpida e uma obra de grande escala do artista Vova Keno, reforçando o diálogo entre arte e arquitetura.
Na ala privada, o quarto principal privilegia materiais claros e iluminação estratégica, compensando a falta de luz natural. A casa de banho mistura microcimento, mosaicos ornamentados e apontamentos de latão, enquanto o duche verde-esmeralda ecoa a tonalidade da zona social. O segundo quarto assume um registo mais contemporâneo, mas mantém a coerência com o conjunto através de detalhes clássicos.
“Queríamos preservar a sensação de abertura, por isso a paleta clara foi a base do projeto. A madeira avermelhada e o latão trouxeram calor, enquanto os elementos gráficos – pavimentos, arcos e fachadas esculpidas – criaram ritmo e identidade”, sublinha Dubrovska.
Entre memória e modernidade, este apartamento em Kyiv é mais do que uma renovação: é a prova de que a história pode ser reinventada sem perder a sua essência. 

O projecto ergue-se sobre as fundações de betão de uma moradia dos anos 1950. Da antiga casa, herda não tanto a forma, mas a atitude: o respeito pela paisagem e pela luz. Desde o primeiro olhar, a proposta foi clara: reimaginar a relação entre o espaço interior e o jardim existente, um refúgio verde a sul, cultivado ao longo de décadas.

A entrada da casa, marcada por uma escada em consola que parece pousar delicadamente sobre a rocha existente, estabelece de imediato um diálogo entre construção e natureza. No interior, a continuidade deste gesto prolonga-se em grandes vãos envidraçados e portas deslizantes que dissolvem a fronteira entre sala, deck e cozinha exterior. Aqui, o jardim deixa de ser apenas cenário: torna-se extensão do quotidiano.
O jogo de luz é central. Um generoso caixilho a oeste, reposicionado para enquadrar um bordo japonês, inunda o átrio e a escada principal, levando claridade até à cave. transformada num espaço luminoso e habitável, longe da antiga sensação de clausura.
Com apenas 177 m² (1.900 sq ft), a casa revela como a escala não precisa de ser sinónimo de limite. A cobertura inclinada, com vigas de madeira expostas e janelas clerestórias, amplia a sensação de abertura. Os interiores, pensados numa paleta de materiais naturais, reforçam esta ideia de leveza: paredes de estuque, pavimentos em madeira maciça e carpintarias em carvalho branco.
Mas há lugar também para a surpresa: na cozinha e na zona de refeições, o carvalho é tingido de azul profundo, criando um ponto de contraste que define a área social. A entrada, inspirada nos genkan japoneses, convida à pausa com um banco integrado e armários discretos que permitem o ritual de descalçar os sapatos antes de entrar.

A In-Kind House não procura ser monumental. O que a distingue é a subtileza com que concilia permanência e transformação: conserva o espírito da casa original, mas liberta-o das suas limitações espaciais. O resultado é um lugar que privilegia a relação íntima com a natureza, a fluidez dos espaços e o conforto essencial. Uma arquitectura que, ao invés de impor, acompanha o ritmo da vida e da paisagem.

Mais do que uma casa, trata-se de uma investigação sobre como habitar de forma regenerativa, devolvendo ao território aquilo que dele se retira.
Distinguida com o Architizer A+ Award 2025 na categoria Unbuilt Sustainable Residential Project, a residência combina energia autónoma, desenho bioclimático e construção de baixo impacto, propondo uma visão de futuro para habitar ilhas mediterrânicas.
Parcialmente embutida no terreno, a Horizon House deixa que a topografia molde a sua forma e o seu desempenho. A pedra extraída do próprio local foi reutilizada nas paredes estruturais e revestimentos, reforçando a ligação material ao lugar. Ao lado da pedra, o betão cru, a madeira recuperada e a vegetação autóctone constroem uma paleta austera, mas profundamente local.
A casa estende-se num eixo linear paralelo ao horizonte, com as zonas de estar voltadas a sul para captar luz e vistas, enquanto a fachada norte se fecha ao vento dominante, garantindo conforto térmico. Uma piscina em L não só prolonga a experiência ao ar livre como contribui para a refrigeração passiva do conjunto.

A estratégia foi clara: criar um edifício energeticamente autónomo e integrado no ecossistema. Microturbinas eólicas aproveitam os ventos constantes da ilha, enquanto um sistema geotérmico assegura aquecimento e arrefecimento. No topo, uma cobertura verde de 300 m² recolhe e armazena água da chuva, complementada por um sistema de reaproveitamento de águas cinzentas. O paisagismo, assente em espécies nativas, reforça a biodiversidade, atrai polinizadores e protege o solo da erosão, promovendo um equilíbrio ambiental duradouro.
No interior, a simplicidade impera. A organização linear privilegia a luz natural e a vista, enquanto pátios, varandas e terraços prolongam a vivência para o exterior. A atmosfera resulta mais dos materiais do que da decoração, deixando que a pedra, a madeira e o betão contem a história do lugar.

Mais do que uma residência, a Horizon House propõe uma arquitetura como sistema vivo, uma infraestrutura ecológica que apoia processos naturais, ao mesmo tempo que oferece um espaço de vida refinado e resiliente. Uma presença discreta na paisagem, mas carregada de significado para o futuro da arquitetura sustentável. 

Em Boston, a casa de Padmaia Kumari Parmar e Kush Parmar “combina influências e elementos de todo o mundo — uma mistura cuidadosa que gostamos de chamar Global Chic”, diz Vani Sayeed. A propriedade conta visualmente a história dos seus proprietários — um dos lados da família tem origens na Casa de Mewar (uma das dinastias mais antigas do mundo) e, o outro lado, traz influências mexicanas.

Com a tarefa de transformar esta casa georgiana de tijolos da década de 1920, a equipa da Vani Sayeed Studios tinha como objetivo criar um espaço acolhedor e contemporâneo e que, ao mesmo tempo, refletisse esta herança cultural. “Este projeto é um reflexo da sua herança, das suas viagens e da sua perspetiva global”, afirma a designer de interiores. Ao criar uma microcultura enraizada na sensibilidade internacional, a casa equilibra o charme global com uma sensação de conforto — elegante e expressiva, mas profundamente pessoal e convidativa.

Com base na fundação arquitetónica da propriedade, a remodelação combina tradição e conforto moderno. Em colaboração com a construtora Adams & Beasley Associates, a equipa de design da Vani Sayeed Studios expandiu e recuperou alguns elementos-chave, como as lareiras, as janelas, carpintaria personalizada e sistemas de climatização. A renovação desta casa com quase um século exigiu uma preservação cuidadosa dos detalhes arquitetónicos originais, como os canos de cobre exteriores e os acabamentos em preto.

A pintura Pichhwai, uma expressão antiga de fé e talento artístico, acima da lareira da sala de estar inspirou a paleta de cores de toda a casa. “Viajamos para Udaipur, na Índia, onde fiquei encantada com os detalhes intrincados do Palácio da Cidade, as cores ricas e a beleza dos lagos e monumentos históricos nas proximidades”, diz Vani Sayeed. Neste projeto, a designer também quis celebrar a conexão vibrante entre as culturas mexicana e indiana.

“Queríamos criar uma sensação de luxo discreto, que parecesse cuidadosamente selecionado e colecionado”, explica a designer. Os espaços são revestidos com uma mistura de materiais: veludos suaves, sedas, couros, acabamentos de pintura de alto brilho e detalhes em mármore, todos escolhidos para trazer profundidade, textura e riqueza à casa”.

A proprietária imaginou a casa de banho principal como um spa, clean, branca e brilhante, como uma referência à sua cidade natal, Rajastão. “Projetámos uma parede de destaque personalizada com mármore Makrana, extraído em Rajastão, e com espelhos embutidos num padrão inspirado em mandalas, uma forma tradicional de arte folclórica”, explica Vani. Fabricado na Índia, o azulejo fixa a parede da banheira, fundindo tradição com elegância moderna.

Quando concluído o projeto, “o cliente fez o maior elogio: A casa está perfeita, como sempre deveria ter sido. Não nos conseguimos lembrar de como era antes”, diz a designer, orgulhosa do resultado final. 

Concebido como um alojamento de férias, o projeto no centro histórico de Mérida, re-imagina uma casa abandonada através de uma sucessão de pátios e módulos fechados. Esta remodelação privilegia a luz natural, a ventilação e os materiais tradicionais, preservando ao máximo a estrutura original.

Localizada num lote urbano, com 5 por 31 metros, a propriedade encontrava-se num estado de abandono estrutural, com telhados desmoronados e uma densa vegetação. Ao invés de avançarem com a demolição total da casa, os arquitetos propuseram uma estratégia com vista a erguer as ruínas: conservar as paredes de alvenaria históricas, introduzir luz através de pátios e claraboias e organizar o espaço em seis volumes – três cobertos e três ao ar livre. “Em vez de criar uma nova casa, quisemos recuperar a que já existia, revelando o seu potencial através do ritmo dos pátios, das curvas e da luz”, afirma o arquiteto José Luis Irizzont Manzanero.

Desde a porta principal, desenrolam-se uma série de espaços: jardim de entrada, núcleo social (cozinha e sala de estar), pátio central, suíte para hóspedes, jardim posterior com piscina, e suíte principal no fundo do terreno. O pátio central, no coração da casa, organiza a circulação e o atua como um elemento passivo de arrefecimento. As paredes curvas, os pátios e as diferentes ligações ao ar livre garantem que todas as áreas sejam naturalmente iluminadas e ventiladas, oferecendo atmosferas em constante mudança ao longo do dia.

Uma paleta sóbria de materiais e texturas define esta intervenção. Os principais acabamentos incluem reboco de cal em tons naturais e betão impresso nas zonas húmidas. A equipa reutilizou a alvenaria original, sempre que possível, e deixou à vista as lajes da cobertura, revelando as vigas como referência aos tradicionais “rollizos” de madeira. As casas de banho contam com claraboias, que enquadram uma bonita vista para o céu.

As grades em aço das janelas são do tom original da casa — um azul-céu suave —, enquanto as áreas pavimentadas combinam pedra regional com uma paisagem minimalista, que evoca calma e continuidade.

Cerca de 70% da estrutura original da casa foi mantida, reduzindo significativamente os resíduos de demolição e o impacto da construção. Desta forma, as estratégias de design passivo (ventilação natural, sombreamento e uso de materiais de baixo consumo energético) contribuem para uma abordagem sustentável, tanto do ponto de vista ambiental como cultural.

O resultado deste projeto é um exemplo de como as intervenções arquitetónicas de pequena escala oferecem alternativas significativas à demolição. Ao equilibrar o restauro e a reinterpretação, o projeto dá uma nova vida a um canto esquecido do património de Mérida, oferecendo uma experiência de vida serena e contemporânea, enraizada na tradição. 

Recentemente terminada, esta casa na aldeia de Tvaladi, na Geórgia, une formas arquitetónicas contemporâneas e materiais de construção tradicionais. O desenho do projeto teve em vista criar uma relação entre tradição e modernidade.

A estrutura da moradia apresenta uma fachada de pedra combinada com elementos arquitetónicos modernos, ancorando o edifício no seu contexto histórico e regional. O volume de um piso é construído a partir da junção de pedra e madeira, que se prolonga no interior da casa, criando uma continuidade visual e material entre os espaços cobertos e os exteriores.

A escolha dos materiais naturais foi fundamental na abordagem de design do projeto. A utilização de pedra e madeira em toda a casa contribui para uma atmosfera acolhedora e sólida. As grandes janelas na fachada abrem o edifício para o exterior, permitindo que a luz e a paisagem entrem no espaço, criando uma forte relação entre a arquitetura e a natureza.

O interior da casa é definido por um equilíbrio entre materiais crus e refinados. Os acabamentos são escolhidos pela sua textura e contraste visual, variando entre superfícies brutas e detalhes polidos. Esta seleção cuidadosa de matérias-primas resulta num interior coeso e oferece ao projeto um jogo de cores e texturas.

A escolha do mobiliário reflete este ambiente, com peças construídas em madeira e fibras naturais. O design simples complementa a linguagem arquitetónica sem sobrecarregar o espaço. A iluminação é suave e indireta, de forma a realçar o calor dos materiais e a criar uma atmosfera calma e acolhedora.

O projeto do gabinete NS Studio demonstra uma abordagem arquitetónica que respeita o contexto, a materialidade e a paisagem. Com recurso a materiais tradicionais de forma contemporânea, a casa alcança um equilíbrio cuidadoso entre passado e presente, interior e exterior, arquitetura e natureza. 

A propriedade localizada na zona histórica da cidade apresenta um design moderno, integrado na beleza natural da região. A equipa da Ridge Design + Build inspirou-se no estilo clean e descontraído das casas do sul da Califórnia, incorporando no projeto linhas retas e simples, tons de carvalho branco e uma paleta suave de tons terrosos e caramelo.

Os acabamentos em estuque e o projeto paisagístico cuidadosamente desenhado para a conservação de água completam o visual, alcançando um equilíbrio entre a simplicidade refinada e o charme descontraído da vida na região vinícola.

A partir de uma abordagem minimalista, os designers encontraram inspiração no estilo e no artesanato de algumas marcas italianas, como Saba Italia, Nicoline Italia e Tonelli. A influência destas marcas reflete-se nas curvas suaves, nas linhas requintadas e no toque elegante das peças de decoração.

A paleta de cores da casa é calma e discreta. Os tons de bege frios ganham destaque ao longo das divisões, com toques subtis de cor nos quartos. As obras de arte percorrem a propriedade, adicionando a quantidade certa de personalidade a cada espaço. O mobiliário curvo ecoa as formas arquitetónicas da moradia, unindo tudo visualmente.

A casa foi projetada tendo em vista a sustentabilidade e uma vida duradoura. A equipa selecionou cuidadosamente todos os materiais para garantir longevidade e qualidade. A infraestrutura do edifício inclui poços, um sistema de captação de água da chuva e painéis solares. O terreno está coberto por oliveiras e carvalhos maduros e plantas resistentes à seca, para aumentar a privacidade e reduzir o consumo de água.

Cada escolha no projeto é reflexo da preocupação e do compromisso com o planeta, sem perder de vista a importância do design na construção de um espaço confortável, com sabor a casa.

Uma moradia de luxo que desafia e eleva os conceitos do “habitar” contemporâneo é a proposta do gabinete de arquitetura Traçado Regulador, reconhecido pela singularidade da sua abordagem espacial, para este novo projeto em Cascais.

“Este projeto é uma homenagem ao espaço, à paisagem e à dimensão emocional da arquitetura”, afirma João de Sousa Rodolfo, arquiteto e fundador da Traçado Regulador.

A imponente entrada da propriedade, marcada por um pé-direito duplo e uma porta de seis metros, introduz o conceito do projeto: grandioso sem ser ostensivo. Ao longo do percurso, a morfologia dos espaços é revelada por contrastes de luz e sombra, transições subtis entre interior e exterior, e cheios e vazios que refletem a complexidade espacial que define o traço do atelier.

Os interiores foram pensados para enaltecer a experiência do conforto e bem-estar. A sala de estar, a sala de jantar e a cozinha articulam-se de forma fluída, com uma abertura para a envolvente paisagística. A moradia conta com oito suites, com destaque para a master suite de 100 m2, tornando-se facilmente um dos pontos favoritos da casa.

Entre os espaços que elevam a propriedade a um nível luxuoso e exclusivo, encontram-se a garagem com capacidade para 15 viaturas, o ginásio, a sala de cinema, a adega, o elevador panorâmico, o fire pit e a piscina infinita de 28 metros de comprimento.

O rooftop oferece uma experiência ainda mais envolvente da vista para a baía de Cascais, com bar, cozinha de apoio e um piscina de hidromassagem. O projeto foi desenhado sob o princípio do luxo sensorial, com especial atenção para a eficiência energética, soluções de sustentabilidade ativa e passiva, e para uma integração subtil na topografia natural do terreno.

“Pretendíamos criar uma casa que surpreendesse, sim, mas acima de tudo que fosse habitável com intensidade. Uma casa com alma, feita para viver a beleza do lugar em cada detalhe”.

Fiel à sua essência, a Traçado Regulador assina mais uma obra onde a arquitetura ultrapassa a função — uma casa que não se limita a ocupar espaço: desafia, inspira e torna-se eterna no tempo e no espaço. 

No litoral norte do estado brasileiro, Modular Bahia propõe um refúgio tropical contemporâneo, sensível ao território e ao clima locais. O projeto com assinatura do estúdio de arquitetura UNA barbara e valentim combina soluções industrializadas com estratégias bioclimáticas, respondendo às condições ambientais e ao desejo de uma ocupação mais integrada na paisagem.

Construída sobre uma península, a casa divide-se em três setores independentes, separados por grandes pátios. A organização espacial permite a convivência de diferentes núcleos, respeitando os seus ritmos e graus de privacidade. Os espaços interligam-se com uma fluidez natural, alternando entre momentos de calma e convívio, com vistas deslumbrantes sobre o mar, sobre o rio ou sobre a floresta.

Nos interiores, as paredes e os tetos são em madeira, complementados com grandes painéis de vidro que integram visualmente a casa com a paisagem envolvente. Amplos decks de madeira prolongam o pavimento interior até às varandas e os terraços espaçosos e abertos ligam os vários módulos do edifício.

Neste projeto foi utilizado o sistema Modular BV, desenvolvido pela UNA barbara e valentim em parceria com a Crosslam Brasil e a Abaeté. Este sistema transforma o modelo de construção num produto industrializado de elevado desempenho, aliando a rapidez de montagem ao design personalizado e à sustentabilidade.

O projeto foi desenvolvido com base em estratégias ambientais eficientes: utilização de madeira de reflorestamento como matéria-prima principal, o desenho de grandes beirais para sombra e proteção das fachadas, assim como janelas em fachadas opostas para garantir uma ventilação cruzada. A cobertura inclinada também facilita a exaustão do ar quente, garantindo conforto térmico sem necessidade de recorrer a ar condicionado.

O Bahia Modular faz parte de uma nova era da arquitetura, focada na sustentabilidade e na procura por novas possibilidades construtivas, sem esquecer o contexto local. Ao combinar design contemporâneo, industrialização da construção e sensibilidade ao meio ambiente, o projeto apresenta uma moradia alinhada com os desafios atuais. 

Junto à Basílica da Estrela, três blocos habitacionais vão dar lugar a 100 novas casas. O projeto do gabinete de arquitetura portuense destacou-se pela integração destes novos edifícios na malha urbana existente, no concurso público organizado pelo IHRU e pela Ordem dos Arquitetos.

A proposta “apresenta uma solução bastante conseguida em termos de relação arquitetura e urbanismo, respeitando a monumentalidade da Basílica e a malha existente, considerando, no geral, uma excelente integração urbana”, afirma o júri do concurso.

Além do projeto dar à cidade novas habitações a custos acessíveis, procura suprir a escassez de pontos de encontro nos grandes centros urbanos e a falta de espaço exterior das habitações. A partir da criação de novos espaços públicos, numa relação intrínseca entre estes espaços abertos a todos e os edifícios que os rodeiam, a equipa da MASSLAB pretende dinamizar e valorizar a vivência urbana, favorecendo a circulação pedonal e a transparência das áreas comerciais, salientando assim a importância do papel das pessoas no habitar da cidade.

Desde o início, a simbiose entre edifício e espaço público foi a premissa estruturante para o desenvolvimento da proposta. Esta vontade traduziu-se na criação de duas zonas públicas de grande dimensão - um jardim verde e uma praça pavimentada -, que apesar da aparente relação de oposição de ocupações, são complementares quando apropriadas pelo utilizador.

O jardim, assumidamente orgânico, é a casa para múltiplas experiências e conta com diferentes elementos multissensoriais: água, topografia, luz, vegetação e relação visual. A praça da Basílica é vista como um elemento regular e geométrico, que faz a conexão numa zona de confluência de percursos principais.

Numa localização privilegiada, os três blocos habitacionais complementam-se com a envolvente nas suas diversas escalas e na subtileza dos alçados, que minimizam o impacto da intervenção. Os edifícios evidenciam o desenho modular estrutural de tipologias distintas, que procuram adaptar-se a novas famílias, novas formas de habitar e fomentar um sentido de comunidade cada vez mais multicultural. 

Originalmente concebida em 1940, pelo arquitecto português Raul Lino, a propriedade foi meticulosamente restaurada preservando o conceito "Casa Portuguesa", o qual promove a harmonia com o clima, a paisagem e o contexto cultural.
A propriedade renasce, assim, como um conjunto refinado de sete apartamentos privados, que oferecem a opulência de um hotel conjugada com o conforto de um lar. Todos os quartos estão equipados com sistemas de descanso naturais da marca Coco-Mat, fabricados à mão na Grécia com materiais naturais. Já a reabilitação preserva elementos característicos como as paredes caiadas, lareiras em pedra e pavimentos de terracota, agora complementados com comodidades modernas: cozinhas em betão polido, mobiliário por medida e tapetes de lã do Alentejo. Apesar dos seus estilos individualizados, os apartamentos partilham uma estética serena e depurada. 

Com energia solar, sistema de economia de água próprio e horta de cultivo local, o nome do espaço surge a partir do único limão que brotou de uma árvore, até então, seca. William Boogaards, Michelle Hoek, Alex Vliege e Helena Mercera deixaram para trás a pressa da cidade e abraçaram um estilo de vida mais simples, conectado à natureza e à ideia de acolher.
Entre a vegetação algarvia e poucas intervenções, há três formas de viver a experiência: Ziggurat, uma suite elevada com terraço e vista para o horizonte; Tikka, uma casa com dois quartos ideal para famílias ou grupos; e Mogadazu, uma tenda/chalet com espaço exterior e vista para o lago. 

O recém-inaugurado hotel reinventa a vibrante cultura marroquina numa linguagem fusional entre tradição e contemporaneidade, sofisticação e exotismo, Oriente e Ocidente. Simultaneamente sóbrio e irreverente, Jnane Rumi personifica o renascimento criativo da cidade vermelha. Por estas razões optámos por enquadrar este espaço na rubrica Interiors – habitualmente dedicada a projectos residenciais –, de forma a sublinhar a sua importância e originalidade no panorama internacional do design de interiores. O jardim idílico, ou jnana, em árabe, foi o que inicialmente seduziu o advogado especializado em arte e empreendedor cultural holandês Gert-Jan van den Bergh e a sua mulher, Corinne. Depois, a casa – morada de ilustres como o sociólogo marroquino Paul Pascon –, desenhada pelo arquitecto tunisino Charles Boccara, autor do Teatro Real de Marraquexe. A recente renovação levada a cabo por Nicolas Bodé – discípulo de Boccara – e Jacques van Nieuwerburgh pretendeu unir esforços na integração da herança marroquina e estética contemporânea.
Mais do que um hotel de charme, Jnane Rumi é um manifesto sob a forma de residência cultural. São 11 suites no edifício principal, uma esplendorosa piscina de 11 metros e um pavilhão anexo com piscina e jardim privados para quem anseie por maior recato. Os interiores idealizados pela designer luso-holandesa Mina Abouzahra sintetizam o coração vibrante deste lugar improvável num rasgo marcado pelo encontro entre artesanato local, peças vintage e design contemporâneo. Um pastiche delicado feito de uma brilhante tessitura de épocas, saberes e talentos. 

Construída em 1777 – altura em que a ilha estava sob ocupação do regime britânico –, esta mansão foi o primeiro hotel rural da ilha. Bem-conceituado, ao longo das duas últimas dezenas de anos foi perdendo o seu brilho face à oferta concorrencial que, entretanto, nasceu no mesmo registo de turismo. Juana Vilafranca Quintana, actual co proprietária do hotel e de origem minorquina, e que já conta com um outro estabelecimento hoteleiro a três minutos deste (o Agroturismo Ses Talaies), confessou-nos que, nas suas voltas de bicicleta pelas redondezas, sempre teve paixão por um dia poder tomar rédeas desta casa centenária e alargar assim a sua oferta turística.
Por sorte ou milagre, o sonho concretizou-se em 2022. Depois de explorar o espaço conforme o adquiriu, durante dois anos, sentiu que era altura de o remodelar e lhe dar uma nova vida. O local voltou, então, a abrir as suas portas em Junho de 2024, totalmente renovado.
Com a ajuda do Atelier Du Pont para a arquitectura e interiores, mas com a sua visão pessoal para utilizar sobretudo mobiliário, produtos e artistas da região, Juana contou igualmente com a mestria do arquitecto paisagista Álvaro de La Rosa Maura para os jardins. Adaptado às novas exigências do actual panorama hoteleiro, o Saint Ignasi oferece agora aos seus hóspedes tratamentos spa e massagens, proporciona aluguer de bicicletas e serviço de transporte de barco e carro para explorar a ilha, entre outros tantos serviços para os visitantes mais exigentes e curiosos. A piscina reconstruída é envolta pela paisagem campestre e fica ao lado do restaurante Smoix, do chefe Miguel Sanchez (antigo dono do restaurante Katú no centro de Ciutadella, hoje sob a mestria do irmão da sua mulher). Uma parceria que não só delicia todos aqueles que decidem optar por uma refeição no local, como permite que usufruam da envolvência de paz e tranquilidade que as instalações proporcionam. Peças de arte adquiridas pelos actuais proprietários estão espalhadas pelo jardim e pela casa, como o saco da escadaria em vidro murano de Mark Bradford ou a escultura azul de Carlos Albert no jardim da entrada do edifício, e que conferem uma identidade única ao espaço. 

No coração de Fitzroy North, em Melbourne, a renovação de uma clássica casa vitoriana tornou-se no palco ideal para um encontro improvável entre um minimalista dinamarquês e uma exuberante egípcio-australiana, que partilham um traço comum: são daltónicos.
A fachada em madeira foi respeitada e pintada num tom creme quente. A entrada, em cor de damasco, dá o tom lúdico logo à chegada. Lá dentro, tudo se abre: a estrutura original foi redesenhada com espaços amplos e interligados, onde cores, padrões e texturas conversam num equilíbrio entre o pragmatismo escandinavo e a exuberância exótica. Um corredor em tom pêssego conduz à extensão recém-construída. Pelo caminho, portas inesperadas revelam espaços surpreendentes que culminam numa sala ampla que junta um lounge de Verão, zona de refeições, cozinha e um cénico recanto de pequeno-almoço inspirado pelas construções do mestre Hassan Fathy. A delimitação dos espaços é feita com humor e precisão: mosaicos de porcelana desenham "tapetes" ao estilo persa, que sobem pelas paredes e se estendem até ao terraço.
Na cozinha, ilhas em madeira com granito turquesa embutido – porque até as fruteiras foram pensadas ao detalhe –, conversam com armários verde-maçã e puxadores em tangerina, transportando-nos directamente para um mercado em Marraquexe. Mármore Rosso Asiago e Verde Riviera encontram-se nos quartos de banho, onde banheiras elevadas, bancos embutidos e azulejos ascendentes reinventam ambientes de hamam. Na sala de Inverno, o passado é honrado com tectos ornamentados, candeeiros suspensos em vidro e sofás em tons inspirados em especiarias do Médio Oriente. Um tapete de Nipa Doshi e Jonathan Levien para a Nanimarquina traz motivos geométricos que ecoam nas cortinas em tom de açafrão. Na suite principal, os tons dos vitrais suavizam-se com rosas e lilases, numa referência à glicínia existente no pátio – e que em breve cobrirá a pérgula feita com madeira reciclada. 

Em Agios Mattheos, nas colinas de Chania, a designer Cari Giannoulias desenhou a casa onde passa os verões com o marido e os três filhos. Implantada num terreno suavemente inclinado, orientado para vistas panorâmicas sobre o mar Egeu e as Montanhas Brancas (Lefká Óri), esta habitação foi construída em pedra local, trabalhada artesanalmente com pregos e fios – como se faz há séculos na ilha.
Organizada em torno de um pátio central, e com planta em "Π" – forma típica das habitações rurais gregas –, a casa distribui-se por três pisos e cerca de 370 m2, contando com cinco quartos, quatro quartos de banho completos e um de serviço, sala principal, sala de cinema, uma biblioteca para leitura privada e uma ampla zona de estar exterior que prolonga o interior para o jardim e a piscina.
O conceito de vivência indoor/outdoor é central: grandes vãos com caixilharia minimalista abrem a casa à luz, enquanto a piscina prolonga o terraço em direcção à paisagem, com tonalidades que replicam o mar.
O interior privilegia materiais naturais: paredes com acabamento manual em patiti (revestimento tradicional grego de aspecto artesanal), madeiras maciças, mármores locais, linhos crus, cerâmicas, rattan e metais com acabamento bruto. A paleta cromática neutra e terrosa cria um ambiente calmo, de "slow living", onde a paisagem é a protagonista. Espelhos são quase inexistentes – substituídos por janelas que reflectem o exterior.  

O projecto, assinado pelo estúdio Moneo Brock, preserva as fachadas originais do edifício do século XVI e a alma tropical da República Dominicana. Materiais locais, como madeira e cerâmica, combinados com soluções sustentáveis, dialogam com o clima tropical e reforçam a identidade da cidade.
O pátio, elemento central da estrutura original, foi preservado como pulmão verde do edifício. Com vegetação autóctone e endémica, assume-se como um microclima natural, onde estratégias passivas de climatização reforçam a ligação entre sustentabilidade e conforto. 

Integrada na narrativa arquitetónica da casa, a cozinha deixou de ser apenas o lugar onde se preparam as refeições. Em projetos residenciais exigentes, este espaço transcende a funcionalidade para se afirmar como um bloco silencioso que organiza, equilibra e define.

Do ponto de vista arquitetónico, a cozinha abraça um conceito onde matéria, forma e espaço se fundem num todo, coeso e expressivo. Quando não está a ser utilizada para cozinhar, esta divisão assume uma nova forma — um lugar para receber e conviver.

A marca de mobiliário de cozinha espanhola, Santos, desenvolveu na década de 60 os primeiros módulos independentes, com base no conceito de cozinha modular — e, desde então, procura criar produtos de qualidade, que aliam um design ergonómico e funcional a uma estética limpa, que se funde com o desenho da própria casa. 

Elevado do solo por uma delicada estrutura de pilares metálicos, o edifício pousa com leveza sobre a paisagem, respeitando os contornos naturais e a vegetação envolvente. Organizado em forma de Y, o projeto desenha três volumes distintos — o núcleo social (Living Hub), o espaço de bem-estar (Wellness Retreat) e a ala íntima de descanso (Sleeping Wing) — dispostos num ângulo de 120 graus, evocando equilíbrio, fluxo e o ciclo do tempo. No centro da composição, um pátio circular – o Forest Valley – atua como coração simbólico e funcional da casa. Inspirado nos jardins zen, este vazio cuidadosamente esculpido oferece um momento de pausa, de contemplação, de respiração.
A filosofia japonesa de ma — o espaço entre as coisas — está presente em cada gesto do projeto. Os vazios são tão importantes quanto os volumes, criando ritmos pausados e uma arquitetura que acolhe o silêncio. Uma galeria perimetral ao estilo engawa dissolve as fronteiras entre interior e exterior, ampliando a experiência sensorial da floresta em constante transformação.
A materialidade segue o mesmo princípio de contenção poética: pedra basáltica, betão reciclado, madeira de cipreste japonês e telhas de argila compõem uma paleta sensorialmente rica, com baixa pegada ecológica. O telhado curvo, subtilmente inclinado, ecoa a topografia e a tradição, sugerindo um gesto quase geológico.
Cada espaço é pensado para se abrir ao exterior sem o invadir, preservando o conforto térmico e acústico através de soluções passivas e uma relação respeitosa com a envolvente. No Living Hub, a lareira e a zona de estar rebaixada convidam à partilha; o Wellness Retreat, com um onsen privativo em madeira queimada e betão escuro, propõe imersão e purificação; enquanto o Sleeping Wing garante retiro e recolhimento.
Aqui, a arquitetura não reivindica protagonismo. Pelo contrário: dissolve-se no ambiente, amplifica o som do vento nas copas das árvores, acompanha a luz filtrada, e sussurra a passagem do tempo. 

Assinado pelo estúdio Jamal Ramis Design Bureau, o espaço convida a descobrir um universo onde o charme europeu clássico se encontra com a irreverência industrial contemporânea — uma narrativa visual que celebra o contraste com equilíbrio e alma.
À primeira vista, o ambiente parece saído de um roteiro cinematográfico: tapeçarias com motivos botânicos, colunas com apontamentos clássicos, pinturas com referências à Grécia Antiga e uma paleta de cores que combina beiges suaves com apontamentos de verde, laranja e vermelho profundo. No centro da sala, um piano antigo — vestígio dos antigos inquilinos — marca o tom nostálgico, enquanto as cadeiras vienenses do século XIX e XX evocam a atmosfera de cafés históricos europeus.
Distribuído por dois pisos e com uma área total de 350 m², o projeto tira partido de um open space que privilegia a fluidez e a convivência. No rés-do-chão, as zonas de estar e o bar aberto definem um ambiente descontraído e versátil; no piso superior, a cozinha aberta e novas áreas de refeição prolongam a experiência. No exterior, uma esplanada convida a aproveitar os dias mais amenos — um refúgio urbano com alma de praça europeia.
Para Jamal Ramisova, fundadora do estúdio, a inspiração surgiu da memória afetiva dos cafés europeus e da monumentalidade da arquitetura grega. “Queria criar um espaço onde a história e a modernidade coexistissem com naturalidade, sem perder a sensação de conforto e intimidade”, explica. E é precisamente essa convivência entre épocas e estilos que define a essência do projeto: um design que não tem medo de misturar, que encontra poesia na imperfeição e que transforma a experiência de um café num momento memorável.
A escolha dos materiais reforça esta abordagem sensorial e eclética: o reboco decorativo confere textura às paredes, enquanto o mobiliário em madeira escura adiciona calor e sofisticação. As prateleiras, que expõem loiça, jornais e objetos utilitários, fundem funcionalidade com estética. Já o chão pintado é uma subtileza moderna que dialoga com a estrutura original do edifício.
Mas o verdadeiro protagonista é o bar — peça-chave do conceito “to go” — cuja integração exigiu um pensamento fora da caixa e um rigoroso estudo de ergonomia. O resultado é um ponto de encontro que equilibra eficiência com presença cénica, onde cada detalhe foi desenhado para acolher, surpreender e inspirar.
Mais do que um café, este é um lugar onde o design conta histórias, onde o passado encontra o presente e onde cada recanto convida à contemplação. Um espaço para desacelerar — com estilo. 

O Mondrian Gold Coast, o primeiro hotel de lifestyle de luxo da marca Mondrian na Austrália, é mais do que uma experiência de hospitalidade — é uma narrativa espacial que funde memória, modernidade e o espírito inconfundível do lugar.
Com assinatura do estúdio Alexander &CO. (A&CO.), em colaboração com a Vitale Property Group e o próprio hotel, o projeto procurou reimaginar a génese cultural de Burleigh, transformando-a numa atmosfera aspiracional que nunca existiu, mas que agora parece ter estado sempre ali. Como descreve Jeremy Bull, diretor da A&CO., “é como caminhar por um salão oceânico antigo, cheio de artefactos de algo há muito esquecido”.
Este gesto de design ganha vida em dois espaços centrais: o LiTO, restaurante italiano de inspiração mediterrânica no piso térreo, e o Haven, restaurante de mariscos e pool club no terceiro piso — ambos esculpidos como se fossem ruínas costeiras, modeladas pelo tempo e pelo mar.

LiTO: arquitetura esculpida, gastronomia em movimento
À chegada, o LiTO acolhe com uma imponência discreta. Dendriformes colunas sustentam os 5 metros de pé-direito numa linguagem que evoca o modernismo orgânico. Pavimentos em terrazzo envelhecido, rebocos venezianos e formas de betão osso criam uma concha arquitetónica onde a experiência gastronómica é o foco absoluto.
Mais do que um restaurante, o LiTO é o epicentro de fluxo: ponto de receção do hotel, bar de cocktails, café de bairro e destino gastronómico — tudo coexistindo num espaço fluido e dinâmico. A solução de A&CO. foi coreografar percursos, zonas e atmosferas, sem comprometer a identidade tátil e sensorial que caracteriza o espaço: madeiras de nogueira, couros em ferrugem e sálvia, iluminação quente que transforma o ambiente da manhã à noite.
O balcão do bar, uma peça escultórica com “cortina de betão” moldada em unidades curvas e únicas, repousa sobre um tampo em nogueira com detalhes de zinco envelhecido, revelando o compromisso com a sofisticação artesanal. Já o café de esquina, com a sua ilha de betão em tom marshmallow, está pensado para o vai-e-vem descontraído dos passantes da esplanada.

Haven: o refúgio elevado entre céu e mar
Subindo ao terceiro piso — por escada em ziguezague ou através do elegante lobby de elevadores — descobre-se o Haven, uma interpretação subtil da dolce vita costeira. Aqui, o design torna-se mais etéreo: paredes de betão que lembram artefactos esculpidos pelo vento, espelhos amplos que refletem o azul do mar e o verde da piscina, madeiras trabalhadas com a delicadeza de uma casa mediterrânica.
O restaurante interior conjuga elementos utilitários e poéticos: um grande balcão de pedra pré-moldada, forno de pizza como peça central, e zonas desenhadas em padrões inspirados em Utzon e Scarpa, para distinguir usos e atmosferas. A iluminação, desenhada com Shaun Dudley (Transmitt), adiciona ritmo e carácter, com formas modernistas em latão, creme e verde.
O Pool Club é um pequeno oásis suspenso: piscina de 25 metros, daybeds ladeadas por guarda-sóis, banheiras de hidromassagem elevadas e um bar exterior que serve tanto eventos como momentos descontraídos. As cinco cabanas privativas, equipadas com frigoríficos e sofás-cama, elevam a experiência balnear para um registo de luxo discreto.

Design como narrativa de identidade
Entre referências a Jørn Utzon e ao modernismo costeiro, entre a hospitalidade italiana e o espírito livre do surf australiano, o Mondrian Gold Coast encontra a sua identidade na justaposição. Não é apenas o luxo do objeto — é a evocação do lugar, do passado e do desejo de um estilo de vida que parece tão natural quanto cuidadosamente desenhado.
Este projeto não é só uma nova referência para a costa australiana. É uma afirmação sobre o poder do design em construir histórias, não apenas espaços. Uma arquitetura que parece ter sido sempre parte da paisagem, e que, como as melhores memórias, tem o dom de parecer familiar mesmo quando a encontramos pela primeira vez. 

Mais do que uma simples reconversão, este projecto revela-se como uma escavação poética da luz e do tempo, respeitando a memória do edifício e reinventando a sua vocação original enquanto espaço de encontro.
Implantada ao longo de toda a profundidade do terreno, a antiga igreja oferecia uma estrutura robusta e generosa, ideal para esculpir novos volumes e permitir que a luz natural atravessasse o interior de forma inesperada. Discretamente rebaixada em relação à rua, a casa assume uma postura introvertida, quase contemplativa, reforçando a ideia de retiro urbano.
Organizado em duas unidades simétricas — norte e sul — o novo programa residencial articula espaços privados e áreas partilhadas, onde a relação entre as diferentes gerações se constrói com fluidez. O pátio central, núcleo orgânico do projecto, estabelece uma nova centralidade. Ao abrir selectivamente a estrutura existente, a luz passa a ser o elemento condutor, revelando a matéria original: vigas de madeira expostas, estruturas metálicas e tijolo antigo, agora reinterpretados com um sentido de continuidade e responsabilidade ambiental.
No piso superior, volumes cuidadosamente desenhados criam quartos íntimos que se expandem em terraços e zonas comuns, como a horta urbana no topo. Um átrio de pé-direito duplo junto à entrada, banhado por um grande envidraçado e uma clarabóia, actua como eixo visual entre os dois pisos, enquanto um bordo de bordo-japonês no pátio reforça a ligação com a natureza e oferece privacidade subtil à casa de banho principal.
A paleta material celebra a textura sobre a cor: cal, microcimento, madeira e alvenaria original compõem uma linguagem sensorial e silenciosa, onde a luz desenha sombras e revela as camadas do tempo. O resultado é um espaço habitado por memórias, onde arquitectura e intimidade coexistem numa coreografia serena e profundamente humana. 

Na envolvente Point Dume, uma das zonas mais emblemáticas de Malibu – lar de figuras lendárias como Bob Dylan – a designer Francesca Grace revela a sua mais recente transformação: uma casa familiar com cerca de 790 m², seis quartos e oito casas de banho, reinventada como um santuário artístico.
Cada divisão foi repensada para inspirar criação e contemplação – um retiro para mentes inquietas, onde o quotidiano se cruza com o poético. As peças de mobiliário, todas desenhadas à medida, contam uma história coesa e intuitiva, feita de texturas tácteis, cerâmicas artesanais e vinis vintage.
A energia que percorre os interiores é expressiva, indomável e decididamente criativa, longe do minimalismo polido que tantas vezes se associa a Malibu. No exterior, padrões arrojados e tons ricos quebram convenções, acolhendo-nos com uma estética inesperada e profundamente humana. Um lar que é, mais do que tudo, uma ode à liberdade de imaginar. 

Aqui, o design transforma-se numa extensão da filosofia da casa: orgânica, sustentável e profundamente sensorial. O espaço foi concebido por uma equipa de arquitectura que entendeu, desde o início, que o VERDIN deveria ser mais do que um ponto de encontro. Deveria ser uma pausa. Um respiro. Uma experiência onde o café, a pastelaria vegan e o respeito pela natureza se entrelaçam com um desenho espacial coerente e inspirador.

A tonalidade verde desaturada — aplicada uniformemente na fachada e nas paredes interiores — estabelece a identidade cromática do projeto. Uma escolha que não é meramente estética: esta cor evoca serenidade, frescura e continuidade com o exterior. A acompanhá-la, um chão de calcário terracota que serpenteia em curvas suaves, desafiando a rigidez geométrica e funcionando simultaneamente como assento e canteiro. É uma forma de arquitectura que respira com o espaço, em vez de o dominar.
No terraço, o paisagismo assume protagonismo. Canteiros com espécies nativas promovem a biodiversidade e reforçam a ligação do espaço ao seu ecossistema local. Já no interior, nichos verticais com sistema de irrigação próprio permitem que a vegetação escale a parede de tripla altura, trazendo uma dimensão viva e táctil ao ambiente.
Materiais como o ferro em tons verde-escuro garantem robustez e continuidade visual, enquanto detalhes em madeira de guatambú introduzem calor e um contraste subtil — um equilíbrio entre o natural e o industrial, entre o orgânico e o urbano.
Mas é na articulação espacial que o VERDIN revela a sua alma mais poética: a escada de ferro dobrado, que se transforma em plataformas escultóricas e assentos inesperados, convida à contemplação tanto quanto à funcionalidade. No piso superior, um lounge com bar suspenso permite vislumbrar a vegetação vertical enquanto se saboreia um café artesanal. Já os terraços, voltados ora para o pátio interno, ora para a rua, oferecem recantos de introspecção e sociabilidade — ambientes pensados para trabalhar, conversar ou simplesmente estar.

O VERDIN inspira-se na imagem do musgo que irrompe entre as fendas da cidade: um símbolo de resistência, de beleza espontânea, de vida que encontra caminho mesmo entre o betão. Assim, mais do que um espaço comercial, o VERDIN é uma proposta poética — onde o design se põe ao serviço do bem-estar, da natureza e de um estilo de vida mais consciente. 

Encomendado por um coleccionador privado sediado em Londres, o projecto apresenta uma nova leitura da linguagem clássica parisiense, fundindo-a com uma visão contemporânea arrojada, emocional e profundamente estética.
Por detrás da fachada típica da capital francesa, revela-se um interior onde o detalhe é rei. As linhas de contorno em madeira de iroko percorrem o apartamento como um fio condutor visual, desenhando os espaços com uma precisão quase gráfica. A paleta de materiais — onde pedra e metal se encontram — cria um diálogo subtil entre a matéria bruta e o toque refinado. Esta dualidade ecoa em divisões-chave como a casa de banho, onde texturas naturais e acabamentos modernos se equilibram com mestria, e na cozinha, onde o inox luminoso dita o tom de um espaço funcional e escultural.

Mas é no limiar da entrada que o primeiro gesto surpreendente acontece: um mármore azul-céu, arrojadamente aplicado no pavimento, estabelece desde logo o carácter inesperado da intervenção. Este elemento define a narrativa emocional do apartamento, onde cada escolha foi pensada para despertar curiosidade e provocar sensações.
Ao reinventar este refúgio parisiense, Sandra Benhamou aliou o legado clássico a uma curadoria de peças ousada e singular. O mobiliário revela um diálogo entre épocas e expressões: clássicos reinterpretados dos anos 80, obras contemporâneas e peças de autor, como a cadeira de Gaetano Pesce (galeria Aurélien Serre), um aparador vintage em madeira (Morentz), bancos estofados de Josef Hoffmann, ou ainda a emblemática poltrona Culbuto de Marc Held.

Benhamou assina também criações próprias, que pontuam o espaço com identidade: a lâmpada Pierre em gesso escovado e lã, a mesa Kaki em pau-rosa e latão, e o pufe Dolly. A curadoria de arte completa o ambiente com nomes como Gideon Rubin, Kathleen Jacobs (Karsten Greve), Nathanaëlle Herbelin e John Chamberlain, entre outros. Cada peça contribui para uma atmosfera que é, ao mesmo tempo, sofisticada, sensível e provocadora.
Cerâmicas de Christian Duc, uma escultura em mármore de Carrara da jovem artista Kristina Chrastilova, um vaso de Camille Romagnani (Pick-up Art) e uma peça evocativa de Raphaël Navot (galeria Diurne) adicionam camadas de textura e narrativa ao espaço.

Este apartamento é mais do que uma habitação: é uma obra viva, onde a tradição parisiense se reinventa em cada canto. Um projecto que traduz, com alma e arrojo, a poesia visual de um bairro onde a arte e a cultura se entrelaçam naturalmente. 

A maior ilha balear, conhecida pela sua beleza natural e pelas praias paradisíacas, foi o destino escolhido pelo casal de artistas Jasna Fritzi Bauer e Katharina Zorn para viver longe da confusão da cidade.

Composta por várias casas, esta propriedade não é apenas um lugar para a família — também oferece um espaço para artistas residentes, onde cada elemento foi pensado para inspirar a criatividade.

“Esta é uma casa antiga [..]. Tem caráter. Na verdade, é como nós; vive do seu mobiliário, vive de nós. Não é perfeita, mas isso é precisamente o que a torna especial”. Os tons naturais inspirados na ilha — em destaque o verde, o terracota e o castanho — percorrem o interior da residência, criando um local convidativo e aconchegante.

Em conjunto com a Westwing, Jasna e Katharina construíram um paraíso que harmoniza na perfeição a vida familiar e a arte. “Este é um lugar feliz, e isso é um sonho para nós”. 

Com assinatura SLS Properties Inc., este projeto junta o melhor de dois mundos – a arquitetura de inspiração francesa com uma vivência contemporânea. Embora habitada a tempo inteiro, Chateau Houston foi desenhada para que os proprietários se sentissem de férias, todos os dias – onde os momentos simples do quotidiano fazem parte da atmosfera leve, convidativa e serena de cada divisão.

“Na minha carreira de construtor, procuro sempre ir mais além e criar casas que se destaquem da norma. O meu objetivo é introduzir estilos arquitetónicos que não são muito vistos em Los Angeles”, afirma Shlomi Sfadia, fundador da SLS Properties Inc. “Quando as pessoas entram nas casas que construí, quero que se sintam transportadas para outro destino”.

Com fortes influências francesas, o projeto incorpora detalhes intemporais, como fachadas simétricas e telhados inclinados. “Desde os pormenores arquitetónicos aos materiais e acabamentos refinados, todos os elementos foram cuidadosamente selecionados para evocar a sensação de sofisticação europeia”.

Ao longo da construção, Shlomi Sfadia e a equipa depararam-se com o desafio de encontrar o equilíbrio certo entre a arquitetura tradicional francesa e a funcionalidade moderna. “Tipicamente, as casas de estilo francês baseiam-se fortemente em disposições compartimentadas, que podem parecer demasiado tradicionais e afastadas dos espaços abertos e fluidos que as pessoas procuram atualmente”, explica o construtor e designer. “Quis preservar o toque francês e, ao mesmo tempo, garantir que a casa oferece uma disposição espaçosa, funcional e adequada à vida moderna”.

Este equilíbrio foi conseguido com recurso ao exterior, a pequenos pormenores e acabamentos, incluindo uma área de estar em “open space”, zonas de entretenimento espaçosas e uma ligação interior-exterior fluida.

A paleta de cores da moradia é predominantemente neutra, criando uma base intemporal e elegante que realça a escolha dos materiais naturais e os detalhes arquitetónicos. Para acrescentar profundidade, calor e um apontamento do charme europeu, Shlomi Sfadia incorporou no projeto tons ricos e terrosos, com uma forte influência de verdes em todo o design.

Para acentuar a autenticidade e elegância intemporal, a equipa da SLS Properties Inc. optou pela utilização de materiais naturais em toda a casa – azulejos marroquinos Zellige nas casas de banho, vários tipos de mármore natural, acabamentos em gesso e barro romano no quarto principal e nas casas de banho, cascalho de ervilha no exterior, carvalho branco para a carpintaria e telhas de barro. Cada matéria-prima foi cuidadosamente selecionada para transmitir calor, textura e tradição.

“Um dos momentos mais memoráveis durante a construção foi quando estávamos a finalizar o backsplash de pedra da cozinha”, recorda Shlomi Sfadia. “Tradicionalmente, este tipo de pedra é utilizado em espaços exteriores, mas eu estava determinado em trazer esse encanto rústico para dentro de casa. Quando finalmente foi instalado, transformou completamente o espaço – parecia que estava a entrar numa propriedade rural e não numa casa recém-construída em Los Angeles”, explica o fundador da SLS Properties Inc. “Esse momento reforçou a minha convicção de que, por vezes, arriscar nos materiais e nas escolhas de design é o que realmente torna uma casa especial”.

No final, o apreço dos proprietários por um design intemporal e por um trabalho artesanal de alta qualidade fez com que Chateau Houston fosse a casa de sonho. 

No ponto mais elevado da Serra do Louro, no Parque Natural da Arrábida, ergue-se uma casa que brotou de um contexto rural do qual nunca cortou o cordão umbilical. Um projecto do Atelier Cimbre.
A implantação da casa tira partido da orientação solar e da vista privilegiada sobre a paisagem protegida da serra da Arrábida. Assim, a construção abre-se predominantemente para Sul, deixando que a luz penetre naturalmente em toda a habitação e criando conexão visual com o exterior. As paredes de 2,4 metros de altura ultrapassam os limites da cobertura de quatro águas, criando espaços exteriores com diferentes níveis de intimidade. Esta solução protege a casa da rua a Norte e do terreno adjacente a Poente, ao mesmo tempo que garante luminosidade através de amplos vãos envidraçados.

A materialidade da casa enfatiza a sua expressão tectónica, combinando elementos que aliam durabilidade e baixa manutenção. No interior, a madeira de bétula reveste os tectos, proporcionando conforto e calor ao ambiente, enquanto o betão aparente nas paredes confere unidade estética e robustez à construção. No exterior, o betão dialoga com o zinco natural da cobertura e com as caixilharias protegidas por uma capa de alumínio, materiais escolhidos para envelhecer de forma harmoniosa com a paisagem envolvente. 

Na exuberância do Noroeste Pacífico, em Portland, a designer de interiores Jeanne Feldkamp e o seu marido, Dan Diephouse, encontraram o lugar ideal para a sua casa. Num encontro entre a cidade e a natureza, o casal procurava um espírito de liberdade, não só pela beleza natural envolvente, mas pelo estilo de vida dinâmico que os define. E este bairro, com a sua mistura de residências centenárias e uma arquitectura contemporânea, foi o cenário perfeito para a construção do seu sonho em comum.
A residência, projectada para se integrar no ambiente local, teve a assinatura do gabinete Waechter Architecture, que conseguiu transpor para a realidade o equilíbrio de elementos modernistas com uma fisicalidade brutalista. Com 408 m2 distribuídos por três andares e quatro quartos, o edificado eleva-se a partir da rua, com um nível térreo para a garagem e acessos. Com uma estrutura de superfícies que promove a continuidade entre interior e exterior, num diálogo entre robustez e acolhimento, a casa conta uma história em camadas de materiais, memórias e momentos. Um projecto onde “o maior desafio criativo, sem dúvida, foi desenhar para mim própria”, confessa Jeanne. “A pressão adicional de criar uma ‘casa para sempre’ não ajudou. Eu queria tanto que fosse espectacular!”. Cada pormenor foi idealizado de forma a que espelhasse os gostos e modo de vida do casal. 

A renovação cuidada não só preservou a alma arquitectónica original como a potenciou, criando um espaço onde a criatividade e o quotidiano se cruzam com leveza e funcionalidade.
A nova moradora — uma jovem estilista que trabalha a partir de casa — precisava de mais do que uma habitação: procurava um atelier, um palco de ideias, um espaço de pausa e contemplação. O resultado é um ambiente fluido e polivalente, onde cada detalhe foi pensado para acolher tanto a vida criativa como os gestos mais banais do dia a dia.

Funcionalidade com identidade
A redistribuição da planta permitiu que cozinha, sala de jantar e estúdio coexistissem num espaço aberto, em diálogo com a sala de estar. A luz natural, elemento essencial para a nova proprietária, percorre todos os recantos, revelando uma linguagem visual coesa e depurada.
A cozinha — concebida pela Santos — é linear, elegante e surpreendentemente funcional. Estende-se ao longo da parede, aproveitando toda a sua altura, com soluções de arrumação pensadas até ao mais ínfimo detalhe. A escolha de acabamentos, como o Ceppo di Gré e o grafeno, reforça o carácter contemporâneo sem abdicar da sobriedade.

Um palco para viver e criar
A fluidez do espaço é reforçada por peças cuidadosamente escolhidas. Frente à cozinha, uma mesa artesanal, iluminada por um candeeiro da &Tradition e acompanhada por cadeiras da Potocco, forma uma zona de refeições acolhedora. O estúdio, orientado perpendicularmente, surge como uma extensão natural da cozinha — equipado com uma mesa Palluco, uma cadeira Stua e um candeeiro da Artemide, tem uma presença discreta mas definida.
Nas costas, uma parede em Ceppo di Gré, com nichos iluminados entre armários, cria um jogo de volumes e luz que reforça a profundidade visual do espaço.

Design invisível, conforto tangível
Mais do que a estética, o que verdadeiramente impressiona é a forma como o design se coloca ao serviço da vivência. Os armários coluna escondem os electrodomésticos (frigorífico, forno, máquina de lavar loiça) e multiplicam soluções de arrumação. As gavetas, com organização modular e acessórios personalizáveis, revelam uma inteligência silenciosa que transforma a rotina num ritual intuitivo.
Um destaque especial vai para a vitrine com portas de correr que cobre a parede perpendicular à bancada. O seu sistema de prateleiras iluminadas — também em Ceppo di Gré — confere uma presença cénica ao espaço, funcionando como fonte de luz ambiente e montra de objectos do quotidiano.
O perfil de iluminação LED da Santos, que percorre toda a bancada, integra tomadas e apoios para utensílios e gadgets, num equilíbrio entre tecnologia e artesanato.

Uma casa com atitude
Este projecto é um exemplo claro de como os espaços pequenos podem ter grandes ambições. Mais do que uma renovação, trata-se de uma reinvenção do conceito de habitar — onde o design, longe de ser um fim em si mesmo, é o fio condutor de uma vida mais consciente, funcional e bela.

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Na Primavera de 2023, um jovem casal à espera do seu primeiro filho decidiu procurar um refúgio tranquilo, longe da agitação de Manhattan, que oferecesse um alicerce para a criação de uma nova família. Foi assim que encontraram uma casa que, embora simples, oferecia o potencial perfeito para se transformar num verdadeiro retiro. Localizada em Springs, uma área costeira pitoresca de East Hampton, em Nova Iorque, a casa foi o ponto de partida para um projecto transformador, liderado pela designer de interiores Melissa Lee, do estúdio Bespoke Only.
O cenário não poderia ser mais adequado: Springs é um bairro que carrega um legado artístico profundo, com raízes que remontam a artistas como Jackson Pollock e Lee Krasner. As suas paisagens brandas e a rica tradição marítima criaram a atmosfera perfeita para um refúgio intimista e acolhedor. A fachada da casa – uma construção de 1965 num estilo característico da estética histórica do bairro – foi intencionalmente preservada. No entanto, foi no interior que o verdadeiro desafio e a beleza do projecto de Melissa Lee se desdobraram. 

Não foi por acaso que os proprietários procuraram o gabinete de design de interiores Maddux Creative. Depois de trabalharem juntos em vários projectos, Scott Maddux e Jo leGleud surgiram como a escolha óbvia para recriar o refúgio de fim-de-semana para esta família inglesa com dois filhos. No final, percebe-se o exercício de criatividade e audácia emoldurando um retrato das vivência e personalidade dos seus habitantes.
As possibilidades oferecidas pela estrutura arquitectónica do antigo celeiro eram extraordinárias e evidenciavam inúmeras referências à arquitectura modernista da Califórnia, nomeadamente o trabalho em madeira, a volumetria, os espaços amplos, as grandes aberturas para o exterior e a imponente lareira em pedra de dupla fase. Um arquitecto e um marceneiro locais deram forma ao volume moldando-o numa linguagem moderna, mantendo apenas a implementação e o telhado e rasgando amplas janelas do tecto ao chão. A luz e a paisagem preencheram o interior, o tecto revestido com ripas de madeira projectou uma sensação imediata de conforto e acolhimento. 

Rodeado de edifícios elegantes do início do século XX, praças vibrantes que convidam a encontros, é também marcado pela forte identidade arquitectónica, que evolui com o pulsar de modernidade da cidade e, por isso mesmo, um lugar inspirador.
A família, que combina entre si uma mistura de influências culturais – Roberto é de Nápoles e Natália da Letónia –, confiou no designer Hannes Peer para a remodelação completa da sua casa. “Deram-me carta branca para redistribuir a disposição do espaço e seleccionar os materiais. Embora estivessem activamente envolvidos na definição da atmosfera desejada, abraçaram a visão arquitectónica, permitindo um processo de design sem falhas”.
Os espaços foram distribuídos num layout em forma de L, com cerca de 200m2, focados na funcionalidade e riqueza estética. O designer alinhou a visão do casal e recriou a sua história com fluidez, garantindo transições perfeitas entre as diferentes áreas. O núcleo central da casa é a cozinha, reflectindo a importância desta divisão na vida quotidiana do casal e dos seus filhos. 

Num dos mais prestigiados bairros residenciais de Astana, Cazaquistão, o apartamento familiar de 265 m2 junta elementos tradicionais locais e peças de design modernas e icónicas num interior que reflete a beleza do ambiente envolvente.

Para Aisha Adilshiyeva, fundadora do IDA Design Mates, “a proximidade do rio influenciou profundamente o design de interiores, integrando na perfeição a beleza tranquila do exterior com a elegância sofisticada do interior”. Ao incorporar superfícies refletoras no espaço, a equipa criou um ambiente leve e arejado. “O clima de Astana, caracterizado pela sua frescura, é cuidadosamente refletido no interior do apartamento – imbuído de uma elegância refinada que é simultaneamente discreta e rica em detalhes cativantes”, afirma a designer.

Neste projeto, a equipa do IDA Design Mates focou a sua atenção nos pormenores. Os designers passaram dois meses a desenhar meticulosamente os padrões das molduras apresentadas nas paredes, em torno das portas e no teto. “Procurámos a originalidade, evitando a repetição, e queríamos que estes detalhes – especialmente nos tetos – cativassem e prendessem a atenção com a sua singularidade”, explica Aisha.

Os padrões das paredes combinam elementos geométricos e florais, conferindo ao espaço graciosidade. “Para criar estes designs personalizados para as paredes, tetos e portas, mergulhámos profundamente em livros sobre a história da ornamentação, inspirando-nos em séculos de arte decorativa”, recorda a designer.

Uma coluna de suporte existente junto à entrada do apartamento, obrigou a equipa a arranjar uma solução – optaram por criar dois grandes arcos que conduzem à sala de estar. “Para mim, os arcos rítmicos incorporam um sentido de ordem – suave, não rígido – especialmente quando um enquadra a vista do outro, criando profundidade e continuidade”, afirma Adilshiyeva.

Na sala de estar, a lareira em mosaico, da autoria do artista Art Oskolok, com pássaros azuis e papoilas em flor – numa alusão à cultura do Cazaquistão – está rodeada por uma moldura em arco colorida, criando contraste e equilíbrio. “A lareira tinha de ser um ponto focal ousado, convidativo e quente. Foi assim que surgiu a cor vermelha – como um cenário para uma peça tão marcante”.

As paredes são como uma tela em branco para obras de arte. Os toques de cor foram introduzidos com ponderação através do mobiliário, cuidadosamente selecionado, em tons pastel e cores vibrantes, espelhando a personalidade alegre e despreocupada dos proprietários.

Ao nível dos materiais, os designers escolheram a madeira como matéria-prima central do projeto, transmitindo conforto e uma essência natural. As superfícies em mármore acrescentam um toque de luxo e elegância às divisões, oferecendo um contraste requintado com os elementos de madeira. Os detalhes em metal e as superfícies espelhadas aumentam a sensação de espaço e de luz, refletindo o ambiente e acrescentado profundidade ao interior. No final, as molduras de gesso conferem uma sofisticação clássica, unificando todos os materiais num ambiente harmonioso e equilibrado.

Este projeto resulta num apartamento acolhedor que honra as tradições familiares e locais, com um toque de modernidade. 

Aproveitando uma série de encomendas localizadas no Mar Cantábrico, a NAVC pretende demonstrar que é possível criar uma arquitetura que combine o tradicional com o moderno. Muitas vezes, os regulamentos actuais baseiam-se em tradições ultrapassadas, o que representa um desafio na conceção de habitações modernas que respeitem o contexto e a história do local.

Um miradouro com vista para o mar
Situada nas margens do Mar Cantábrico e rodeada de pinheiros e azinheiras, a Casa Loredo está localizada num terreno alongado com vistas abertas para noroeste. A partir da sua posição privilegiada, é possível ver a cidade de Santander ao fundo da baía. A paisagem foi uma prioridade no projeto da casa, concebida como um grande miradouro. As suas grandes superfícies envidraçadas permitem uma ligação total com a envolvente e reforçam a sensação de proximidade com o mar.

Materialidade e tradição
A Casa Loredo é uma declaração de intenções em termos de materialidade, reflectindo honestidade, autenticidade e respeito pela tradição. As técnicas de construção vernáculas foram reinterpretadas e integradas numa arquitetura contemporânea. A fachada exprime a filosofia do projeto através da alvenaria de pedra calcária, uma técnica artesanal que evoca pureza e tradição. Esta abordagem não só permite que a casa se integre visualmente no seu contexto natural, como também reforça a sua identidade cantábrica.

Resposta ao meio ambiente
A orientação da casa significa que está diretamente exposta aos ventos e à chuva da Cantábria, o que constituiu um desafio em termos de conceção. Para atenuar estes efeitos, foram empregues estratégias como pátios abrigados, alpendres e beirais para se abrigar das intempéries.

Organização do espaço
A casa está organizada em torno de uma planta em L, com duas alas que podem funcionar de forma independente ou em conjunto. A ala Este-Oeste alberga os espaços comuns e o quarto principal, sendo a zona mais utilizada da casa. Por outro lado, o corredor norte-sul é reservado para os quartos de hóspedes. Esta disposição é evidente na entrada da casa, onde as duas alas convergem. O jogo de espaços cheios e vazios, juntamente com as transparências, permite que o mar seja visível a partir da entrada, reforçando a ligação com a paisagem.

Reinterpretação dos materiais
Um dos pilares do projeto é a reinterpretação dos materiais tradicionais. As paredes de alvenaria de calcário, caraterísticas da arquitetura cantábrica, são utilizadas de forma inovadora. A madeira, por seu lado, aparece em elementos parciais das paredes e ganha protagonismo nos tectos exteriores e interiores, dispostos em ripas que acentuam a direccionalidade da casa para o mar. A estrutura da casa é constituída por paredes diafragma de betão armado que alternam com painéis de vidro, configurando a arquitetura de uma forma dinâmica e funcional.
A Casa Loredo é um exemplo de como a tradição e a modernidade podem coexistir em harmonia, propondo uma arquitetura que dialoga com o meio envolvente e responde às necessidades actuais sem perder a sua identidade. 

Com um estilo arquitetónico característico, o famoso bairro Plateau-Mont-Royal é a nova morada do projeto Saint-André no. 3 – um antigo duplex transformado numa residência unifamiliar. “O conceito para esta propriedade foi desenvolvido segundo uma organização espacial simples de espaços servidos e espaços de serviço, dispostos de forma paralela”, afirmam os arquitetos Louis Thellend e Lisa-Marie Fortin.

Na fachada posterior, um jogo de formas geométricas inscreve-se no quadro do alçado do edifício vizinho, concebido pela mesma equipa de arquitetos, para a mesma família na década anterior. Esta correspondência cria um diálogo fluído, com recurso a diferentes aberturas, dando forma a um conjunto unido e coerente.

No que diz respeito à paleta de cores, a equipa do Thellend Fortin Architects optou pelos tons brancos, conjugados com madeira de carvalho clara. Para este projeto, os arquitetos tinham como objetivo criar ambiente etéreo e luminoso, de forma a equilibrar a estreita largura do espaço. Ao longo do dia, os raios de sol entram pelas grandes janelas e iluminam os diferentes materiais e texturas.

No centro do projeto está uma escadaria, que se dobra e desdobra no espaço, interligando os vários patamares – desde a cave à mezzanine. Concebida como um elemento livre, os materiais escolhidos, em contraste com as cores suaves do ambiente em redor, destacam esta peça central e acentuam a sua presença. No topo das escadas, as claraboias proporcionam um “banho” de luz natural a todos os espaços. 

Centrado essencialmente na reestruturação espacial, 25 de abril é um dos projetos de restauração e reabilitação de Mariana Menano e Gonçalo Diniz, em Lisboa. “O nosso objetivo foi não só potenciar a sua utilização quotidiana, mas também readaptar todo o apartamento a um estilo de vida mais contemporâneo”, afirmam os fundadores do atelier de arquitetura e design de interiores MENNIZ.

Com especial atenção para as áreas sociais, a equipa optou pela demolição de uma divisão – em Portugal, era comum construir-se quartos interiores para a empregada –, permitindo a sua conversão numa zona de estar continuamente aberta.

A junção destes três espaços distintos – cozinha, sala e quarto interior – numa única área social possibilita a criação de uma maior amplitude espacial com zonas específicas dedicadas ao convívio e às refeições. Com esta reconfiguração, o apartamento beneficia da presença de mais luz natural, bem como de uma maior fluidez de movimentos entre os espaços.

Digna de registo, a zona de estar conta com três grandes janelas com vista para o Tejo que deixam a luz do sol entrar e iluminar cada canto da propriedade. De forma a distinguir com clareza a zona de entrada dos espaços de convívio, a equipa do atelier MENNIZ desenhou um armário em madeira de carvalho. Como suporte à consola, este elemento ajuda a filtrar a relação entre as áreas sociais e o hall.

Os materiais foram cuidadosamente escolhidos para proporcionar uma atmosfera confortável, leve e acolhedora em todas as divisões. Nos quartos e espaços sociais foi utilizado pavimento em madeira, combinando com microcimento de cor arenosa no chão e nas paredes das casas de banho. 

Aninhado num pequena península na zona oriental de Ontário, Canadá, Saint Lawrence Lodge surge como um retiro conceptual onde a arte se cruza com a natureza envolvente. “Abraçando o cenário idílico junto ao lago, o conceito do design adota uma abordagem de dentro para fora, conjugando na perfeição espaços de lazer e convívio”, descrevem Abe Chan e Sam Khouvongsavanh, co-fundadores do estúdio ACDO. “Todos os pormenores foram pensados para criar uma atmosfera acolhedora”.

Concebida como uma casa de férias, a propriedade transmite luxo e elegância num ambiente natural e confortável. “Olhámos para a cultura de Ontário de casas de campo e para o desejo de nos reencontramos com a natureza ao longo das estações”, afirmam os designers. “Esta casa é o resultado de uma abordagem sofisticada desta experiência, em que todos os materiais são naturais, autênticos e orgânicos”.

Neste projeto, a paleta de cores foi ditada por alguns materiais chave: betão, esteatite, também conhecida como pedra-sabão, e carvalho areado. A cor foi introduzida pela equipa de design do ACDO através do mobiliário e de peças de arte, que ajudaram a personificar as diferentes estações do ano em cada divisão.

Rodeada pela natureza abundante, o interior da propriedade é rico em materiais crus e naturais da região. Com destaque para as diferentes texturas e padrões, cada espaço conta uma história, proporcionando um mundo de experiências por toda a casa.

A fusão de um refúgio tranquilo com um design moderno, resulta numa moradia contemporânea onde cada detalhe realça a paisagem envolvente. 

À beira-mar, num dos mais prestigiados bairros do Dubai, Villa Verde evoca o glamour de Beverly Hills, com um toque artístico e neoclássico. “Fomos atraídos por este projeto, porque os clientes tinham uma visão clara e apaixonada para a sua casa”, recorda Claudia Baliyan, co-fundadora da Creating Homes.

No centro do projeto está uma escadaria escultural que liga os diferentes pisos – um pedido especial do proprietário que se apaixonou pela famosa escadaria do Edition Hotel em Nova Iorque. “Os clientes não queriam apenas um espaço com um design bonito. Queriam uma casa com alma, que refletisse verdadeiramente as suas personalidades, estilos de vida e espírito artístico”, explica a designer. “A oportunidade de criar interiores que contam uma história, evocam emoções e trazem conforto e vida a todos os cantos, tornou este projeto entusiasmante e gratificante para a nossa equipa”.

Tendo em conta o gosto eclético dos proprietários, os designers criaram espaços distintos ao longo da moradia. “Cada divisão foi concebida com uma personalidade própria, assegurando que não há duas áreas iguais”. A extensa coleção de arte da família também foi considerada no projeto: “concebemos vários espaços semelhantes a galerias por toda a villa”, afirma Claudia Baliyan. “Encontrámos uma forma de acrescentar textura e caráter às divisões”.

O exterior apresenta um design exótico, incorporando uma paisagem exuberante e elementos naturais que, juntos, criam um retiro imersivo e tropical. Através de grandes janelas e portas de vidro deslizantes, a ligação do interior da casa ao jardim é leve e fluida.

Na paleta de cores escolhida cuidadosamente para este projeto, os tons verdes e caqui sobressaem, a pedido de Rumana Nazim (proprietária da moradia). “Inspirados pela sua origem indiana, incluímos motivos culturais e artísticos de forma subtil, mas impactante – através de padrões, texturas e elementos de design que prestam homenagem à sua herança”, explica a co-fundadora da Creating Homes.

Os materiais foram selecionados de modo a refletir a visão arrojada dos clientes. O pavimento, em madeira natural, proporciona conforto e equilíbrio, complementando o esquema de cores rico em tons terra. O mármore está presente em diferentes elementos – como na mesa de jantar, nas bancadas da cozinha, na lareira e nas casas de banho –, acrescentando um toque luxuoso e requintado aos espaços. Na casa de banho e na sala de estar, os papéis de parede apresentam padrões únicos que remetem o imaginário para ilhas tropicais exóticas, transmitindo profundidade, caráter e interesse visual às divisões.

“Esta combinação de cores vibrantes como o verde e o borgonha, materiais orgânicos e texturas em camadas, garante um ambiente visualmente marcante, elegante e profundamente pessoal”, afirma Claudia Baliyan. 

Seis anos após a sua primeira intuição, Maud Caubet aperfeiçoa o seu conceito de uma casa em harmonia com o ambiente. Os volumes, os métodos construtivos, os materiais e os acabamentos interagem com a paisagem existente, formando um conjunto coeso onde a arquitetura contemporânea se funde naturalmente com a envolvente. A disposição em forma de H é realçada por uma escadaria de betão bruto que conduz a um terraço panorâmico com vista para o oceano.
Desde o início, em 2018, a abordagem de Maud Caubet visou integrar a casa no seu ambiente, aproveitando recursos locais e respeitando o caráter original do local. Assente sobre estacas de betão, a casa eleva-se do solo, acompanhando a verticalidade dos pinheiros e criando um contraste inesperado com a uniformidade da floresta. As fachadas, revestidas com pinho marítimo de Landes saturado em castanho-escuro, evocam a textura da casca das árvores, reforçando esta continuidade.
A pré-fabricação fora do local – incluindo paredes de estrutura em madeira e isolamento em fibra de madeira – foi realizada por um carpinteiro local, permitindo que tanto a casa como a sua extensão fossem montadas com um impacto mínimo no terreno. Ao preservar o solo natural, o espaço sob a casa permanece disponível para arrumação ou para proporcionar conforto à sombra nos meses de verão, beneficiando ainda de uma piscina estreita discretamente integrada sob o segundo volume. O telhado verde e as caixilharias contam com ripas de madeira ajustáveis, que filtram a luz solar enquanto garantem privacidade.

Um habitat em evolução
Agora composta por dois volumes interligados, a casa foi projetada tendo em vista futuras expansões – potencialmente adicionando um terceiro ou quarto módulo, reforçando o conceito de um lar composto por espaços interconectados. O volume oeste alberga a sala de estar, a cozinha, a garagem e dois quartos, com um terraço virado a sul, sombreado por um prolongamento da cobertura. O volume mais pequeno é dedicado à suíte principal, que inclui quarto, closet, escritório e casa de banho, com acesso a um terraço virado a oeste e vistas deslumbrantes para a floresta. Estas duas “cabines” autónomas estão ligadas por um passadiço coberto.
No interior, a composição, orientação e forma dos espaços nascem da utilização e das vistas, e as atmosferas são moldadas pela natureza circundante: verde água, verde escuro, azul oceano, castanho casca… Estas tonalidades prolongam-se até ao pátio central, onde o jogo entre elementos interiores e exteriores – acentuado pelo revestimento em madeira – cria uma atmosfera única em cada divisão. E por toda a casa, o aroma do oceano paira no ar. 

Num terreno inclinado no extremo leste de Toronto, esta casa unifamiliar de quatro quartos está encaixada numa ravina, com declives acentuados tanto no jardim traseiro como do outro lado da rua.
A forma alta e verticalmente enfatizada do edifício dialoga com as árvores antigas que se erguem sobre as casas à medida que sobem as encostas de ambos os lados. O exterior é revestido quase inteiramente com telhas cinzentas em forma de diamante, que se estendem pelas paredes, pela porta da garagem e pelo telhado, conferindo ao edifício uma leitura coesa. Uma parte do volume é recortada no lado sul, criando espaço para os degraus que conduzem à porta da frente e para janelas adicionais nas laterais das reentrâncias formadas por este recuo parcial. Estas aberturas estão voltadas umas para as outras, em vez de darem diretamente para a propriedade vizinha, permitindo a entrada de muita luz no centro da casa sem comprometer as restrições urbanísticas.

Uma secção da fachada sul recua em relação à linha principal e é destacada por painéis de betão branco, que se prolongam até ao telhado e curvam sobre os degraus de entrada, proporcionando abrigo ao percurso de acesso. O jogo com geometrias simples para alcançar resultados inesperados — uma marca registada da Reigo & Bauer — também se manifesta na cobertura, composta por superfícies triangulares que ligam diagonalmente os picos das águas desalinhadas, da frente para as traseiras da casa.

Janelas estreitas e desencontradas nas fachadas frontal e traseira permitem a entrada de bastante luz, mantendo ao mesmo tempo um nível de privacidade para os residentes. Na sala de jantar voltada para a rua, estas janelas estendem-se acima do plano do teto, reforçando a verticalidade do espaço. Já na parte de trás, o teto da sala de estar curva-se e inclina-se para acomodar as janelas alongadas, conduzindo o olhar para a colina arborizada por trás da casa. Estes gestos engenhosos fazem com que as divisões pareçam muito mais altas, sem comprometer o espaço do piso superior.

Ao nível da entrada, um bloco central alberga uma casa de banho social, uma despensa e arrumos acessíveis de dois lados. Esta configuração ajuda a organizar e definir os espaços circundantes, que fluem livremente sem necessidade de portas. A cozinha situa-se entre a sala de jantar e a sala de estar, e apresenta armários e superfícies brancas minimalistas, criando um aspeto limpo e discreto.

Uma parede em verde suave separa a cozinha das escadas, mas dois recortes em forma de cápsula entre os armários permitem visibilidade e entrada de luz para os lances superior e inferior. Um espelho de forma semelhante, colocado ao centro, reflete a vista da cozinha, criando um efeito visual divertido. Esta parede verde prolonga-se para formar o corrimão sólido do corredor do piso superior, iluminado por claraboias, que liga dois quartos na frente da casa à suíte principal na parte traseira. Um quarto adicional encontra-se na cave, por trás da garagem.

Outras superfícies verticais coloridas aparecem na sala de estar, onde uma parede foi pintada num tom rosa pálido, e na casa de banho da suíte principal, que exibe um tom ligeiramente mais escuro, próximo do terracota. A maioria das restantes paredes são brancas, enquanto os pavimentos, em carvalho de tom claro, proporcionam um fundo neutro para que os proprietários possam adicionar a sua personalidade através de tapetes e peças de mobiliário marcantes. Detalhes subtis, como a repetição de candeeiros esféricos no interior e exterior, ajudam a unificar o projeto.

Quando tem controlo total sobre a arquitetura de uma casa, como neste caso, a Reigo & Bauer demonstra um notável entendimento do espaço tridimensional e uma habilidade para o manipular dentro de restrições apertadas, maximizando todo o seu potencial. O resultado é um exterior único na rua, mas que se integra harmoniosamente no contexto, e interiores que equilibram dinamismo e serenidade.  

O mais recente projeto do estúdio Sol Design contou com a renovação e ampliação de um edifício centenário na cidade de Bergen, Noruega. Nesta restauração, Sonja Solstrand quis preservar a visão do arquiteto Einar Oscar Schou. “Abordámos o trabalho com grande respeito e humildade”, afirma a designer.

Com vistas panorâmicas sobre o coração da cidade, Fløirestauranten é uma fusão de história e modernidade. O conceito adotado para este projeto abraça as raízes de Bergen, como valores duradouros que o estúdio de design se esforçou por preservar. “As raízes ligam-nos à nossa história, à nossa cultura, às nossas tradições e à nossa comida”, explica Sonja Solstrand.

Para a renovação do espaço, a equipa procurou captar a alma do edifício, conjugando a sua longa vida com elementos frescos e contemporâneos. “Ao ligar o interior à envolvente natural do restaurante, o espaço encontrou o seu fundamento. A escolha de cores, materiais e temas une o interior num ambiente sensorial onde o novo e o antigo se fundem harmoniosamente”.

O interior do Fløirestauranten foi concebido para acolher o passado e o presente num só espaço, onde a história ecoa e a modernidade melhora toda a experiência. “Tinha de encontrar um equilíbrio entre a elegância e o conforto, convidando toda a gente, desde os caminhantes e turistas, aos entusiastas de refeições requintadas”. Para Sonja, “a interação de elementos nostálgicos e modernos garante que os hóspedes se sintam enraizados na história do edifício, enquanto desfrutam do aconchego e da inovação do design”.

A beleza da natureza e a sustentabilidade foram a inspiração por detrás da paleta escolhida para o projeto. Desde o início da renovação, a equipa fez estudos de cores e materiais em cada divisão para descobrir quais os tons e papéis de parede originais do edifício. “A paleta de cores escolhida é inspirada na natureza que rodeia Fløyen (uma montanha em Bergen), com tons verdes combinados com tons de terra em várias tonalidades. Estas cores calmas criam uma atmosfera acolhedora, estabelecendo um ambiente coeso que honra a história do edifício e o liga à paisagem local”, explica a designer.

A escolha dos papéis de parede também foi influenciada pela natureza envolvente. “Nas salas de estar, os papéis de parede originais apresentavam motivos de inspiração asiática com árvores e pavões”, descreve Sonja Solstrand. “Os novos papéis de parede mantêm o tema central, mas foram reinterpretados com uma expressão mais nórdica. Nos locais dos eventos, o papel de parede original apresentava padrões densos de folhas de palmeira, enquanto o novo design assume um toque mais leve e também mais nórdico, realçando a atmosfera arejada da sala.”

Ao nível dos materiais, os elementos de madeira recuperada foram incorporados no pavimentos e a madeira antiga das escadas foi reutilizada no piso inferior. As portas originais foram transformadas à medida em novas portas de correr. O latão – um material essencial no primeiro projeto do edifício – foi reavivado e incorporado em novas peças feitas à medida. Neste projeto, a equipa do Sol Design colaborou com fornecedores locais, dando prioridade a materiais fortes e sustentáveis, que resistissem ao “teste do tempo”.

Os interiores do Fløirestauranten contam com uma seleção de mobiliário nórdico de marcas como Fritz Hansen, Fredericia, Please Wait to Be Seated e Mater. Alguns elementos e acessórios foram concebidos à medida pelo estúdio de design, misturando-se perfeitamente com a arquitetura e introduzindo um toque fresco e moderno. No restaurante, as cadeiras Knag vintage foram meticulosamente restauradas e estofadas em pele de alta qualidade por Christopher Knag – o neto do fundador original da oficina de mobiliário Knag –, como uma homenagem ao legado do célebre fabricante de mobiliário de Bergen. As mesas antigas também foram renovadas, demonstrando um compromisso com a sustentabilidade e honrando o artesanato do passado.

Ao unir o icónico design escandinavo com elementos personalizados e peças antigas cuidadosamente restauradas, esta renovação reflete o poder da história, da sustentabilidade e do design moderno que se juntam para criar um espaço que parece, simultaneamente, intemporal e revitalizado.  

Cercado por pátios murados e cuidadosamente dispostos, narra uma história de contrastes e equilíbrio, oferecendo uma experiência de serenidade.
Inspirada pela arquitectura do Norte do Golfo – onde a privacidade e a protecção moldam espaços de contemplação e refúgio –, White Fortress ergue-se como uma ode ao design que acolhe e ao mesmo tempo desafia. Protegida por paredes espessas e austeras, que bloqueiam o tempo quente e os ventos secos, a casa tem a capacidade de envolver quem chega numa serenidade inesperada, onde cada elemento narra uma história de contrastes e equilíbrio.
O coração desta residência repousa nos seus pátios murados e cuidadosamente dispostos. Cada pátio, longe de ser um mero espaço de transição, desempenha um papel singular e intencional: saudar quem chega, convidar ao repouso ou reunir para celebrar. Estes pátios conferem ainda dinamismo à composição total, criando microcosmos dentro do espaço maior. No centro do conjunto, um “oásis” verde divide de forma subtil, mas eficaz, as zonas de serviço dos espaços sociais e privados. 

Junto na vida e no trabalho, o casal transformou esta propriedade rural, inserida na paisagem idílica de Sonoma, num espaço repleto de uma energia apelativa e marcante. Um refúgio privado e criativo, que incorpora a sua estética e identidade.
Rodeada de olivais, entre campos e colinas de vinhas, esta propriedade em Sonoma, na Califórnia, é o reflexo de uma vida em comum, assente numa ruralidade sofisticada. Austin Carrier e Alex Mutter-Rottmayer são conhecidos como os Hommeboys, o estúdio multifuncional de design que trabalha os materiais naturais com bom gosto, atribuindo-lhes intemporalidade. Esta casa incorpora as preferências da dupla de criativos e o que define o seu trabalho, uma estética cuidada e um design duradouro. “A nossa estética de design é naturalmente misturada com cores ricas e detalhes arquitectónicos únicos. Quisemos colocar um toque de terra num espaço pequeno e dar-lhe uma energia que é relaxante, convidativa e visualmente estimulante. Desde o mobiliário à iluminação, quase tudo na casa é vintage ou concebido e construído por nós ou por outros fabricantes que conhecemos”, partilha o casal.
O principal desafio do projecto, “e também o aspecto mais divertido, foi resolver a arquitectura pouco inspiradora” do edifício original, um antigo celeiro abandonado. O formato clássico do espaço foi-se adaptando às necessidades do casal e, aos poucos, tem-se expandido, de forma ecléctica e acolhedora. A última mudança realizada, a mais significativa, incluiu a remodelação do showroom do seu estúdio no piso inferior, que levou seis meses a ficar concluído. Aos rectângulos que dão forma ao primeiro e segundo pisos, a dupla introduziu curvas e arcos que enquadram e separam os espaços, criando uma experiência inesperada e que dá vontade de explorar. As divisões, divertidas e com carácter, correspondem exactamente ao que era desejado: “Na casa dos Hommeboys, o estilo de vida é de festa e trabalho árduo. A mesa de café é um local para jantar ou uma plataforma de dança, a mesa de jantar é uma mesa de jogo de proporções épicas, e o nível inferior é um escritório sofisticado que é acolhedor e eficiente.” 

A lendária propriedade do séc. XVIII reúne segredos que, a par da sua beleza sobrenatural, a transporta para o domínio do irreal.
Refúgio romântico do compositor de ópera italiano Vincenzo Bellini e da sua musa, Giuditta Cantù Turina, Passalacqua é banhada pelo sol desde o amanhecer até ao anoitecer criando um microclima ímpar. Em 2018, a villa histórica inaugurava uma nova etapa após a família De Santis a adquirir num leilão da Sotheby’s e recuperar toda a sua elegância e charme.
Tudo aqui é evocação do paraíso. Jardins exuberantes feitos de cedros, ciprestes, palmeiras, lírios ornamentais, roseirais e camélias, fontes e cascatas brotando sons oníricos, lembram as míticas Atlântida ou Lemúria. Um dos recantos icónicos é a piscina oval com guarda-sóis desenhados pela J.J. Martin. Os interiores neoclássicos são adornados com sumptuosas escadarias em mármore, candeeiros Il Bronzetto, luxuosos tecidos de seda e peças de arte adquiridas em leilões. 

Construída em 1656 pelo comerciante Nicolaes Blaeuhelm, com influências do arquitecto Philips Vingboons, a Monumental Canal House evoca a clássica tipologia estreita das canal houses, erguidas ao longo da Era Dourada dos Países Baixos.
Ao longo dos séculos sofreu várias transformações, incluindo uma reconstrução significativa em 1907 que, apesar de alterar a sua estrutura, preservou a memória de mármores, vitrais e escadarias que ecoavam histórias de outros tempos. Na renovação conduzida pela Wonderstruck, em parceria com a BNLA Architecten, não se impuseram regras ao espaço. Procurou-se traduzir a sua essência, descobrir-lhe o pulso, devolver-lhe a respiração e harmonia. Foi nessa herança arquitectónica e emocional que se encontrou a base para um novo capítulo.
Com o desafio extraordinário de preservar o carácter monumental do imóvel dentro das exigências do Comité do Património, foi necessário um trabalho meticuloso de restauro dos elementos ornamentais, enquanto se introduzia uma narrativa contemporânea através da selecção criteriosa de materiais e peças de design. 

Imagine uma casa onde a natureza abraça cada detalhe e onde o design contemporâneo encontra o encanto selvagem do litoral brasileiro. Bem-vindo à Casa Angra, uma residência de Verão em Angra dos Reis, no Brasil, com a assinatura do Studio Arthur Casas.
Situada à beira-mar, a casa integra-se de maneira harmoniosa na sua envolvente natural, oferecendo um refúgio onde conforto e paisagem conversam em perfeita sintonia. Segundo Arthur Casas, desde o primeiro momento o objectivo foi respeitar e valorizar a volumetria da construção original – da autoria do também arquitecto brasileiro Fernando Peixoto –, ao mesmo tempo que se adaptava o espaço às necessidades dos novos moradores. A transformação trouxe novas perspectivas para o mar e para a exuberante Ilha Grande, dando prioridade à fluidez entre os espaços sociais e a uma imersão constante na paisagem circundante. Mesmo quando as vistas para o oceano não eram possíveis, elementos como rochas, jardins interiores e clarabóias foram integrados para captar a essência da natureza local e a iluminação natural em todos os ambientes.
O percurso até à casa é uma experiência por si só: acessível por água, do pontão até à entrada principal existe um caminho assinado pelo arquitecto paisagista Ricardo Cardim, que guia quem chega por entre espécies nativas da Mata Atlântica que se misturam de uma forma orgânica com a vegetação local. Este compromisso com a natureza também se reflecte nos jardins interiores que trazem para dentro de casa a vitalidade do verde. A fachada é todo um poema decomposto em materialidades. Pedras brutas extraídas da região, dispostas em tons e formatos variados, criam um efeito horizontal que ecoa a escarpa rochosa da envolvente. A madeira, protagonista tanto dentro como fora, traz calor e sofisticação. E os grandes panos de vidro dissolvem as barreiras entre o interior e o exterior, permitindo que a luz natural inunde os espaços. Por último, o telhado de telha cerâmica original contrasta com o forro de palha, criando um diálogo entre o tradicional e o moderno. 

Se a arte lhes corre nas veias, não poderiam senão expor um dos locais mais icónicos da sua infância: a casa projectada pelo avô Artur e na qual estão patentes várias obras da avó Helena.
Situada nas imediações da aldeia do Burgau e do contexto histórico de Lagos, a Casa do Barco conserva reminiscências de um amor do mais puro e fraterno que se poderá sentir. Datada de 1984, a residência foi reabilitada, mantendo a simplicidade projectual, segundo a qual há uma harmonia entre o edificado e a paisagem natural. As grandes janelas privilegiam a magnífica luz algarvia, e a madeira e a suavidade de tons servem de pano de fundo para momentos irrepetíveis, outrora vividos por esta família de artistas e que, na actualidade, convida qualquer curioso a viver também. Além das memórias familiares, há provas únicas que merecem ser (re)visitadas: a colecção original de discos, os quadros que decoram as paredes e, claro, o barco à vela, que permanece intacto, no exacto local em que o avô Artur o deixou da última vez que navegou nele pelo mar. 

Fabian Martinez (fotografia) e Lúcia Rumor (texto) desvendam-nos de que matéria são revestidas as memórias que contam a história desta casa, uma ode à natureza e um apelo aos sentidos.
Envolto por árvores, este pedaço de terra em Valle de Bravo, perto da Cidade do México, viu nascer um lar que conta memórias de família; um lugar que chama a calma. As directrizes para a mais recente renovação da casa foram simplicidade, harmonia e preservação das memórias de um lugar que é ponto de encontro nos fins-de-semana, acumulando recordações de várias gerações. O terreno foi comprado há cerca de 45 anos, e guarda a identidade da casa de férias de que todos se lembram. Com o passar do tempo, houve algumas mudanças e renovações. Dos avós aos netos e cães, é nesta casa que a família de Mariana Morales passa tempo para se reconectar com a natureza, onde constrói lembranças e relaxa.
A designer mexicana arquitectou o projecto com um sabor especial; era a casa de família que frequentava com os pais, irmãos, amigos e, mais recentemente, com a filha e os sobrinhos. É o lugar onde se encontram para passarem tempo juntos e toda a família colaborou no processo criativo do projecto de remodelação, que levou seis meses a ficar concluído, enredado em conforto e espírito de acolhimento. “Este projecto reflecte de uma forma muito pessoal a minha visão e a da direcção de ‘luxo silencioso’. Com uma ligação entre a natureza e os sentidos: o que tocamos, vemos, ouvimos, cheiramos e saboreamos torna-se o foco central do design, onde menos é mais e a qualidade excede a quantidade”, conta-nos a designer. 

Inspirada pelo Museu Paula Rego, projetado por Eduardo Souto de Moura, em Cascais (Portugal), a equipa do gabinete HW Studio desenhou este projeto ao pormenor, procurando transmitir uma sensação de serenidade e calma, através de um jogo de luz e espaço.

“Explorámos cuidadosamente a forma de captar a luz descendente, criando uma experiência envolvente que procura tocar quem entra na casa, tal como nós fomos tocados”.

O estúdio de arquitetura abraçou este projeto como um exercício de “escavação”, esculpindo um espaço em forma de “celeiro Purépecha”, também conhecido como Troje – uma estrutura para armazenamento de milho, utilizada pelos povos indígenas de Michoacán (México). O interior da casa é revestido a madeira, procurando reforçar este conceito e torná-lo mais evocativo destas construções tradicionais, com um sentido de respeito pela cultura.

Localizado num terreno de pequena dimensão, os arquitetos tiveram especial atenção a questões relacionadas com iluminação e ventilação, bem como à utilização eficiente do espaço. Assim, foi desenhado um corredor de acesso na frente da casa para permitir a entrada, ocultando o telhado.

No centro do edifício, um espaço aberto acolhe as zonas sociais – a sala de estar, a sala de jantar e a cozinha – sem a presença de divisões fechadas, que dificultem a comunicação entre áreas. Os eletrodomésticos e a despensa encontram-se camuflados, assim como as escadas em caracol que conduzem ao primeiro andar.

No piso superior ficam a casa de banho e o quarto, na mezzanine. Este é um espaço importante no projeto, uma vez que é o único elemento na casa com uma materialidade diferente – um volume branco que flutua no interior do edifício. Esta escolha de mudança de material teve como objetivo esbater a presença deste piso e torná-lo mais leve, como algodão a pairar no espaço.

O projeto Casa Emma é um convite à imersão num mundo onde a luz desperta emoções e desafia a contemplação. 

Um refúgio minimalista longe da agitação do dia-a-dia. Foi este o conceito definido pelo estúdio de arquitetura Lola Cwikowski para a renovação de um duplex na capital portuguesa. “O nosso objetivo era transformar o apartamento num espaço de descanso onde os proprietários se pudessem desligar das preocupações do quotidiano e passar tempo de qualidade com a família”, afirma Lola.

A luz atravessa as janelas desta casa, no último andar de um edifício típico de Lisboa, captando as texturas subtis do elemento central do projeto – uma ilha personalizada em “solid surface”. A integração perfeita de elementos funcionais com espaços sociais reflete uma tendência contemporânea mais alargada no design residencial, em que as fronteiras entre a funcionalidade e o convívio são intencionalmente diluídas.

A ilha da cozinha, que é como o coração físico e metafórico do espaço, e que se estende até à área social, revela como o trabalho artesanal pode transformar os rituais domésticos. À semelhança das mesas comunitárias dos mosteiros portugueses, que durante séculos ancoraram reuniões familiares, esta interpretação moderna serve de centro gravitacional para as rotinas do dia-a-dia. A iluminação suspensa, acima da ilha, não se limita a iluminar – ajuda a esculpir o ambiente, criando zonas mais íntimas num plano aberto, mantendo a continuidade visual do espaço.

Desenhadas com materiais resistentes, as casas de banho abraçam a eficiência e a elegância. Os armários integrados parecem dissolver-se na arquitetura das divisões. Os planos contínuos das bancadas criam uma coreografia material, simultaneamente moderna e intemporal. Esta atenção ao pormenor estende-se aos quartos, onde a disposição do mobiliário adaptável reconhece a natureza evolutiva da vida familiar.

A escolha dos materiais reflete uma compreensão sofisticada de durabilidade e de conforto. Apontamentos em madeira escura pontuam as superfícies brancas, criando um ritmo que orienta o olhar, enquanto confere uma dimensão etérea às divisões iluminadas. A interação entre luz e sombra, sólido e vazio, recorda o conceito de “saudade”, transposto para a linguagem arquitetónica.

Este projeto espelha a dualidade entre as necessidades individuais e coletivas dos proprietários. As áreas de estar flexíveis, com a disposição do mobiliário cuidadosamente pensada, criam oportunidades para momentos a sós ou de convívio. Com este trabalho, a equipa do estúdio Lola Cwikowski conseguiu alcançar uma compreensão mais profunda da vida doméstica contemporânea, em que as casas devem funcionar simultaneamente como um retiro e um espaço de socialização. 

O projecto da Casa Itaúna, que partiu da preservação de uma casa original de Oscar Niemeyer, reinterpreta os conceitos de espaço, integração e paisagem, expandindo-se para além dos limites da pré-existência. A aquisição do terreno adjacente permitiu uma intervenção que redefine a relação entre a construção e o seu entorno, abrindo espaço para um jardim que dialoga com as novas e antigas estruturas de forma fluida e contínua.

O projecto é desenvolvido em três volumes distintos, mas interligados por percursos desenhados como passagens, passadiços e escadarias. Essa abordagem estabelece uma leitura arquitectónica de continuidade e movimento, onde a separação entre interior e exterior se dissolve num jogo de aberturas e circulações estratégicas.
A casa original recebe uma intervenção marcante na fachada: grandes painéis pivotantes, estruturados por uma malha metálica, permitem uma modulação dinâmica entre transparência e resguardo, moldando a relação entre os espaços internos e a envolvente paisagística. Um longo banco desenha os limites das lajes, prolongando a experiência espacial e enfatizando a fusão entre a arquitectura e a natureza.

Um Novo Volume em Suspensão
O novo anexo de lazer é uma peça central da composição, suspensa sobre um plano que se estende entre a piscina e o jardim, como se flutuasse na paisagem. Com uma materialidade que privilegia a pedra e o betão, estabelece um contraponto à leveza estrutural das demais construções, demarcando a diferença entre a linguagem da expansão e a memória do edifício original.

A circulação vertical ganha protagonismo com a introdução de uma escada helicoidal, conduzindo a um volume elevado, onde grandes painéis deslizantes de vidro promovem um constante diálogo entre interior e exterior. No coração do projecto, um óculo circular funciona como um recorte no tecto que permite a entrada de luz natural e a ligação visual entre os diferentes níveis da casa, reforçando a atmosfera de continuidade e transparência.
A materialidade do projecto celebra a interação entre elementos naturais e industriais, criando contrastes que enriquecem a experiência arquitectónica. A justaposição entre pedra, betão e elementos metálicos realça a estética do conjunto e reforça a narrativa da intervenção: um equilíbrio entre solidez e leveza, entre permanência e transformação.

A Casa Itaúna não é apenas um exercício de expansão, mas sim um gesto de reinterpretação e valorização do legado arquitectónico modernista. A intervenção respeita e amplia o diálogo entre os espaços, criando uma residência que não apenas preserva a essência da obra original, mas a projecta para um novo tempo, onde a arquitectura e a paisagem se encontram em perfeita sintonia.

Localizado num edifício histórico, construído pelo arquiteto Cyrus Lazelle Warner Eidlitz, Blue Nomad é o novo espaço de Onyedikachi Achilike, especialista em beleza e bem-estar. Em conjunto com Silvana Vergara Tobin, fundadora do Studio Tove, criaram um lugar único onde o design artístico se funde com a área da saúde da pele.

O espaço que anteriormente servia como um pequeno escritório com zona de produção para uma marca de roupa de banho, foi transformado neste estúdio de beleza. Silvana desenhou uma divisória personalizada, de forma a criar áreas distintas: uma zona para tratamentos e uma sala de espera. Para a designer, o maior desafio foi conseguir encaixar várias funções – tratamento, venda a retalho, escritório e armazenamento – num só espaço, sem que este parecesse desordenado.

Desde o início do projeto, a equipa de design afastou-se dos típicos materiais associados ao bem-estar, como a madeira e os tons de branco simples. Optaram por uma paleta de azuis e verdes suaves e neutros quentes, evocando a calma e o equilíbrio. Para complementar o espaço, foi utilizada a pedra Cantera – um material vulcânico, natural do México, com uma tonalidade rosa-púrpura. O conjunto dos materiais transmite um ambiente simultaneamente quente e vibrante.

Para o desenho do estúdio, a designer de interiores inspirou-se numa viagem a Marrocos, onde se sentiu atraída pela utilização de materiais naturais na arquitetura, combinados com acessórios metálicos gravados. “Foi assim que decidimos rapidamente que as paredes deveriam ter um acabamento como o gesso, para um aspeto mais orgânico”, explica a fundadora da Blue Nomad. “Além disso, com base na sua formação em arquitetura, Silvana é uma admiradora do trabalho de Peter Zumthor, e gosta particularmente da forma como o reflexo da água joga com a luz e com as sombras no projeto Therme Vals”.

A vegetação tradicional foi substituída por vidro e outros elementos refletores, fazendo-se sentir a tranquilidade da natureza – a fluidez da água através do vidro, com o cromado a ecoar a iridescência das conchas do mar. A tinta de cal num tom verde subtil acrescenta textura e um toque terroso ao espaço, abraçando a beleza natural. “Ao prescindir da madeira em favor do cromado e dos azulejos vibrantes, o espaço alcança um equilíbrio entre modernidade e alma – sereno, mas dinâmico”, afirma Onyedikachi Achilike.

Inspirada pela herança cultural e familiar, a Blue Nomad apresenta uma visão alargada sobre o bem-estar – beleza e estilo de vida. Este estúdio no coração de Nova Iorque é apenas a primeira expressão desta visão. 

Num bairro de casas geminadas, destaca-se a Brooklyn Townhouse. A designer Lucy Harris abraçou este projeto, desde o início, com cuidado e detalhe – utilizou uma abordagem criativa para construir um “bouquet improvável”, combinando cores, materiais e inspiração em espaços tranquilos e ecléticos, concebidos para receber e desfrutar de tempo de qualidade em família.

Os proprietários – um casal jovem – queriam um espaço bonito e prático para a família em crescimento. “O primeiro filho do casal nasceu no decorrer do projeto, pelo que os clientes precisavam que a casa fosse simultaneamente elegante e funcional para receber o bebé”, explica Lucy.

Com este projeto, a equipa de design tinha como objetivo criar um ambiente que transmitisse paralelamente calma e tranquilidade, interesse e jovialidade. “Isto foi conseguido através da utilização de uma paleta de cores maioritariamente serena, com toques de vivacidade”, afirma a designer. No que toca à decoração, a casa conta com peças vintage e artigos de pequenos artesãos, que conferem um caráter único à moradia. “O amor do casal pelas viagens inspirou a utilização de peças de diferentes épocas e origens”.

A natureza desempenhou um papel de protagonista neste projeto. Trazendo o ar livre para dentro de casa, a equipa optou por uma paleta com tons neutros e alguns apontamentos ousados de verdes, azuis profundos, laranjas e amarelos terrosos. A coleção abundante de plantas dos proprietários ajudou a transformar os interiores numa extensão dos jardins ricos e exuberantes da moradia. A utilização de materiais naturais – como o couro, a lã, a cortiça, o rattan e a cerâmica – permitiu criar uma ligação mais profunda de cada divisão com o exterior.

“Conceber uma casa para um jovem casal com um bebé, que adora cozinhar e divertir-se, significa criar ambientes abertos com espaços confortáveis para se reunirem com os convidados”, explica Lucy Harris.

No final, todos os elementos se conjugam numa combinação perfeita de ecleticismo moderno: na sala de jantar, um banco corrido e embutido é revestido com tecido Brecon, num tom de musgo. No decorrer das divisões, os tapetes acrescentam cor, padrões e texturas suaves, criando um ambiente acolhedor e confortável. Objetos esculturais e peças de arte com significados únicos pontuam os espaços. A claraboia, sobre a escadaria do último piso, em conjunto com as portas de vidro deslizantes, nos pisos inferiores, tornam a casa leve e arejada.

Este projeto foi especial para Lucy. O resultado: uma casa moderna, elegante e adaptada a uma família em crescimento. “O espaço estava cheio de vida, quando visitámos a casa pela primeira vez após a sua conclusão”, descreve Lucy Harris. “Havia obras de arte das crianças coladas nas portas, música a tocar, e as portas das traseiras estavam escancaradas para deixar entrar a brisa de verão.” 

Na famosa zona de Brooklyn, Nova Iorque, o mais recente projeto do BAAO contou com a restauração e renovação de uma antiga moradia, marcada por um exterior revestido a brownstone, a pedra característica dos edifícios nova-iorquinos.

Através da utilização de curvas e elementos arquitetónicos arrojados, Alexandra Barker fez renascer a moradia como uma casa colorida e divertida, com um design versátil e adequado ao dia-a-dia da família. Para acrescentar caráter e uma sensação de luxo ao espaço, a equipa do BAAO optou pela escolha de materiais robustos, de qualidade, como o mármore, o aço e a madeira maciça.

Cada divisão tem a sua própria personalidade – muitas vezes, marcadas por gamas de cores diferentes. No entanto, as áreas enquadram-se, de forma harmoniosa, numa abordagem global que define um “espaço tranquilo com apontamentos de melancolia”.

Os tons claros presentes no projeto combinam com as tonalidades profundas e formas texturadas, criando uma tela onde os materiais naturais e as peças artesanais são os protagonistas. “Escolhemos materiais texturados para as transições da frente para as traseiras da casa, feitas de gesso e carvalho branco”, explica a arquiteta. “Olhámos para as cores da pedra como inspiração para o resto da paleta”.

Na entrada, a cor predominante é o verde – as paredes apresentam um tom profundo e o chão em xadrez verde e rosa claro é uma reviravolta ao tradicional preto e branco. Na sala de estar, marcada por cores neutras com apontamentos coloridos, um sofá e um cadeirão curvos enquadram duas mesas de mármore, sobre um tapete de forma assimétrica. O espaço conta ainda com um elegante aparador de nogueira personalizado. Sobre a lareira de mármore original estão expostos um relevo pintado a ouro de Andrew Zimmerman e o “Cloud Support” de Mike Hansel.

Um arco de gesso canelado, com uma área de bar incorporada e iluminada por arandelas francesas vintage, enquadra a vista para a cozinha. Aqui, o mármore Calacatta Vagli Viola cobre os armários personalizados e a ilha, em tons neutros. Uma escada minimalista conduz os visitantes até à sala de jogos.

Com uma cor beringela, a sala de multimédia é acompanhada por uma área de bar, revestida a mármore. Esta divisão conta com um grande sofá cinzento e uma poltrona amarela em veludo, que enquadram uma mesa de café curvilínea em nogueira.

No segundo andar, a suite principal está pintada a cinzento lavanda com elementos de carvalho manchado. As arandelas de parede em linho estampado iluminam as mesas de apoio suspensas na parede. Um armário em arco conduz à casa de banho. O chuveiro é revestido a Ônix verde e mármore rosa Aurora Macchia Vecchia. Uma janela em aço sobre a banheira independente abre-se para o jardim e o Ônix cobre o lavatório em carvalho pintado.

No último piso, a escadaria curva termina num espaço esculpido com claraboia. O quarto de hóspedes conta com uma cama de veludo verde, acompanhada por duas mesas de apoio em mármore Travertino. Os candeeiros de teto em barro captam os tons do tapete de lã artesanal.

Boerum Hill Townhouse é uma fusão entre arquitetura minimal e um design arrojado e divertido. O resultado deste projeto é um testemunho do sucesso de Alexandra Barker e da equipa do Barker Architecture Office. 

Localizado na antiga reitoria de Heffen, uma pequena e pitoresca aldeia na margem esquerda do rio Zenne, perto de Mechelen, a atmosfera e o design do restaurante são simultaneamente cinematográficos e acolhedores, com uma escadaria antiga e pavimentos originais, velas e flores sobre toalhas de linho branco sem engomar. O Meteor pretende ser um espaço onde os clientes se sintam confortáveis e bem-vindos. Uma pilha de lenha contra paredes inacabadas de tom cinza lavado, tetos altos com molduras clássicas, um sistema de som casualmente colocado com uma playlist cuidadosamente selecionada e um serviço atencioso, mas discreto, acentuam o charme deste lugar.

Na cozinha, Van Essche cozinha em harmonia com o interior e a atmosfera do restaurante: sóbrio, mas elegante; refinado com moderação; pessoal, ponderadamente casual, honesto e puro, respeitando a tradição e mantendo abertura para a inovação.
A cozinha reflete o espírito geográfico do seu tempo. Os pratos são criados com base na oferta dos agricultores locais. Como resultado, o menu fixo, tal como a natureza, está sempre em movimento. O estilo de Van Essche oscila entre a tradição e a modernidade, onde diferentes técnicas realçam as camadas da aparente simplicidade. O fogo mantém-se como um elemento constante na sua cozinha.

Uma cozinha natural pede vinhos naturais. Tal como na sua abordagem culinária, Van Essche tem uma visão clara para os vinhos naturais, o que se traduz numa carta de vinhos com uma seleção cuidadosamente escolhida de produtores europeus que trabalham com o mínimo de intervenção ou segundo princípios biodinâmicos. Para além de vinhos jovens e descomplicados, o Meteor oferece ainda uma seleção única de vinhos envelhecidos que Van Essche tem vindo a guardar na sua adega ao longo dos anos.

Van Essche cozinha há mais de 15 anos. Ganhou experiência a trabalhar com Alain Ducasse (Bar et Boeuf), Peter Goossens (Hof Van Cleve), Rene Redzepi (Noma) e Bart De Poorter (Pastorale), antes de cozinhar com o seu Meteor Food Truck na Paris Fashion Week em 2013. 

Num elegante e requintado bairro de Dallas, caracterizado pelos típicos “castelos” franceses e mansões contemporâneas estilo Tudor, encontra-se Highland Park Residence – uma casa de família, desenhada para um cliente amante de arte.

Inserida numa propriedade ampla e sem uma forte presença de vegetação, a moradia foi construída em três níveis, criando uma vivência interior e exterior particularmente interessante. Com a introdução de elementos naturais no projeto, os arquitetos e designers criaram uma nova paisagem, que esconde a garagem e convida à ocupação do espaço de formas diferentes e inesperadas.
O projeto gira em torno de uma grande barra de pedra ao natural, que paira, ligeiramente, sobre a linha da construção. Passear pela moradia é uma experiência única – desde o início são criadas uma série de expectativas e, à medida que se percorre a propriedade, novos espaços vão sendo revelados.

No interior do edifício, a nossa atenção é captada para a paisagem e para os detalhes que preenchem cada divisão. A sala de estar é esculpida na pedra que reveste a propriedade, proporcionando um espaço amplo, com um pé direito alto, enquanto os painéis de vidro curvos e as grandes portas retráteis incentivam a uma transição suave para o exterior.
Os acabamentos crus e elegantes são combinados de forma invulgar – o aço trabalhado confinado com painéis de calcário Indiana; e os azulejos feitos à mão e as pedras vulcânicas de Guadalajara vidradas harmonizados com armários de nogueira e acessórios em aço inoxidável.

Adjacente ao edifício principal, encontra-se uma estrutura, de um só piso, coberta por heras, que alberga uma grande galeria de arte, uma área de apoio à piscina e uma suíte para hóspedes. No interior, a galeria, com aproximadamente 102 m2, contrasta com a riqueza de materiais e texturas da casa e do terreno. Este espaço apresenta o pavimento em betão, as paredes brancas e três claraboias.
Incrivelmente concebido e detalhado, o projeto estabelece uma dicotomia entre uma presença material tangível e um cenário abstrato, com destaque para as maravilhas da natureza, da arte e da vivência social. 

E é aqui que encontramos o Es Figueral Nou, no interior da ilha, “irmão” do hotel El Llorenç, em Palma, já que pertence ao mesmo grupo hoteleiro, Nybau Hotels, nitidamente, aqui a experiência é outra. Neste espaço exclusivo para adultos, o ambiente rural convida a relaxar, obriga-nos a parar para desfrutar da tranquilidade perfeita do cenário envolvente.
Os jardins com vegetação nativa das Ilhas Baleares ao redor da herdade ocupam 50 mil metros quadrados e, ao longe, é possível vermos “fincas” imensas com construções com mais de 3000 anos.
O edifício principal foi construído em 1879 e, tal como a grande maioria das construções maiorquinas com influências islâmicas, o pátio é parte integrante da casa, e que antigamente servia de entrada, a cavalo. Também é o ponto de ligação para o restaurante Es Pati, assim como dá acesso à zona da piscina exterior, com jacuzzi integrado e onde a natureza abraça a paisagem. 

O conforto é palavra de ordem, e a atenção da equipa é determinante para garantir uma ótima estadia.
Desde o centro histórico, pode lá chegar explorando as ruas do bairro La Calatrava. Para quem visitar a magnífica catedral da cidade, basta percorrer o caminho da muralha para encontrar este refúgio citadino, com um design singular, onde está estampada a história da ilha de Maiorca. Celebrada entre elementos clássicos e modernos, a linguagem estética foi desenvolvida pelo designer sueco Magnus Ehrland, inspirada no padrão de estrelas árabes que se replicam até aos quartos majestosos do El Llorenç. A composição artística que preenche as paredes são de Toni Font, que expressa na sua arte a paisagem maiorquina.
Este é um dos três hotéis do grupo Nybau Hotels, surgido da fusão de negócios particulares entre famílias da Suécia e de Maiorca. É bastante notória a presença de turistas nórdicos e alemães na ilha, entre outros, claro, que procuram o bom tempo da ilha para uma escapadinha. Também o spa do hotel é um plus, para fugir da azáfama turística – um espaço de tranquilidade, com um circuito termal e um ambiente que reinterpreta os banhos árabes, e onde se pode usufruir da piscina de 14 metros, além da sauna e do jacuzzi. 

Assim que entramos, uma imensidão de cores, padrões e néons apoderam-se do espaço. Somos presenteados com uma zona de exposição, de joalharia ao artesanato e algumas fragrâncias da ilha. Depois do check-in na zona da recepção, onde a equipa nos recebe cheia de boa energia, marcámos mesa para jantar no restaurante Neni, que apresenta uma carta com uma fusão de sabores do mundo, com inspiração em Telaviv, numa simbiose do Médio Oriente e Mediterrâneo, entre a tradição e a gastronomia contemporânea. Acompanhada de um bom vinho maiorquino, a combinação não poderia ser melhor! 

Falamos de um antigo palácio do século XII, onde se ergue o Nobis Hotel Palma, magistralmente transformado pelo Nobis Hospitality Group.
Imponente e com uma atmosfera singular, o Nobis é sinónimo de sofisticação que se faz sentir desde o pátio da entrada, que convida a descobrir o interior e a perdermo-nos na história. Envolvido num misto harmonioso de elementos arquitectónicos como arcos e abóbadas, no tecto da recepção ainda é possível ver-se o aljarfe (sanca) de madeira adornado com marcas de caligrafia árabe. É aqui que, em conversas afáveis, somos recebidos por uma equipa que de imediato nos sugere os melhores sítios a visitar e onde comer, mesmo ali a poucos minutos do centro.
A visão do projecto ganhou forma através da colaboração entre Helena Loresson do estúdio sueco Wingårdhs e os gabinetes locais Jordi Herrero Arquitectos e Eduardo Garcia Acuna Arquitectos. Inaugurado em Novembro de 2023, o hotel oferece-nos uma fusão de passado e presente, visível nos seus 37 quartos, incluindo 11 suites, oferecendo uma experiência única. Cada quarto tem a sua disposição, e a atenção ao detalhe, desde os amenities e fragrâncias, a iluminação e o conforto fazem da estadia um momento de relaxamento puro.  

Localizado no famoso 6e Arrondissement, Jacob é o novo projeto do estúdio Lichelle Silvestry Interiors. Recheado de história, o apartamento era um antigo “Hôtel Particulier” do século XVIII. “O edifício estava dividido em vários apartamentos e este estava entre os mais encantadores”, afirma a designer. “Já tinha sido renovado e a nossa tarefa era decorá-lo".

Os proprietários – uma família americana que se mudou recentemente para Paris – pediram à equipa que o projeto ficasse finalizado num prazo bastante apertado, devido ao corte das ruas para os Jogos Olímpicos. Lichelle não hesitou: “o espaço é lindo e eu adoro um bom desafio!”.
A decoração do apartamento ficou finalizada em três semanas. “Como estou sediada em Paris, tenho o luxo de encontrar os artigos mais bonitos no Marché aux Puces. Ainda assim, foi um desafio completar os estofos, as cortinas e a renovação da pintura num espaço de tempo tão curto”, explica a designer. “Graças às nossas relações de longa data, fornecedores de confiança e ao trabalho árduo da nossa equipa, conseguimos realizar esta transformação mágica pouco antes do encerramento das ruas”.
O projeto resultou numa fusão harmoniosa de elegância com um pouco de drama. Da renovação anterior, o apartamento contava com uma bonita paleta de cores que acabou por se manter. A equipa de design apenas renovou a pintura, oferecendo aos clientes cores vivas e alegres, conforme solicitado.

Como peças de destaque, Lichelle optou por artigos vintage. “Apaixonei-me por um espelho dourado e verde da Lila K Antiques. O verde já fazia parte da paleta do apartamento e o design delicado do candelabro (da mesma marca) era tão glamoroso como as características arquitetónicas do espaço. No entanto, foi a adição do quadro florentino, que representa Adão, e das mesas de apoio venezianas da Yveline Antiques que equilibraram o ambiente na perfeição”.
Para este projeto, a equipa adotou uma abordagem mais prática e funcional. “Todos os artigos foram estofados com tecidos de exterior Pierre Frey e Dedar, para uma utilização duradoura. Uma vez que os filhos do casal são pequenos, queríamos superfícies que desenvolvessem uma pátina ao longo do tempo, aumentando o charme e a liberdade de utilização”, explica Lichelle.

O trabalho intenso resultou num lugar onde o contemporâneo se junta com a intemporalidade. “A minha paixão por realçar a mistura autêntica, refinada e inesperada de texturas é expressa aqui, fazendo deste projeto um dos meus favoritos”, conclui a designer. 

Depois da visita à pequena vila de Deià, desbravámos caminho até Pollença, envolvidos pela paisagem pitoresca da Serra da Tramuntana. A dois quilómetros do centro da cidade, chegámos a Son Brull, um autêntico santuário rural, onde o silêncio se impõe.
Malas arrumadas e fomos desvendar os recantos enquanto ouvimos a história do hotel, que remonta ao período muçulmano do século XII. “Son” significa “mansão” e “Brull” deriva do nome do segundo proprietário, Francesc Desbrull. Mais recentemente, a história foi reescrita quando em 1994 a família Suau adquiriu a mansão. Após um restauro intensivo de dois anos, abriu como Son Brull Hotel & Spa. Foi juntamente com o gabinete de arquitectura forteza+aparicio que o projecto se concretizou. Originalmente com 365 janelas (número que deu nome ao restaurante do hotel), algumas foram tapadas e deram lugar a uma nova composição arquitectónica. A opulência monástica foi respeitada e faz-se sentir, e em Novembro de 2004 o Son Brull tornou-se membro da prestigiada associação internacional Relais & Châteaux.
Envolto por socalcos de oliveiras centenárias, pomares e vinha biológica, a quinta baseia-se em princípios ecológicos. Aqui produz-se tudo o que é consumido no Son Brull: as laranjas para os sumos naturais, os ovos para o pequeno-almoço, vinho e azeite, entre outros ingredientes frescos que têm a primazia na carta mediterrânica do restaurante Bistro e nas experiências de degustação do restaurante 365. 

De onde estou avisto a paisagem aplanada a engolir a estrutura rectangular. A pele árida do deserto parece envolvê-la como um embrião que se recusa a nascer. É uma vida que grita para dentro, que implode numa linguagem vibrante, e ainda silenciosa no seu recato extremo. Apesar da aparente neutralidade, o projecto desenhado pelo arquitecto Leopold Banchini (Genebra, Suíça), em colaboração com a arquitecta marroquina Sana Nabaha, não podia ser mais visceral. Projectada para residência privada de Leopold e da sua família, a sua base está enraizada no instinto de sobrevivência que surge da necessidade ancestral de defesa face ao clima extremo e ainda do fascínio de Leopold pela arquitectura tradicional e neo-vernácula e pelas técnicas artesanais marroquinas. Um tributo mais contemporâneo do que nostálgico. 

Projetada e construída em 1933 pelo gabinete de arquitectura Buvani como espaço de trabalho e de estar, a moradia de quatro andares destaca-se pelas influências da Escola de Amsterdão visíveis nas ripas da fachada, na caixilharia ou nos opulentos vitrais. Desde o início que se tornou evidente a necessidade de integrar três aspectos fundamentais: homenagear a história do edifício, elevar o diálogo com a paisagem natural envolvente e redefinir uma vivência contemporânea confortável.
O projecto de arquitectura de interiores revelou-se singular pela abordagem colaborativa que envolveu dois gabinetes de arquitectura de interiores: a dupla do Hum Studio & Gallery, sediado em Lisboa e Amesterdão, Thijs van der Stel do Wonderstruck, em Amesterdão, e os próprios proprietários. Esta dinâmica traz uma história que contribui pela sua pluralidade para o carácter original do projecto. Desde 2015, a Carla (Hum Studio) e o Thijs trabalharam juntos no estúdio de design de Marcel Wanders e Nicemakers, partilhando posteriormente diversos projectos, uma aproximação tão natural quanto profícua pela sua visão desafiadora e complementar.

Uma das principais preocupações foi desenvolver um espaço cuidadosamente projectado de forma a responder às necessidades da vida familiar e de cada um dos membros em particular. O rés-do-chão e o jardim são as áreas destinadas ao convívio da família. Pensada para que os pais pudessem usufruir de um lugar de relaxamento, ouvir música ou simplesmente contemplar a vista sobre o parque natural, o Zen Room é uma das áreas da casa que mais procuram. No mesmo piso, a sala de estar é espaço de encontro e partilha, quer pelo apelo do sol matinal e pelo aconchegante sofá, quer pela ligação ao quarto de brincar das crianças. 

Implantada onde o deserto arenoso encontra a lava escura, na pequena aldeia de Tiagua, faz também uma homenagem aos seus antigos donos, assumidamente apaixonados por tesouros naturais.

Deixaram na casa inúmeros livros e pedras, e a adornar o terraço está um fóssil de amonite, encontrado no Médio Atlas, em Marrocos, e datado do período Cretáceo. Radka e Jakub Valovi encontraram esta casa – com projecto original do escritório local Diseño Lanzarote – e decidiram renová-la respeitando aquelas que são as directrizes que tornam Lanzarote harmoniosa: a arquitectura de cor branca que contrasta com a paisagem de lava negra e a vegetação desértica. Esta combinação tornou-se o motivo e a inspiração dos interiores, e juntamente com a sua equipa do colectivo OOOOX, a dupla assentou o projecto em intervenções simples e na vontade de modificar parcialmente a disposição interior, uma vez que originalmente a casa servia apenas o casal e todos os espaços eram demasiado amplos. 

Junto ao famoso Pacific Spirit Regional Park, está uma casa familiar que conjuga o Ocidente e o Oriente, na arquitetura e no design. Com assinatura do BLA Design Group, Feng House é o testemunho de como é possível fundir culturas de forma harmoniosa, elevando cada momento do quotidiano. “Ao reintroduzir memórias do passado no presente, a moradia combina a arquitetura moderna da Costa Oeste, com detalhes de design tradicional chinês, de uma forma personalizada que eleva o conforto e a experiência diária dos proprietários”, afirma Jerry Liu, co-fundador do estúdio. “À medida que as culturas se influenciam mutuamente, fundem-se diferentes estilos arquitetónicos, criando novas ideias e tendências”.

Tendo em conta o clima e o estilo de vida de Vancouver, a equipa do BLA desenhou uma casa confortável, luminosa e acolhedora, com uma disposição que permite obter o máximo de luz natural para o interior, enquanto protege o exterior dos aguaceiros constantes que se fazem sentir na região.

Com janelas até ao chão, a moradia apresenta uma empena, que se estende sobre o piso principal, formando uma cobertura em consola sobre o pátio na zona de entrada. Como resposta direta ao clima, o revestimento metálico com costuras em pé, que envolve toda a casa, é como um escudo protetor contra a chuva. A frente e as traseiras do edifício têm um revestimento de cedro, tingido naturalmente, assemelhando-se ao tom das florestas que circundam o terreno. As grandes portas de vidro deslizantes, na parte de trás da casa, abrem-se criando um espaço amplo e interligado – composto pela sala de estar, sala de jantar, cozinha e pátio. A disposição e a condição espacial do interior celebram a ligação com o exterior.

Como um projeto que celebra duas culturas, as raízes asiáticas da família estão expressas através do mobiliário, dos pormenores de design e da paleta de cores. Na entrada, painéis de madeira ripada exibem uma obra de arte personalizada – uma escultura topográfica de Hangzhou (cidade natal do proprietário). Na sala de estar, as paredes de ripas de madeira ajudam a separar os espaços, facilitando o fluxo da luz natural. Estas divisórias são uma reinterpretação do tradicional “ping feng” chinês, um separador de divisões, que cria um cenário de calma que envolve a entrada, a mesa de chá e a mesa de jantar. A mobília e as peças decorativas foram adquiridas diretamente na China, o que, segundo os designers, confere “uma sensação única de elegância cultural ao espaço”.

A equipa utilizou tons quentes e cores da terra, como castanhos, beges e cinzentos, refletindo o clima de Vancouver e o ambiente circundante da propriedade. A paleta de materiais inclui revestimentos em metal, pela sua durabilidade, e revestimentos em madeira, pelo calor que esta transmite.

Casa Feng é uma peça de arquitetura moderna e ponderada. Um exemplo de que a combinação intencional de estilos pode elevar uma casa a um novo tempo e lugar. Este resultado não seria possível sem a colaboração dos proprietários. “Uma das prioridades era o desejo de um espaço que combinasse funcionalidade e estética”, afirma Jesse Basran, co-fundador do BLA Design Group. “Passámos muito tempo a colaborar com o cliente em cada detalhe, o que levou muitas horas, mas resultou num pacote de design completo e pensado minuciosamente”.

Construída originalmente em 1963, esta moradia situada no bairro de Brentwood, transformou-se num exemplo de que a arquitetura clássica convive em perfeita harmonia com um estilo moderno, minimalista e elegante.

“Encontrar projetos com um património histórico e arquitetónico rico pode, muitas vezes, revelar-se um desafio”, afirma Jordan Bakva, designer responsável pelo Park Lane Circle. “Esta propriedade, embora envolta numa paisagem densa de vegetação, exalava o charme do estilo mid-century. A parede exterior de tijolo evocava a elegância de uma moradia de Palm Springs, a que Frank Sinatra poderia ter chamado casa. A entrada em tijoleira remetia-nos para uma época passada e a piscina parecia tirada de uma fotografia de Slim Aarons. A planta precisava de ser modernizada, mas a essência de uma casa com história era inconfundível”. O jovem designer viu nesta moradia uma oportunidade, não apenas de restaurar, mas de dar uma nova vida a um espaço com alma – “uma cápsula do tempo à espera de ser descoberta e reimaginada para os dias de hoje”.

Embora icónico, o estilo arquitetónico mid-century pode, por vezes, parecer datado. A banheira rebaixada da casa de banho principal é um exemplo disso. Para preservar o seu caráter e modernizá-la ao mesmo tempo, Jordan utilizou um mármore Ceppo na base da banheira e nas paredes do duche aplicou micro-cimento com acabamento manual, fundindo o clássico com o contemporâneo. “Neste projeto fiz um esforço para equilibrar e misturar o antigo com o novo”, explica o designer. “A inspiração veio de uma grande variedade de fontes, desde as icónicas Case Study Houses de Los Angeles, até ao trabalho dos grandes arquitetos e designers da atualidade, que restauram habilmente este tipo de propriedades”.

A paleta escolhida para este projeto é essencialmente clara, acentuada por tons mais profundos, que vão do bege ao castanho escuro. “Estes tons neutros estabelecem uma base calma e convidativa, enquanto os toques de cor – como os rosas e os vermelhos – acrescentam momentos subtis de interesse”, afirma Jordan Bakva. Estes pormenores são cuidadosamente integrados no design – como a pedra Ceppo Noir na casa de banho, o mármore Bronze Fantasy na cozinha e a suave lavagem rosa-limão no quarto – trazendo calor e caráter aos espaços. Ao nível da carpintaria, o designer optou por carvalho branco e pedras naturais.

Para este projeto, Jordan queria desenvolver uma casa com um forte sentido de presença, que se mantivesse discreta e despretensiosa. Assim, desenvolveu um ambiente descontraído, acolhedor e relaxante – “um local onde se pode descontrair e recarregar energias ou divertir-se e explorar”. O designer explica que “isto foi conseguido através de uma profunda ligação à natureza, visível em todas as divisões. As paredes amplas com portas de correr permitem uma vida interior-exterior perfeita, reforçando ainda mais essa ligação”.

Os materiais orgânicos e as pedras naturais servem de elementos de ligação à terra, complementados por acessórios de latão e superfícies polidas para uma sensação de requinte. As paredes brancas caiadas de cal proporcionam uma textura e profundidade ricas, criando um ambiente sereno e elevado.

Park Lane Circle é o resultado da fusão do design intemporal com a inovação contemporânea, numa atmosfera calma onde prevalece uma paleta de cores quente, materiais naturais, texturas suaves e uma forte ligação à natureza. 

Os proprietários viviam há anos no duplex com jardim na parte traseira quando o tríplex frontal foi colocado à venda. Originalmente, as duas unidades estavam conectadas apenas no nível do jardim: escadas frontais ligavam o salão superior ao porão, enquanto na parte de trás, as escadas davam acesso ao porão e a um jardim exterior em dois níveis. O projeto teve como objetivo integrar as duas unidades, ao mesmo tempo que criou suites privadas em diferentes andares, permitindo entradas e saídas independentes para os hóspedes.
A sala de estar e o quarto principal localizam-se no nível do jardim. Para abrir o espaço, foram eliminadas as divisórias entre as unidades, proporcionando uma vista desobstruída desde a fachada frontal até ao jardim traseiro. Na sala da frente, o destaque é a lareira funcional, com estantes de carvalho branco a emoldurar as janelas viradas para a rua.
A escadaria que conecta os três pisos frontais foi revestida com vidro canelado, conferindo privacidade e luminosidade. Uma casa de banho com papel de parede inspirado na paisagem costeira inclui um lavatório em pedra-sabão personalizado e azulejos em tons azul-esverdeados. A zona de refeições informal é composta por um banco tambour em carvalho branco, combinado com uma mesa em madeira preta e cadeiras de carvalho branco.
Na cozinha, o carvalho branco volta a ser protagonista, com a ilha central revestida por uma placa de terrazzo. Uma parede de armários em tom verde-azulado, com puxadores em cobre escovado, é complementada por superfícies de trabalho em pedra-sabão. Na fachada traseira, uma porta envidraçada com painéis laterais foi instalada, permitindo acesso direto ao jardim através de uma ponte construída sobre a nova área de adega.
No quarto principal, paredes em tons de cinzento-azulado profundo são realçadas por uma cabeceira em ripas de carvalho branco com mesas de cabeceira embutidas. As ripas continuam na casa de banho principal, onde materiais como pedra-sabão, terrazzo e azulejos de porcelana branca criam uma composição rica em cores, padrões e texturas.
No piso inferior, uma segunda sala familiar abre-se para a parte traseira da casa. Aqui, o chão em tijoleira de terrazzo prolonga-se pelas paredes, criando uma superfície resistente e impermeável abaixo do nível do solo. Uma banheira de imersão japonesa em cobre oferece uma vista para o céu através das portas que dão para o jardim. O quarto de hóspedes, decorado com papel de parede de motivos florestais, é complementado por uma casa de banho onde os azulejos em porcelana com aparência de madeira revestem o duche.
O espaço de trabalho no piso inferior está envolto por um papel de parede com a imagem de uma copa de árvores, criando um ambiente imersivo. Na casa de banho adjacente, uma torneira verde vibrante destaca-se contra paredes em branco e azul-marinho.
Subindo do nível do jardim, um espaço de estar em estilo loft inclui uma área de jogos com papel de parede de temática subaquática, escondida atrás de persianas em tons de azul-cinza. A casa de banho deste andar apresenta azulejos em verde floresta e porcelana bege, conferindo um toque natural e acolhedor.  

Quando nos revemos, contemplamos o futuro e ficamos, sempre com a ideia romântica de construir uma vida. Assim aconteceu com Rogério Almeida e o então sócio Ricardo Romanholo, arquitecto e autor do projecto, quando se depararam com a ruína do antigo moinho banhado pelo rio Bugio, em Felgueiras. Todo o cenário se prestava a deambulações idílicas de retiro e encontro, sugerindo dias passados num abandono pacífico e reparador à sombra da folhagem, sentindo a brisa e o ubíquo som do rio.
As paredes de granito ergueram-se da água fazendo crescer a memória de um moinho com mais de 140 anos. A moradia T2 duplex tomava a sua forma actual quatro anos depois de ser adquirido o terreno, em 2004. O percurso decorre descendente, como um lento mergulho aquático. A entrada acontece no primeiro piso, ao nível da rua, onde se encontra um open space com sala de estar, área de refeições e cozinha; as áreas privadas — suite principal e quarto de hóspedes — descem até ao nível da água por intermédio de uma escada larga e fluida. 

De Seattle para El Dorado Club, esta casa de férias é como um prolongamento das praias mexicanas, na tranquilidade e na alegria que emana, nas cores, nas texturas e na vista de cortar a respiração. Próxima das cidades de San Jose del Cabo e Cabo San Lucas, a residência desta família americana é composta por dois andares, com um rooftop no último piso.

No projeto de design de interiores, Susan Marinello e a equipa, mantiveram as peças centrais da casa em tons neutros, com recurso a materiais naturais, como a madeira. Desta forma, o estúdio conseguiu criar diferentes espaços “em branco”, facilitando a combinação de texturas, materiais e elementos decorativos que refletissem a cultura da região.

Grande parte do mobiliário presente no projeto foi personalizado e selecionado cuidadosamente para esta casa. “Para a mesa de jantar, escolhemos uma placa de madeira Parota, uma espécie de madeira nativa do México. Para dar textura aos tapetes, pufes e candeeiros, selecionámos alguns materiais em corda e ervas marinhas”, explica Susan, a designer responsável pelo projeto.

O espaço amplo e moderno funciona como uma galeria – destaca os padrões e tecidos arrojados das peças decorativas de apoio, como as almofadas, os bancos e os pufes. Para o sofá e assentos complementares, a equipa optou, novamente, por materiais neutros, de modo a realçar as cores vibrantes das obras de arte e dos diferentes elementos de decoração.

Como proprietários que valorizam arte, os clientes desempenharam um papel importante na procura de peças locais ou com alguma ligação ao México. “A obra de destaque na sala de estar é de um artista local chamado Frank Arnold. Tivemos o prazer de visitar o seu estúdio em San Jose Del Cabo para ver e selecionar algumas peças da sua vasta gama de trabalhos”, afirma Susan. “Inspirámo-nos na criatividade dos artesãos locais, da Cidade do México e de Oaxaca, e escolhemos candeeiros feitos à mão, para acrescentar o toque artesanal que faltava na casa”. Em todas as divisões, a equipa de design quis celebrar e prestar homenagem à cultura local, selecionando alguns elementos característicos da região.

Desenhado para uma família numerosa que vive para receber a família e os amigos em casa, este projeto é sinónimo de pés descalços, biquíni no corpo e sorriso no rosto, em contacto com o melhor da natureza – a praia. 

Um refúgio de paz, entre o mar e o campo, está implantado num terreno ondulado, exposto a sul e poente, com magníficos sobreiros e afloramentos graníticos que o tornam especial.
Inaugurado no Verão deste ano, o projecto arquitectónico — com construções em madeira elevadas do solo e em módulos separados entre si — respeitou a localização das árvores e a morfologia do solo e valorizou materiais naturais e aconchegantes, preservando a beleza do terreno. A ideia base dos proprietários foi criar um alojamento onde os visitantes desfrutem do contacto com a natureza, escapando da cidade, num ambiente de simplicidade e bem-estar. Os detalhes, desde as peças às cores, foram escolhidos para criar uma atmosfera relaxante, reflectindo gostos pela pintura, a leitura e o surf. 

Inspirado na palavra grega antiga para "corpo", Soma é um convite ao calor e à tranquilidade do lar, onde cada detalhe foi concebido para proporcionar harmonia e bem-estar. Localizado estrategicamente para quem deseja explorar o melhor da cidade, Soma oferece o equilíbrio perfeito entre retiro e imersão — um lugar para se perder e reencontrar, para abrandar e viver momentos que ficarão para sempre na memória, sempre com um cuidado extraordinário.

Cada refúgio Soma Hideaway é uma expressão do lugar que o acolhe, refletindo a riqueza do mundo natural, a arte do artesanato local e o profundo respeito pelo património cultural. Aqui, a essência do destino ganha vida, proporcionando uma ligação íntima e autêntica ao ambiente envolvente.

Quer esteja na cidade em trabalho ou lazer, a planear um evento ou simplesmente à procura de um espaço onde possa relaxar, Soma oferece-lhe um cenário flexível e acolhedor, onde o seu conforto e prazer são prioridade. Entre e descubra o seu refúgio pessoal, um lugar para descontrair, celebrar ou receber, enriquecido por serviços personalizados que transformam a sua estadia numa experiência verdadeiramente única.

Matilde, uma antiga stylist e atual diretora criativa da C&C Milano, e Alex, um chef de cozinha e empresário, tinham um desejo: criar uma casa que não fosse apenas bonita, mas que também honrasse a terra. Para isso, contaram com a mestria e a filosofia de design do reconhecido arquiteto português Manuel Aires Mateus. O resultado é uma casa que conta uma história pessoal e reflectida, trazida à vida através da minha lente de fotógrafa.

O design desta casa é um exemplo perfeito de como o passado e o presente podem coexistir em harmonia estética. A filosofia de Aires Mateus para este projeto baseou-se no princípio de “não criar, não destruir”, um conceito que guiou cada passo da transformação. A estrutura original da torre foi cuidadosamente preservada, com as suas paredes históricas a servirem de traçado para o novo projeto. Apenas uma parte, uma pequena extensão desactualizada da torre, foi removida, e as pedras foram cuidadosamente recicladas para formar a piscina e os passadiços ao longo dos campos.

Os materiais foram selecionados não só pela sua sustentabilidade, mas também pela capacidade de ligar a casa à sua envolvente natural. A pedra de origem local, por exemplo, ajuda a casa a manter um carácter local típico da Puglia, enquanto as janelas de ambos os lados da casa oferecem vistas para os olivais e campos de flores silvestres, ligando os ambientes interior e exterior. O casal estava determinado a preservar a paisagem local, mantendo intencionalmente as flores silvestres autóctones e deixando-as florescer livremente à volta da torre. Este compromisso resulta da convicção de que o ambiente deve ser integrado e não alterado por conveniência ou efeito visual.

Para Matilde e Alex, a casa é mais do que apenas um espaço bonito, é uma ligação pessoal à terra e um compromisso com uma vida mais lenta e sustentável. Pude sentir isso em cada canto - quer fosse um simples piquenique no banco de pedra no exterior ou um aperitivo à tarde, onde partilhámos conversas sobre os seus pensamentos e ideias. Através da minha lente, procurei captar tanto a essência arquitetónica como a vida que se vive nesta casa, juntamente com a energia única que exala. As imagens contam a história de um lugar onde o design moderno e a sustentabilidade se conjugam, e onde os momentos do quotidiano fluem naturalmente a partir da ligação com o meio envolvente.

O estúdio de arquitectura e design de interiores Viruta Lab, liderado por David Puerta e María Daroz, apresentou a Casa Gesso, um novo projecto residencial que estabelece um diálogo entre a arquitectura contemporânea e o legado artístico de Ángela García Codoñer, artista pioneira na arte feminista espanhola, cujo trabalho desafiou as representações tradicionais das mulheres nos âmbitos doméstico e público.
A Casa Gesso foi concebida como uma tela branca habitável, uma plataforma de reflexão sobre o trabalho de García Codoñer, destacando o seu legado artístico e feminista no contexto actual. Esta residência transcende o design convencional ao homenagear as obras da artista, particularmente as icónicas séries Morfologías, Misses e Labores, que transformam a linguagem arquitectónica contemporânea. Cada espaço dentro da casa foi desenhado como uma reinterpretação espacial destas obras, preservando o discurso crítico e social que caracteriza o conjunto da obra da artista.

Arquitectura além da convenção
A fachada da Casa Gesso, revestida com azulejos de porcelana cor de osso, evoca os tradicionais lavadouros que outrora abrigaram estúdios de artistas, criando uma continuidade visual entre exterior e interior. Este design convida à reflexão sobre os temas abordados nas obras de García Codoñer, transformando a residência numa plataforma de contemplação artística e crítica social.
A casa organiza-se em dois volumes que resolvem a transição entre edifícios de diferentes escalas. O primeiro volume, com um andar e meio, abriga a zona diurna, enquanto o segundo, com dois andares, contém a zona nocturna e as casas de banho. Uma escada integrada num módulo linear de carpintaria em carvalho tingido articula ambos os espaços. Um pátio interior serve como o coração da casa, proporcionando luz e ventilação, enquanto funciona como transição entre a sala de estar e a área de jantar-cozinha.
Os volumes recuados criam um jogo de espaços, luz e sombra em ambas as fachadas, enquanto as janelas verticais na zona nocturna enfatizam a altura e oferecem privacidade. A iluminação artificial combina candeeiros decorativos com iluminação LED difusa e oculta, criando ambientes quentes e funcionais. O pavimento interior, unificado com grandes azulejos de porcelana, proporciona coesão visual ao projecto.

Espaços que contam histórias sobre feminismo
O espaço central reinterpreta a série Morfologías (1973), em que García Codoñer questionava as representações do corpo feminino na arte. Esta área desafia a imagem masculina da corporalidade feminina com formas sinuosas que aludem à desconstrução de estereótipos visuais presentes na obra da artista, convidando à reflexão sobre a evolução das percepções de género na sociedade espanhola. Interior e exterior fundem-se num diálogo constante entre a sobriedade e o calor do corredor infinito e a luminosidade, opulência e geometria do pátio central, que se assume como o eixo da casa.
O quarto principal inspira-se na série Misses (1974-1975), que denunciava a objectificação das mulheres em concursos de beleza. A cabeceira, desenhada pelo Viruta Lab com um padrão tweed ao estilo Chanel, alude à estética da alta sociedade associada a estes concursos, evocando a sofisticação superficial que caracterizava a imagem pública das concorrentes. Este padrão também faz referência às técnicas de colagem da artista, desafiando a construção mediática da feminilidade. Ao lado, um projector, em vez de um candeeiro de mesa tradicional, evoca os palcos dos concursos, enfatizando a artificialidade dessa representação. Além disso, os azulejos de porcelana presentes em toda a casa estendem-se à casa de banho, criando um fio condutor visual e um contraste deliberado com o mobiliário em madeira natural.
Na sala de estar, a série Labores (1975-1977) de Ángela García Codoñer torna-se o eixo central. A artista explorou os trabalhos manuais tradicionalmente femininos, e o Viruta Lab traduz estes padrões para a linguagem arquitectónica contemporânea. Assim, o estúdio transformou a sala de estar numa crítica visual que destaca o peso destas actividades na construção do discurso feminino, tanto no lar como na arte. A madeira natural utilizada na carpintaria e no mobiliário confere sobriedade e nostalgia ao design de interiores. Os tecidos e texturas em tons neutros e terracota reforçam o calor e a neutralidade que envolvem este espaço de reflexão, ao mesmo tempo que suavizam as linhas, gerando uma atmosfera íntima que convida à contemplação. Este ambiente é equilibrado por peças centrais como esculturais mesas de centro em mármore travertino e a imponente mesa de jantar em microcimento.

Arte, arquitectura e crítica social
Assim, a Casa Gesso não apenas presta homenagem a uma artista crucial no panorama valenciano, como também mostra como a arquitectura residencial pode transcender a sua função básica, tornando-se um espaço de diálogo com a arte e a crítica social.
O Viruta Lab desenhou um espaço que reflecte fielmente sobre a igualdade de género e o feminismo, onde narrativas sociais e artísticas que moldaram a cultura valenciana e espanhola nas últimas cinco décadas podem ser decompostas e reexaminadas. Em essência, é uma casa que permite habitar as ideias de Ángela García Codoñer e demonstra que os espaços residenciais também podem ser concebidos para a reflexão sobre as normas estabelecidas. 

No coração de Summerlin, Nevada, Red Rock é como uma extensão do seu ambiente natural. Com vistas incríveis para Las Vegas Strip, a este, e para o Red Rock Canyon, a oeste, este residência familiar reflete o comportamento livre do deserto, no material e na forma.
A localização cénica, combinada com o clima rigoroso desta zona, colocou alguns desafios aos arquitetos, mas também oportunidades únicas, que acabaram por moldar o design da casa. Aqui, a arquitetura espelha uma conversa contextual entre as paisagens do deserto e da cidade.

Tirando partido dos materiais naturais, a propriedade é revestida a betão e madeira, inserindo-se no ambiente que a envolve como se fizesse parte da natureza desde sempre. A areia, o cascalho e as cinzas características do local, fundem-se no betão dos pisos e paredes que, sob a luz intensa do deserto, adquirem uma tonalidade amarelada, lembrando as montanhas distantes.
Mais de metade da área construída encontra-se abaixo do nível do solo. As divisões são ventiladas e iluminadas através de diferentes aberturas desenhadas na estrutura da casa, permitindo a entrada abundante de luz solar. A pensar na sustentabilidade e na poupança energética, a propriedade possui um telhado refletor, um sistema fotovoltaico de 45 kW e sistemas mecânicos eficientes de envidraçamento e iluminação.
No piso superior, os quartos são revestidos por uma estrutura de aço perfurado, que se estende ao longo do eixo este/oeste, protegendo a piscina – uma peça central do projeto – do vento e do sol. A sul, os arquitetos desenharam um deck sombreado, protegido por uma rede perfurada, que se prolonga sobre a casa, proporcionando um espaço de sombra na moradia.

Aberta para o Red Rock Canyon a oeste, e para a cidade a este, a estrutura em consola equilibra o peso escultural da piscina. O pavimento, revestido com uma camada de aço desgastado, semelhante ao solo do deserto, é uma referência à geologia do Vale de Las Vegas e do Red Rock Cnyon.
A colaboração entre o gabinete Faulkner Architects e o estúdio de design de interiores Concept Lighting Lab resultou numa residência familiar que reflete a beleza do deserto, enquanto oferece um refúgio confortável e elegante para o clima extremo, característico desta zona. 

Pointe Au Baril, situado a três horas a Norte de Toronto, é uma localidade conhecida pelos seus arquipélagos espalhados ao longo da Baía Georgiana. Os cursos de água estreitos percorrem e invadem as ilhas numa vista cénica e algo dramática.
De difícil acesso, uma das ilhas habitadas mais afastadas do continente é a Whistling Wind, e o nome diz tudo sobre as condições atmosféricas que ali pairam. Rodeada de águas abertas e de um céu extenso, esta ilha está continuamente exposta a padrões climatéricos inconstantes, onde “o Sol da manhã pode transformar-se em inesperadas tempestades de granizo à tarde”.
O gabinete de arquitectura AKB Architects desafiou o lugar e assina este projecto de uma casa de campo situada no ponto mais alto da ilha e formada por um conjunto de edifícios dividido em quatro estruturas. Do lado de fora, os telhados revestidos com telhas de cedro fundem-se com as rochas que os rodeiam, consoante os reflexos da hora do dia. Do interior, a vista desimpedida e circundante leva-nos a todas as direcções através de decks que se espalham pelo terreno assimetricamente e ligam a casa principal e o bunker — uma versão mais pequena da casa, concebida para acomodar até quatro pessoas com dois quartos e um quarto de banho — por meio de degraus que se tornam parte integrante da paisagem.  

O diálogo entre a natureza e o betão abraça um conjunto de volumes compactos que encerram um pátio central e abre portas para os seus arredores, numa reinterpretação da arquitectura da Missão californiana do século XVIII, construída por jesuítas espanhóis e monges franciscanos. Assinado por Rubén Valdez e Yshar Yektajo, o projecto do hotel centra-se na lógica espacial do mosteiro, na procura de um equilíbrio entre a vida individual e colectiva.
Aqui os dias são vividos de forma lenta e independente, já que cada suite é isolada e autónoma. As refeições e a área de check-in têm lugar ao ar livre, tal como outras instalações para os hóspedes. A piscina elevada avista o cenário de cactos e montanhas, desdobrando-se por um deck em meia-lua, para apreciar a natureza circundante que se funde pelos caminhos que serpenteiam o Paradero. 

No coração agitado de West Hollywood, a designer Francesca Grace concluiu recentemente um projecto de home staging que une o charme clássico ao seu toque pessoal inconfundível. Inspirada por uma estética campestre, Grace deu vida a um espaço cheio de história e autenticidade. “Queria misturar o antigo glamour de Hollywood com influências espanholas, abraçando, ao mesmo tempo, os confortos modernos de hoje”, explica. Um espaço simultaneamente intemporal e contemporâneo. Esta visão está evidente em cada canto dos 286 m2 da casa, com peças eclécticas cuidadosamente seleccionadas.
A casa de quatro quartos e três quartos de banho, e uma de serviço, reminiscente de uma villa europeia, exala carácter. As raízes da casa foram honradas, mas a designer conseguiu, ainda assim, infundir o seu estilo distinto. A abordagem maximalista conjugada com achados vintage reflecte-se um pouco por todo o imóvel: desde tapeçarias detalhadas na sala de estar, até um mural pintado à mão no quarto de banho. O sofá personalizado, desenhado pela própria, é a peça central, enquanto o restante mobiliário foi adquirido na sua colecção pessoal e em mercados vintage. O resultado é uma fusão perfeita entre o antigo e o novo, criando uma simbiose entre elementos de curadoria e orgânicos. 

A linguagem contemporânea e sofisticada marca a identidade desta residência familiar na cidade do Porto, com vista sobre o rio Douro na confluência com o mar — uma zona privilegiada da Invicta que, curiosamente, está alinhada longitudinalmente com Nova Iorque, uma das cidades de eleição dos proprietários.
É casa de família de um casal viajado e com dois filhos, com uma área de mais de 600 m2, cuja arquitectura base foi idealizada por Frederico Valsassina, sem descurar o papel interventivo dos proprietários. Os interiores têm assinatura da designer Renata Laranjo, que nos transporta para um ambiente ecléctico e intemporal. Com um portfolio internacional e um percurso de mais de 20 anos, Renata encontra inspiração no equilíbrio entre objectos, texturas e cores, prezando a energia e necessidades dos seus clientes, numa interpretação singular que torna cada projecto único, espelhando a personalidade de quem lá mora.
O edifício original, datado em 1890, fez parte de um complexo de habitações rurais e foi morada de negócios de outrora, marcas do tempo que reapareceram durante a remodelação e permitiram desvendar memórias passadas. Desde a fachada, são 38 metros que se estendem até ao final da casa. 

É simultaneamente uma loja conceptual e um lugar de encontro que pretende ser “uma ode viva à comunidade, ao artesanato e ao poder do design colaborativo”. Detrás deste conceito estão Felicia Hung e Nick Ozemba, os fundadores da marca de iluminação In Common With, que recriam a sensação de intimidade de casa num local de partilha, com uma ligação criativa e intencional.
Ao longo de mais de 700 m2, além de um quarto, cozinha e sala de estar, o Quarters acolhe espaços para instalações temporárias, jantares e eventos especiais. A estes somam-se um bar, uma zona lounge e uma biblioteca. Cada área está mobilada com peças desenvolvidas ou seleccionadas por Hung e Ozemba, numa fusão poderosa de forças artísticas. A oferta é ecléctica e todas as peças expostas estão à venda, desde mobiliário vintage a artigos de iluminação e decoração, unidas por uma linguagem visual comum que prima pela qualidade do design com herança artesanal. 

Localizado num edifício da década de 70 em São Paulo, o novo projeto do gabinete do famoso arquiteto Gregory Bousquet é como uma galeria de arte, onde todas as peças são especiais e meticulosamente selecionadas. Este espaço, inspirado na arquitetura Haussmanniana, assume um design irreverente e não convencional, com tempo para o silêncio e contemplação.

Cada objeto foi colocado no seu lugar com uma intenção, como se a casa fizesse parte de uma conversa entre a arquitetura, o design e o casal que aqui habita, tornando os atos mundanos em experiências superiores.
O design escolhido para o Apartamento Galeria opõe-se a uma visão consumista e descartável dos objetos. As peças de arte e mobiliário selecionadas foram fabricadas e produzidas com especial cuidado por artistas de renome, tendo em conta a qualidade e a estética – porque para o casal, viver poeticamente é rodear-se de peças autorais, de beleza e com significado.
Desenhado pela equipa do arquiteto francês Gregory Bousquet, o projeto inclui, além das áreas sociais habituais (sala de estar e jantar), um escritório, uma sala de cinema e um bar. Estas zonas foram dispostas de maneira dinâmica, facilitando a interação com convidados.

Curadoria e design de interiores

Ao entrar no Apartamento Galeria, o hall imponente, em tons brancos e com apontamentos em mármore, distribui a circulação do espaço, apresentando três direções distintas – a cozinha, a sala de jantar ou a zona mais íntima da casa.
A área do bar dispõe de um aparador Wyllis do arquiteto Arthur Casas para a ETEL, duas poltronas Tre Pezzi da marca Cassina, um carrinho de chá do designer Adalfan Filho e, ainda uma mesa de apoio para bebidas Wooding. O castiçal da Dpot Objeto e o candeeiro da Dimlux acentuam os traços luxuosos e elegantes desta “galeria”.
A mesa Amorfa, de Arthur Casas para a Micasa, é a peça protagonista da sala de jantar. A acompanhar estão umas poltronas num tom verde escuro, desenhadas por Jorge Zalszupin em parceria com a ETEL. Sobre a mesa foi colocado um candeeiro em metal preto com globos em vidro leitoso by Astep, também da Micasa.

Como uma verdadeira galeria de arte, a sala de estar é composta por um sofá da Edra, combinado com duas poltronas: uma Baxter em branco, e a segunda peça do designer Pierre Paulin, estufada com um tecido amarelo torrado, especialmente para este espaço. As mesas de apoio que complementam a sala são de Leonardo Lague para a Micasa.
A área de escritório está equipada com um elegante sofá Floe Insel l, de Patricia Urquiola e uma mesa de mármore do Estúdio Rain. O espaço conta ainda com um candeeiro em papel japonês Santa & Cole e duas poltronas da ETEL. O painel onde está inserida a televisão foi desenhado exclusivamente para este projeto pelo gabinete ARCHITECTS OFFICE.
A sala de cinema fica na zona mais privada da casa com acesso aos quartos e à suite do casal. Neste espaço, o conforto é garantido pelo sofá Pillow, do Estúdio Bola, conjugado com um antigo armário em madeira com detalhes em boiserie e portas de vidro canelado.

A suíte do apartamento é composta por uma ante-sala, dois closets e duas casas de banho. Aqui foram mantidos os acabamentos em mármore italiano no piso, nas paredes e nas louças de banho. O papel de parede utilizado neste espaço foi pintado à mão e desenhado especialmente para o Apartamento Galeria pela artista Nathalie Morhange.
No quarto, a cama, estofada com um tecido de veludo azul, foi desenhada por Patricia Urquiola. Para as mesas de cabeceira, os arquitetos escolheram peças da Olho, da ETEL e da Vitra. No quarto há ainda duas poltronas da Micasa, revestidas em couro preto e num tecido em tons off White, respetivamente.

Ambientes que inspiram, cadeiras que embalam, mesas que convidam ao trabalho e à admiração. O Apartamento Galeria é um diálogo constante entre o vintage e o contemporâneo, um resultado que reflete a personalidade dos moradores e desafia o silêncio e o envolvimento com o espaço num nível mais profundo. 

Este mês de outubro, a Patek Philippe amplia a sua coleção com a série única Cubitus, uma fusão arrojada de audácia e elegância. A coleção estreia-se em três versões distintas, cada uma com um carácter forte que as distingue . A caixa quadrada original com cantos arredondados e um mostrador adornado com relevos horizontais fazem do Cubitus uma adição verdadeiramente única à gama da marca.
O modelo técnico, Cubitus Instantaneous Grand Date, Day and Moon Phases, Referência 5822P-001 em platina, alimentado por um novo movimento com mostradores instantâneos para o qual foram apresentados seis pedidos de patente; o toque vintage do modelo Cubitus bicolor Referência 5821/1AR-001 em aço e ouro rosa com mostrador sunburst azul; e o Cubitus Referência 5821/1A-001 em aço, a própria essência da elegância desportiva, com mostrador sunburst verde azeitona.

Há muito que a Patek Philippe se distinguiu na esfera do design, tendo desenvolvido o seu próprio estilo e criado alguns dos relógios mais famosos do mundo. A criatividade sempre esteve no foco do espírito Patek Philippe, como o demonstra a vasta gama de colecções e modelos que abrangem todos os segmentos do mercado relojoeiro. Cada novo modelo de relógio é ocasião para a manufatura exprimir a sua visão única da alta relojoaria e para dar largas à imaginação e ao gosto pela invenção, recorrendo a numerosas fontes de inspiração e respondendo à variedade de preferências e exigências dos clientes da marca. Assim surgiram as colecções, cada uma com o seu próprio carácter. O Calatrava, em 1932, arquétipo do relógio de pulso redondo; o Golden Ellipse, em 1968, com as suas proporções harmoniosas inspiradas na Secção Dourada; o Nautilus, em 1976, líder no campo da elegância desportiva; a coleção Gondolo, em 1993, encarnação contemporânea do espírito Art Déco; o Aquanaut, em 1997, emblema do chique moderno e casual; o Twenty~4, em 1999, encarnação da elegância feminina intemporal, completada em 2018 com o lançamento do Twenty~4 Automatic. Todos estes modelos, com as suas linhas puras e limpas, destinados a superar as tendências passageiras sem perder a sua beleza e o seu encanto. Cada um deles é um ícone duradouro do design relojoeiro, que evolui com toques subtis, mantendo o seu poder de sedução com o passar dos anos e das gerações. 

Livre e irreverente, um espaço que reflita os valores e o nome da Vacanza – foi este o pedido da marca taiwanesa de joalharia para o seu novo escritório. O projeto foi entregue à equipa do Waterfrom Design, que desenhou cada detalhe a pensar na melhor experiência para os colaboradores.

“Começámos por perguntar-nos quais as necessidades dos espaços tradicionais”, explicam os designers. “Além da simples divisão de áreas públicas e privadas ou da organização eficiente dos lugares nos departamentos, haverá formas mais interessantes de repensar a forma como gerimos o tempo e o espaço?”, acrescentam.

A disposição convencional (horizontal e vertical) dos escritórios pode parecer eficiente em termos de fluxo de comunicação, mas, por norma, resulta em longos e escuros corredores – o oposto do pretendido para este projeto. Assim, e abandonando a estrutura tradicional destes espaços de trabalho, a equipa concebeu um percurso sinuoso e curvo, que apela à exploração e descoberta à medida que se percorre a sala. “Este fluxo sinuoso proporciona um momento de descanso do ritmo acelerado da vida – um ritual de calma”.

Assim que se entra na área mais ampla do escritório, deparamo-nos com uma zona de exposição de produtos, o departamento de desenvolvimento comercial e o gabinete do diretor criativo. Uma divisória curva em forma de gota define os limites entre as zonas de de trabalho e a sala da direção, preservando a circulação fluida e a presença de luz natural.

Do espaço definido para o departamento de desenvolvimento de produtos faz parte uma grande bancada com uma dupla função – serve como espaço de trabalho ou local para reuniões. Esta mesa é parcialmente rebaixada e cortada num ângulo interessante, criando uma forma única.

Os diferentes percursos dentro do escritório conduzem a uma área comum, semelhante a uma praça, onde estão inseridas salas de reuniões privadas. Apesar de fechados, estes espaços mantêm contornos diagonais que permitem a incorporação da luz natural. No interior destes volumes, camadas parciais e desalinhadas proporcionam privacidade, com painéis móveis que permitem controlar o seu grau de abertura.

As áreas de armazenamento, anteriormente caóticas devido às operações de inventário, foram deslocadas para uma das extremidades do escritório. Embora as estantes abertas continuem a ser utilizadas pela equipa para maior comodidade, a nova disposição das peças difere da divisão rígida do passado.

Numa disposição não retangular e não normalizada – como a adotada neste projeto –, as cores e os materiais são indicadores essenciais para definir áreas de trabalho ou fazer a transição entre zonas. Os designers optaram por criar grande blocos de cores contrastantes, especialmente no departamento de desenvolvimento de produtos, que requer estímulos criativos. Tal como a diversidade de joias da marca, esta abordagem oferece diferentes fontes de inspiração para a equipa. Uma das áreas de trabalho está separada por uma cortina de PVC amarela translúcida e vibrante que, não só cria um impacto visual impressionante, como permite a passagem da luz, penetrando-se nas zonas adjacentes. Por outro lado, o teto e o pavimento, utilizam tonalidades de cinzento-esverdeado claro e azul pastel, mantendo o esquema de cores, mas atenuando a intensidade dos tons e criando, assim, uma mudança subtil na atmosfera geral do espaço.

Os tons e as texturas dos materiais, que transitam entre as diferentes áreas do escritório, são semelhantes às várias paisagens encantadoras que se vão captando durante as férias: uma mesa de reuniões bem nítida, como se fosse uma fotografia digital à luz do dia; um filtro amarelo brilhante, que faz lembrar os antigos rolos de filme; placas metálicas perfuradas, que desfocam a visão como imagens de baixa resolução. Estas perspetivas criam e melhoram as experiências sensoriais dos trabalhadores, tal como as fotografias captadas através de diferentes objetivas e meios.

Com este projeto, o estúdio Waterfrom Design quis passar a mensagem de que, mesmo no meio das trivialidades do quotidiano, devemos sair das nossas rotinas e procurar inspiração e criatividade. No local de trabalho, “mesmo os pormenores mais pequenos, quando quebram a monotonia, significam o início de uma viagem”. 

Localizado no rés do chão do histórico Museu Contemporâneo de Fotografia, Arte e Cultura de Xangai, MONA é o mais recente trabalho do estúdio de arquitetura AIM. O restaurante estende a narrativa da Fotografiska a uma experiência gastronómica inspirada na cozinha mediterrânica, com um toque asiático arrojado.

Para este projeto, os arquitetos desenharam um espaço irreverente tanto a nível visual como de paladar, incorporando a essência do museu – uma fusão entre a herança cultural e o espírito contemporâneo.

O MONA abraça o seu cenário industrial, realçando os tijolos expostos, as texturas de betão e as referências subtis ao passado do edifício. Concebido como um espaço imersivo, o restaurante oferece uma combinação de luzes, sombras e materiais que reflete na perfeição o ambiente da Fotografiska. Através de um design de interiores cuidado e pensado para este lugar, o MONA conjuga, ao mesmo tempo, privacidade e transparência, permitindo que os clientes se sintam parte do fluxo dinâmico que se vive no museu.

Cada detalhe manifesta o cruzamento sublime entre o novo e o antigo. A utilização de materiais naturais e crus, combinados com elementos contemporâneos, cria um espaço que honra o significado histórico do edifício, enquanto olha para o futuro. A escolha do estúdio AIM por mobiliário personalizado e peças de arte especiais reflete a missão da Fotografiska de contar bonitas histórias visuais, posicionando o MONA não apenas como restaurante, mas como uma extensão do tecido cultural do museu.

Inspirado nos bistrôs europeus, este é um espaço onde a arte, a cultura e a inovação gastronómica convergem. Serve de ponto de encontro, reunindo habitantes locais e turistas num lugar que parece fazer parte do tecido de Xangai desde sempre, mas que continua a ser fresco e revigorante. O MONA veio dinamizar o bairro de Suzhou Creek, acrescentando um novo ritmo e uma outra dinâmica à paisagem urbana. 

Nos arredores de um dos maiores parques públicos da cidade, e inserida num bairro construído maioritariamente nos anos 20 e 30 do século passado, esta residência é agora morada de um casal, e os seus dois filhos, que quis enaltecer e preservar o carácter modernista da arquitectura local. Outrora ocupada pela polícia alemã, após uma invasão pela Gestapo, as paredes desta casa carregam uma história intensa. A envolvente urbanística tem influência de artistas e arquitectos que viveram na zona – como Strzemiński e Kobro – e os actuais proprietários quiseram reconstruí-la, modernizá-la e ampliá-la para uma área agora com 400 m2, o que se revelou um enorme desafio no início da obra. Os responsáveis do estúdio de arquitectura envolvido são amigos da família, e trabalharam em conjunto para chegar à ideia final, com a finalização do projecto assinado pelo gabinete M&M Pracownia Projektowa.
O terreno circundante é um dos maiores das habitações da zona, com um total de 1500 m2, e o exterior era um espaço importante para ser devidamente idealizado e usufruído. “Estamos muito satisfeitos por viver nesta casa. Não só por causa da amplitude da área de estar e da grande quantidade de luz natural, mas também porque o bairro é uma comunidade local amigável e verdejante a uma curta distância do centro da cidade”, partilham os proprietários.
No exterior, desenhado pela Plantum design, conseguiram fundir o rés-do-chão do edifício com o terraço e jardim, como uma extensão natural do espaço. É neste piso térreo que se encontram as áreas sociais e de apoio da casa – cozinha, sala de jantar e de estar, arrumos e lavandaria, assim como um quarto de banho de serviço e a garagem.
Os interiores remetem para o estilo do pré-guerra, contrastando com elementos mais contemporâneos. Assente num estilo Art Deco com um toque moderno, os proprietários tinham como objectivo a inclusão de produtos de designers locais, como é o caso dos azulejos da cozinha e da lavandaria, e o pavimento e azulejos parede da fábrica Maja Ganszyniec e Paradyż.
A luz natural irrompe pelo interior, com destaque para a janela curva do hall de entrada, com 4,5m de altura. A sala de estar quis-se espaçosa, elevada à altura do edifício com um pé-direito de oito metros de altura, com uma grande biblioteca e uma clarabóia aberta no telhado com ligação ao terraço, que se abre amplamente à largura de toda a parede. Na sala de jantar, a mesa de nogueira americana foi feita à medida pela In Wood at Trust, e é a peça central de toda a área.
No primeiro andar ficam os quartos – a suite principal com closet e os quartos das crianças – onde se destaca o mobiliário em madeira, concebido pelos jovens designers polacos da Wood Republic, Wood Szczescia e Pastform, bem como a visível valorização dos materiais naturais, como o terrazzo que cobre o chão dos quartos de banho. Para além dos quartos, existe ainda um hall com uma zona de arrumação, quarto de banho das crianças. No segundo andar ficam o escritório, um quarto de hóspedes e uma sala de fitness, lugar de lazer e para repor energias.
Dada a envolvência dos proprietários à cena artística local durante muitos anos, não lhes faltam amigos artistas, como é o caso de uma grande amiga cujas pinturas decoram grande parte da casa – Anna Michalewicz. O resultado, vamos concordar, é um interior invulgar, mas mais do que isso, é a materialização do que vai na alma dos seus moradores.

Junto ao famoso Lago Tai, na província de Jiangsu, um dos mais recentes trabalhos de Zhang Haihua é como uma obra de arte, pintada ao pormenor. Com mais de 1.000 m2, a propriedade vive em torno de um grande pátio central, rodeado por uma varanda coberta e delimitado por diversas piscinas.

Neste projeto, os limites entre o interior e o exterior dissolvem-se de tal forma que, quem passear pelo edifício, rapidamente descobrirá que não existem percursos de circulação impostos – sempre que se chega a um “fim”, abre-se um novo caminho surpreendente e inesperado.

Na Lake Tai Villa, o designer optou por uma estética arquitetónica minimalista. Ao modular cuidadosamente os graus de transparência através de grandes janelas, cada espaço é definido individualmente, enquanto se interliga com os restantes. Todas as divisões apresentam inúmeras variações em termos de proporções, atmosfera e materiais, proporcionando uma experiência agradável a qualquer pessoa que se desloque pela casa.

De acordo com o minimalismo estrutural e com o conceito adotado neste projeto, Zhang Haihua simplificou a seleção de materiais utilizados no interior. Esta opção resultou numa unidade visual coesa, reforçando a sensação de fluxo arquitetónico nos vários espaços. Os materiais orgânicos, os tons naturais e a textura de folha de madeira conferem às divisões um ambiente confortável e elegante.

Desde o primeiro momento que se apresentam vários elementos arquitetónicos concebidos para despertar curiosidade, convidando as pessoas a explorar e a descobrir a casa. Junto à sala principal, o designer projetou um corredor adjacente, concebido especialmente com um pé direito mais baixo, que enfatiza a centralidade do espaço. A conjugação de diferentes alturas e formas cria um ritmo interessante e uma sensação de liberdade nas divisões.

Para Zhang Haihua era importante criar algumas zonas que contrastassem com a abertura dos espaços, mantendo a fluidez entre o interior e o pátio. A altura das janelas foi planeada ao pormenor, de modo a proporcionar a privacidade adequada aos moradores, sem deixar de considerar a vista para o exterior.

A água é uma presença essencial no projeto – através de um conjunto de diferentes elementos aquáticos, oferece à moradia uma riqueza sensorial distinta. O exterior é também marcado por uma grande varanda, de estilo modernista, que liga todas as áreas da casa – visual e espacialmente – e proporciona um espaço perfeito para relaxar.

Através de uma profunda interpretação do património cultural das antigas cidades aquáticas da região de Jiangnan, o trabalho de Zhang Haihua adapta e reimagina o espírito e a estética da vida poética dos escritores chineses, resultando numa arquitetura intemporal, sem restrições de estilo ou tendências – como uma obra de arte pincelada à mão livre, com pormenor, fundindo elegantemente formas contemporâneas e o encanto antigo. 

No coração da capital inglesa, o restaurante representado pelo Chef Jeremy Chan e Iré Hassan-Odukale, é um espaço livre, confortável e intimista, com uma energia contagiante, característica da cidade multicultural.

Com uma carta que combina elegância e equilíbrio, casados com o prazer destemido dos sabores e aromas da estação, IKOYI oferece uma experiência sensorial – dos pratos arrojados que celebram os melhores produtos locais, ao design de interiores rico, onde a calma e o drama se unem em perfeita harmonia.

O projeto assinado pelo arquiteto e designer dinamarquês David Thulstrup transmite a intensidade e ousadia da gastronomia, através de elementos arquitetónicos fortes e da paleta de materiais à base de cobre, malha de aço, couro e carvalho.

“Estamos num edifício brutalista, no centro de Londres, num restaurante com uma cozinha altamente evoluída e baseada na micro-sazonalidade britânica e em especiarias intensas e fortes. Esta ideia de intensidade e a ambiguidade cultural foram a força motriz de inspiração para este espaço”, explica o arquiteto.

O design do espaço vive à base dos próprios materiais, que criam uma atmosfera intimista, sem necessidade de qualquer adereço supérfluo. “A linguagem de design do IKIYI é forte e arrojada e tem esta riqueza que resulta dos contrastes, combinada com o caráter dos materiais. Não há necessidade de ornamentação, porque há muita profundidade em todos os elementos”, afirma Thulstrup.

A entrada e as paredes interiores são revestidas com lâminas de cobre oxidado com acabamentos em cera de abelha. Grandes placas de calcário Gris Catalan, flamejadas e escovadas, formam uma grelha perfeita e simétrica no pavimento. O teto é coberto com uma malha de aço trabalhada e iluminada, fazendo lembrar uma peneira de culinária. Os bancos e as cadeiras são revestidos a couro, num tom acastanhado e com uma textura aveludada. E, por fim, o carvalho é utilizado nas mesas, feitas à medida, e na restante carpintaria.

Para David Thulstrup, “um dos aspetos interessantes deste projeto é o facto de, por um lado, ser um espaço absolutamente fiel ao lugar – um edifício brutalista no centro de Londres – e, por outro, ser intencionalmente ambíguo do ponto de vista cultural”.

Os fundadores do IKOYI, o Chef Jeremy Chan e Iré Hassan-Odukale, mostram-se entusiasmados com este passo na evolução do restaurante: “o espaço que concebemos com o David permitir-nos-á exprimir plenamente a nossa interpretação da sazonalidade, através de um calor ousado, e intensificar as técnicas em que trabalhámos nos últimos anos”. 

Num dos bairros mais centrais de Plovdiv, o antigo Hotel Nord sofreu, recentemente, uma remodelação completa, assinada pelo estúdio de arquitetura búlgaro Simples. Com este projeto, os designers conseguiram estabelecer uma ligação conceptual do edifício com o seu contexto urbano e modernizar a sua estética, de modo a refletir os valores da nova marca.

Preservando a geometria original da fachada, o branco foi o tom escolhido para o edifício – alivia o seu aspeto pesado, dominado por paredes sólidas e envidraçadas – criando um ponto de destaque no bairro. Os perfis verticais de alumínio conferem-lhe profundidade e dinamismo, ajudando a quebrar a monotonia sentida anteriormente. Ainda no exterior, está planeada a inclusão de painéis articulados em frente às janelas, de modo a filtrar a luz para o interior e melhorar a composição da fachada. No pátio, a sensação de amplitude é reforçada pela substituição do antigo telhado por vidros, permitindo assim uma atmosfera mais leve e aberta.

A arquitetura intemporal da antiga Plovdiv serviu de inspiração para o design de interiores. Os tons claros e a cor branca dominante ajudam a expandir visualmente os espaços, criando um ambiente calmo e relaxante, em todo o hotel. Tirando o maior proveito da luz, o interior foi desenhado como um espaço amplo e monocromático, com contrastes dinâmicos interessantes, conseguidos através de uma grande variedade de texturas.

As superfícies variam entre o liso e o altamente texturado, como referência à rocha sienito local – que forma as colinas da cidade. No pavimento e em algumas peças de mobiliário é utilizada argamassa de cal tradicional, um material que remonta às eras romana e bizantina – uma homenagem ao património arquitetónico de Plovdiv. 

Nascido e criado em Suzhou, Zhang viu neste projeto uma oportunidade empolgante de desenvolver uma estética contemporânea para um hotel localizado na cidade antiga, contemplando o significado especial deste tipo de projeto num contexto espacial, social e histórico único.

Quando se olha para um mapa de Suzhou, torna-se evidente a sua disposição urbana única - a água entrelaça-se omnipresente em toda a cidade, com os seus canais a proporcionarem uma camada adicional de circulação urbana: “as pessoas aqui podem andar pelas ruas ou atravessar a cidade de barco”. Ao longo dos anos, foram criados muitos bairros pitorescos, como o “Bairro dos Pescadores”, na bacia do lago Taihu, onde tradicionalmente residiam escritores e pintores, que construíram casas modestas junto à água. As pessoas que apanhavam peixe no rio podiam vendê-lo imediatamente aos residentes através das suas janelas. Zhang Haihua lembra-se de comprar legumes quando era jovem, pegando num cesto e partindo num barco.
A navegação nos canais, um importante meio de transporte na antiga Suzhou, serviu de referência para o projeto do hotel. Zhang previu um espaço lounge informal num dos lados da área do átrio, a um nível ligeiramente inferior ao do piso principal. Ao fazê-lo, recorda a altura tradicional que se teria ao observar a cidade de barco, ao mesmo tempo que cria uma relação íntima com a paisagem do pátio exterior.

Pegando no conceito de um ponto de vista a partir de um barco e aplicando-o ao espaço do pátio, Zhang criou uma paisagem em miniatura que metaforicamente faz referência aos elementos naturais da bacia do lago Taihu, tal como descritos por escritores antigos. Uma camada adicional de inspiração de design para o pátio vem da piscina do riacho da montanha no Templo Zijin em Dongshan, que Zhang visitou frequentemente no passado.

Foi formada uma pequena colina nas traseiras do pátio, que desce em direção ao edifício, fundindo-se o seu nível com o nível do chão do interior. Uma árvore de sebo chinês foi colocada perto do topo da colina, com uma área de deck de madeira na sua base. Existem também sete árvores de chá plantadas ao longo do pátio, permitindo a recolha de folhas de chá frescas na primavera e no outono. Pedras locais foram colocadas no musgo que cobre a terra e na água, que é habitada por numerosos peixes pequenos. Um conjunto de escadas funde-se com o terreno, formando um passeio metafórico pela montanha, inspirado nos escritos de autores da época de Jiangnan.

Em todos os espaços públicos do hotel, Zhang inspirou-se nas ruelas altas e estreitas da antiga cidade de Suzhou. A sua escala dramática deixou uma forte impressão na memória do designer, com as suas sombras arrojadas e luz filtrada. Por isso, Zhang reinterpretou aspetos das suas proporções e impacto visual no hotel.

O objetivo principal era criar um hotel contemporâneo que também evocasse a sensação de vida e estética tradicionais a sul do rio Yangtze, fazendo referência à materialidade tátil dos seus edifícios e à sua proximidade com a beleza do ambiente natural. Na opinião de Zhang, a arquitetura de Jiangnan é única na forma como liga sem esforço os espaços interiores à natureza circundante e consegue uma unidade elegante em termos de função, espírito, tempo e utilização. Zhang Haihua queria captar não só a escala e a materialidade da arquitetura original, mas também a atmosfera especial da cidade antiga, com as suas longas sombras, ruelas estreitas e uma sensação estranha de viajar no tempo. 

Localizada em Sutton, Quebeque, La Maison au gré des saisons foi desenhada por Rebecca Bourque, fundadora do Le Local Design e proprietária da moradia, em parceria com o seu sócio e marido. Este projeto reflete o ambiente e a natureza que o rodeia, assentando em princípios eco-friendly. No processo de desenvolvimento e construção da propriedade, os designers recuperaram, reutilizaram e reinventaram diferentes objetos: muitas peças de mobiliário e iluminação foram recuperadas ou feitas à mão, a partir de materiais reciclados.

“Cada elemento que recuperamos, reinventamos ou reutilizamos para novos fins, conta uma história e dá alma à casa. Para nós, a recolha destes achados é uma espécie de criação artística que se prolonga há vários anos”, explica Rebecca.

A natureza está muito presente em todo o projeto. Revestida por telhas de cedro e shou sugi ban – madeira carbonizada, que utiliza uma antiga técnica japonesa que confere ao material uma tonalidade e textura únicas –, a casa junta diversas matérias-primas, preservando o espírito da floresta e integrando-a intimamente no seu ambiente. No rés do chão, o aspeto cru e natural do pavimento de betão polido contrasta com a presença proeminente da madeira clara, em toda a moradia, e com as divisórias de vidro e aço preto que delimitam o espaço interior do exterior.

Ao longo de todo o dia, as diferentes divisões são inundadas de luz natural, através das grandes janelas que caracterizam a “casa das estações”. Com o objetivo de enquadrar a paisagem circundante, Rebecca e o marido escolheram com detalhe a colocação destas aberturas para o exterior.

Voltada para sudoeste, a sala de estar principal estende-se para a floresta, permitindo a contemplação diária da vida selvagem e da flora. “Em certas alturas do ano, a água da piscina reflete a luz do sol poente, criando um movimento de tons alaranjados no teto de madeira”, observa a designer. “É suave e mágico”.

Sozinho no piso superior, o quarto principal foi concebido pelo casal como o seu “casulo”. Acessível através de uma escada em espiral, esta divisão inclui uma casa de banho e uma cabine de duche, com função de banho turco. No piso térreo e com uma vista impressionante sobre a natureza, situa-se a zona das crianças e uma sala de jogos.

Para Rebecca, La Maison au gré des saisons reflete a identidade da família e a das próprias empresas – Le Local Design e La Roche Posée Landscapers. 

Saída de um “lugar distante” e com uma paisagem deslumbrante sobre Beverly Hills, Lloydcrest apresenta a típica arquitetura californiana dos anos 40, tão apreciada por Michael Martin, co-fundador do OSKLO e responsável pelo projeto. “Queríamos reconstruir a casa, mas ao mesmo tempo, manter o estilo e o pedigree da propriedade”.

No projeto de reconstrução da moradia, as portas originais foram mantidas, os tijolos recuperados e outros pormenores duplicados ou renovados. “A remodelação demorou pouco mais de um ano e a casa, na sua nova forma, é discreta, elegante e requintada”, afirmam os designers.

Com uma decoração de inspiração europeia e japonesa, os interiores são, predominantemente, claros. “Mantivemo-nos fiéis às variações clássicas do branco, mas adicionámos alguns tons mais escuros para acrescentar alguma personalidade à casa”, afirma Michael. Os designers optaram por jogar com a utilização de diferentes materiais no interior e exterior da moradia: madeira de carvalho, mármore branco e cinzento, tijolo, cobre. “Desde as cores aos pormenores das janelas e escolhas das molduras, sentimos que o passado oferecia grande parte das nossas respostas arquitetónicas”, explica Arya, co-fundadora do estúdio OSKLO.

Michael e Arya inspiraram-se no ambiente campestre, característico de alguns países da Europa, e na estética japonesa para mobilar a propriedade. No quarto de hóspedes, escolheram uma cama Ralph Lauren em veludo castanho e umas mesas de cabeceira em nogueira, personalizadas pelo OSKLO. A dupla de designers conseguiu transformar o escritório num espaço acolhedor e convidativo com a adição de uma secretária japonesa do século XIX e umas cadeiras lounge da década de 60. A sala de estar conta com um sofá Oliver Gustav, perfeito para relaxar e conviver em família.

A casa, de lote duplo, dispõe de dois pisos, com os quartos principais e a cozinha no piso superior, e uma cave com sala de cinema e um pequeno escritório. No exterior, a propriedade conta com um grande jardim, com inspirações bucólicas, um estúdio de arte e uma piscina. “A casa está rodeada por vegetação madura e luxuriante, especialmente, após vários anos de precipitação intensa em Los Angeles”.

Desta remodelação resulta uma casa moderna e adaptada ao estilo de vida de Beverly Hills, com apontamentos que homenageiam o passado e a tradição. 

Não falamos de um dos empreendimentos mais altos do mundo, mas o The Lana é um dos mais requintados da actualidade, fazendo parte da cadeia hoteleira Dorchester Collection, responsável por alguns dos mais exclusivos hotéis na Europa e nos Estados Unidos.
A arquitectura interconectada do edifício, projectado pelo gabinete londrino Foster + Partners, reflecte-se na Marasi Bay Marina, uma nova e cosmopolita zona da cidade, junto à beira-mar. Cada um dos 225 quartos conta com um terraço e janelas desde o tecto até ao chão, com vistas icónicas para a cidade. Nas suites Marina Duplex, Marina Terrace, Marina Royal ou Lana Royal, o requinte é ainda mais excelso. Os espaços interiores, a cargo da célebre dupla de designers parisienses Gilles & Boissier, são acolhedores, contemporâneos, mas igualmente elegantes, distintos e discretos.

A exclusividade decorativa do The Lana assenta ainda numa colecção singular de mais de 50 obras de arte, encomendadas a artistas locais e internacionais. Cada uma das peças resulta de uma narrativa cativante, traduzindo a visão particular do artista e da sua localização no hotel.
Contudo, além destes atributos majestosos, uma das atracções mais sublimes deste novo complexo hoteleiro, inaugurado em Fevereiro deste ano, é o spa da Dior, o primeiro da marca francesa nos Emirados Árabes Unidos. As cinco salas de tratamento e suite para casal, localizadas no 29.º e penúltimo andar do hotel, permitem fruir de uma ampla gama de tratamentos e programas de bem-estar. 

Conforto, elegância, irreverência e intemporalidade. É desta relação harmoniosa e natural de elementos que nasce a personalidade e assinatura do projecto Ellenwood, uma casa histórica, completamente transformada e artisticamente reinterpretada pela dupla de designers Karan e Sapna Aggarwa, do estúdio Bungalowel. Esta residência surge entre o arvoredo típico de Eagle Rock, em Los Angeles, e surpreende pela sua autenticidade e pelo modo como cada detalhe foi cuidadosamente pensado.
A residência, antes marcada por uma configuração desactualizada, fragmentada e desgastada pelo tempo, passou por uma transformação completa ao longo de doze meses. Preservou-se a sua autenticidade e acrescentou-se sofisticação para recriar este lar de 5 quartos, com 4 casas de banho completas e uma de serviço.

O design foi inspirado pela elegância europeia e pelo charme artesanal. Os tons ricos e sofisticados que dominam os espaços, desde os papéis de parede da House of Hackney até ao mobiliário criteriosamente seleccionado, criam uma atmosfera que convida ao repouso, combinando todos os elementos num todo perfeito. A paleta de cores de inspiração europeia, com tonalidades ricas e tons requintados, une todos os elementos. Já a utilização de latão não lacado e cobre bruto e de tijolos finos da Cle Tile destacam os pormenores artesanais, espalhados em vários recantos, desde objectos até às torneiras marroquinas feitas à mão. A integração de sistemas modernos foi desafiante, mas realizado com o máximo respeito pela estrutura original, mantendo a alma da casa intacta enquanto se adicionava o conforto necessário dos novos tempos.

Além das transformações interiores, a atenção aos espaços exteriores resultou numa área de lazer cuidadosamente concebida para receber e repousar. Uma zona de churrasco foi integrada, complementada com um espaço de refeições. O ambiente exuberante, com plantas cuidadosamente combinadas, revela o prolongamento e união do conforto do interior da casa. O jardim, com um deck amplo, envolve a piscina e uma pequena horta reforçando a conexão com a natureza.
O projecto Ellewood, revela-se assim, desenhado por formas de ser e de estar, que transformaram este lugar num livro aberto para se escreverem novas histórias. 

Neste edifício, situado na Avenida Chuo-Dori e projectado por Gwenael Nicolas, do estúdio Curiosity, a precisão da engenharia, a maestria da arquitectura e a subtileza do design atemporal expressam a essência do espectro do “The Rolex Way”.
A fachada incorpora o padrão característico do aro da Rolex através de uma estrutura metálica embutida em vidro, com gradações que enfatizam o efeito dinâmico, de baixo para cima. O padrão muda dependendo do ângulo de visão, criando um efeito cinético.
A flagship store da Rolex, que ocupa quatro andares do edifício, é visível do exterior através de uma imponente porta verde, de linhas rectas. O espaço do interior, criado com uma paleta subtil de materiais — travertino, madeira Sen japonesa e vidros foscos —, convida os clientes a explorar os pisos superiores, com um elevador rodeado por escadas em espiral, numa experiência dinâmica e com um atendimento único e dedicado. Com áreas de venda distribuídas em cada piso, no segundo andar destaca-se um grande bar em pedra verde e lacado, oferecendo um espaço aberto que conduz a salas privativas esculpidas em travertino. No terceiro andar, um salão exclusivo para convidados é decorado com materiais nobres que lhe conferem um toque japonês distinto e sofisticado.

Desengane-se se pensa que esta propriedade está situada em plena região francesa da Normandia. Na verdade, está localizada entre os bairros de Larchmont Village e Windsor Square, em Los Angeles, na Califórnia. Acontece que falamos de uma casa edificada em 1924, e que, de acordo com a Sociedade de Preservação Histórica, é definida como Ecléctica Francesa —um estilo comum após a Primeira Guerra Mundial nos Estados Unidos. Na época, os soldados que voltavam foram inspirados a construir residências ao estilo da Normandia, com telhados inclinados, janelas de batente, portas francesas e uma combinação de superfícies de madeira e estuque. Enquanto isso, os interiores assumiam influência Tudor ou espanhola, ou, às vezes, uma mistura de ambas.
Os novos proprietários, um cantor e compositor, a sua esposa e filho, escolheram a designer Jessica Helgerson, que ficou responsável por remodelar a cozinha e os quartos de banho, por criar uma suite de hóspedes, renovar toda a casa e depois mobiliá-la confortavelmente. 

A partir das ruínas de uma antiga casa do século XIX, no coração de La Oliva, nasceu o mais recente projeto do arquiteto espanhol Néstor Pérez Batista. Com elevado foco no design e na estética minimalista, Casa Montelongo, composta por duas unidades independentes, é um destino idílico, pensada para relaxar e mergulhar na calma e tranquilidade que se fazem sentir por toda a propriedade.

Com a construção deste projeto, um dos objetivos do arquiteto passou por estabelecer uma relação de proximidade entre as divisões da casa e o pátio. Cada espaço foi projetado individualmente, embora estrategicamente ligado à área exterior, através das aberturas nas fachadas interiores. Esta técnica permitiu que a zona do pátio se tornasse a continuidade de ambas as unidades residenciais.

O cuidado com aspetos como iluminação, geometria espacial, conforto térmico e privacidade, permite que a Casa seja vivida como um todo, proporcionando uma sensação de paz, perfeita para a reflexão e contemplação da paisagem envolvente. Os quartos, banhados por luz natural, criam um ambiente de transparência e amplitude, esbatendo as fronteiras entre o interior e o exterior.

No pátio, ao fundo da piscina, encontra-se exposta uma obra de Óscar Latuag – uma ode ao património natural da ilha. A interação entre a luz do sol e as formas abstratas da escultura, cria um interessante jogo de sombras na parede, acrescentado uma dimensão extra a esta bela representação da natureza nativa de Fuerteventura. 

Um refúgio camuflado na natureza. Este foi o ponto de partida para a construção de uma moradia de sonho junto a uma das praias paradisíacas de Puerto Escondido. Projetada pelo estúdio mexicano Vertebral, Casa OHANA representa um oásis de tranquilidade e frescura.

Com mais de 800 m2, a propriedade oferece uma experiência harmoniosa em contacto com a natureza. Imersa numa pequena floresta de árvores Neem e com vista panorâmica para o mar, a casa capta a essência da vida costeira, pretendida pelo cliente.

Composta por oito volumes independentes, divididos entre áreas privadas e sociais, o projeto adota os tons terra do ambiente circundante e abraça a vegetação local. Todos os recantos da casa foram desenhados pelo estúdio Vertebral para se integrarem na envolvente natural. Assim, os arquitetos optaram por utilizar materiais neutros, algumas madeiras tropicais e betão simples, presente na estrutura da moradia. Através desta seleção de materiais, o espaço convida a uma vivência agradável e harmoniosa com a floresta, com a praia e com o mar.

Numa grande plataforma elevada, a área social permite vislumbrar o oceano como se a casa fosse uma continuação da praia. Para proteger esta zona, o estúdio de arquitetura desenhou um telhado flutuante que, não só oferece proteção contra a chuva e o sol, como melhora a ventilação cruzada, tão necessária nos climas tropicais.

Contrariamente a esta zona social, exposta inteiramente à envolvente natural, as áreas privadas foram concebidas como volumes quase fechados. Com vista para a praia ou para um jardim interior, os quartos contam com uma decoração minimalista em tons neutros.

A riqueza da Casa OHANA reside na simplicidade da harmonia entre os espaços e a natureza. Todos os pormenores foram pensados para que cada divisão seja um refúgio de calma e privacidade.

Localizada na pitoresca ilha de Antiparos, na Grécia, e com uma área de 900 m², a Lemon Tree House é também ela própria uma ilha, um refúgio desenvolvido numa arquitectura circular (e singular), num movimento axial que une um design inovador e um profundo respeito pela natureza.
Projectada para valorizar a vida ao ar livre e integrando-se naturalmente com a paisagem endémica da ilha, a casa eleva-se em redor de um exuberante limoeiro no centro do piso térreo, que assume o ponto focal da vivência e convergência dos diversos espaços. Aqui, as áreas sociais — incluindo a cozinha, a sala de estar, um pátio com zona de refeições, lounge com projecção de cinema ao ar livre e uma piscina de linha infinita — oferecem vistas deslumbrantes do Mar Egeu, criando uma sensação contínua de conexão com a panorâmica.
No piso inferior, seis suites e uma sala de yoga proporcionam um ambiente íntimo, ideal para momentos de tranquilidade e introspecção. Essa distribuição de espaços reflecte a intenção do proprietário de criar uma casa de férias onde pudesse receber a família e amigos, promovendo um equilíbrio entre socialização e privacidade.
O design de interiores, cuidadosamente desenvolvido pela equipa do estúdio L’Éléphant, está intimamente ligado ao projecto arquitectónico da autoria de DECA Architecture. Portugueses e gregos, respectivamente, souberam criar uma simbiose que elevou as expectativas do proprietário e lhes deu vida terrena.
O conceito deveria reflectir a paisagem e a cultura da ilha — e assim foi. Para os acabamentos e mobiliário, a equipa optou por trabalhar com fornecedores portugueses, integrando tecidos europeus de prestígio, como os da Pierre Frey, e peças decorativas étnicas, incluindo ikats da Indonésia e kaftans da Turquia. A ilha da cozinha, uma peça central do design, foi concebida como uma escultura funcional que enriquece o espaço. 

A 20 minutos de Palm Springs, a zona do Rancho Mirage é conhecida por oferecer uma panóplia de casas, clubes e hotéis com vistas deslumbrantes sobre a beleza serena do deserto. E esta casa, fazendo jus ao espírito vizinho, convida-nos a mergulhar numa era de elegância, como um tributo vivo da celebração dos anos 20 e 30 vividos neste lugar. Foram várias as celebridades que aqui se instalaram e tornaram, nessa época, esta zona num ponto de encontro social, aliás, um estatuto hoje reafirmado pelo festival de música Coachella, que anualmente lança e une as “estrelas em ascensão” ao céu do deserto. A conexão com a natureza e envolvente é inevitável, dada a atmosfera que aqui paira. “Esta casa é um sonho clássico da Califórnia”, refere o designer de interiores Harrison Soll. “Fiquei fascinado com a abertura, a ligação com a natureza e a localização. Por isso, a oportunidade de trabalhar num projecto deste tipo, num ambiente familiar e querido, foi irresistível.”
A casa é abraçada por uma estética de design retro, com laivos de modernidade, e os proprietários, empresários com uma sólida experiência no sector da construção, quiseram criar um refúgio para passarem os fins-de-semana. “Este projecto é como uma carta de amor directamente dos anos 60 e 70, quando a vida era mais simples e mais lenta”, partilha Soll. “Imagine-se a beber um cocktail com gelo, a absorver os melhores mexericos à beira da piscina, com uma brisa quente a passar pelo seu cabelo. A tese do nosso projecto? É fácil: estamos a entrar numa máquina do tempo cheia de estilo. A partir do momento em que chega, será envolvido por uma mistura de texturas, elementos e vibrações, cada um deles convidando-o a criar a sua própria história no espaço.” 

Organizada pela Fundação Michelangelo para a Criatividade e Artesanato e pelos seus parceiros, a Homo Faber 2024 convida os visitantes a explorar o papel essencial que os objectos feitos à mão desempenham na nossa vida quotidiana. Através do tema A Viagem da Vida, concebido pela Vice-Presidente da Fundação, Hanneli Rupert, e interpretado pelos Diretores Artísticos Luca Guadagnino e Nicolò Rosmarini, a exposição apresenta objectos requintados de artesãos de todo o mundo, revelando como o artesanato é tecido no tecido das nossas vidas. O jogo de gamão personalizado oferecido pelo avô ao neto, os acessórios artesanais que evocam memórias da viagem de uma mulher à volta do mundo, os copos de cristal usados para brindar ao dia do casamento de um casal: são objectos como estes que nos ajudam a criar momentos preciosos e significativos.

Hanneli Rupert afirmou: Escolhi o tema “A Viagem da Vida” porque queria algo simples que ressoasse globalmente e, simultaneamente, nos permitisse mostrar, pela primeira vez, obras de todo o mundo. Nem nos meus sonhos mais loucos poderia imaginar a beleza e a simplicidade de visão com que o Luca Guadagnino e o Nicolò Rosmarini poderiam interpretar este tema. Estou particularmente entusiasmada com a variedade geográfica de ofícios e competências que estamos a mostrar lado a lado, muitos dos quais precisam urgentemente de ajuda para se manterem vivos para serem apreciados pelas gerações futuras.”

Com mais de 800 objectos de mais de 400 artesãos de 70 países de todo o mundo, representando 105 ofícios diferentes, a Homo Faber está aberta diariamente até 30 de setembro.

A Attitude visitou a mostra e será publicada uma reportagem alargada na nossa próxima edição.

Todos os pormenores, de todas as actividades e experiências, podem ser consultados em homofaber.com ou na aplicação Homo Faber, onde estão disponíveis os bilhetes. 

Experimentação, desafio, matéria, cor, arte. Uma arquitectura de interiores sem vícios nem rotinas, com vontade de se materializar em soluções. O projecto Holland Park House é um exemplo de design que honra a história e a arquitectura original de um edifício do século XIX, ao mesmo tempo que incorpora elementos de estilo contemporâneo com peças de arte.
Situada em Londres, esta residência de 1840, em estilo vitoriano, conta com seis quartos e foi propriedade do “Monty Python” John Cleese. Foi, no entanto, a sua localização que mais cativou os actuais proprietários, um financeiro britânico, a sua esposa, de origem turca, e os seus dois filhos.
Com poucos detalhes arquitectónicos originais evidentes no interior da casa, a equipa do Maddux Creative teve a oportunidade de acrescentar as suas próprias características. A principal inspiração para dar forma aos espaços foi a colecção de arte e antiguidades dos proprietários. Deambulando entre o clássico, o contemporâneo e o improvável, cada espaço tem algo de especial, como é exemplo a pintura no tecto da sala de jantar — criada pela artista Isabelle Day —, o revestimento de parede de gesso, com baixo-relevo, na biblioteca, ou o sofá curvo de seda na sala de estar. O mobiliário seleccionado é uma fusão ecléctica do estilo Art Déco francesa, italiana e escandinava, dos anos 50, com uma mistura de peças dos anos 70 e 80 e outras de designers mais actuais. Além disso, os proprietários tinham algumas peças que pretendiam integrar, entre elas, duas telas abstractas de Peter Lanyon, um baú William & Mary, de 1690, e abajures Vilhelm Lauritzen, que ficaram na sala de estar. Há também uma série de criações com assinatura Maddux Creative, a dupla formada por Scott Maddux e Jo leGleud. 

Uma homenagem ao savoir-faire menorquino. Foi assim que Anne-Cécile Comar e Philippe Croisier, fundadores do Atelier du Pont, olharam para este projeto. Num terreno de 76 hectares, a dupla de arquitetos desenhou, em torno do edifício existente, uma residência de verão com uma estética contemporânea e revigorada, sem descurar a arquitetura tradicional da ilha.

O ponto de partida para o desenvolvimento do projeto passou por manter alguns elementos presentes nas antigas ruínas e recuperá-los noutras divisões. O amarelo desbotado do teto de uma sala, a curva de um arco, a textura rugosa da fachada, a vista sobre a natureza e a presença de pedra em todos os cantos, levaram Anne-Cécile e Philippe a criar um espaço fresco e inesperado, que conjuga diferentes matérias primas.

Resultado desta fusão de materiais, a cozinha é iluminada por um amarelo forte e alegre que realça os tons naturais da envolvente. Na sala de estar, as janelas em arco, feitas de madeira de Iroko, com pivôs descentrados, asseguram a presença de luz natural e uma vista desobstruída para a natureza, acrescentando um toque contemporâneo à casa.

A utilização de formas orgânicas, não só nos caixilhos, mas também em alguns tetos e elementos de alvenaria é visível em toda a propriedade. Os arquitetos optaram por preservar as tradicionais paredes do antigo celeiro – muito espessas na base e mais finas no topo –, criando nichos funcionais e decorativos.

No que diz respeito ao design de interiores, o Atelier du Pont escolheu apoiar a cultura e o artesanato local. As cabeceiras presentes nos quartos foram tecidas à mão por Pedro e Mariana, artesãos de Menorca a quem os arquitetos já tinham recorrido para outro projeto. Já as mesas de cabeceira e de apoio em corda e terracota, assim como os lavatórios em pedra e a banheira em betão foram desenhados pelo estúdio parisiense.

Além da influência local, as proprietárias da casa San José queriam que o espaço também refletisse as diferentes culturas com que se foram cruzando durante as suas viagens pelo mundo, algo a que o estúdio de design conseguiu corresponder. 

Contando histórias botânicas e moldando mundos sensoriais com um olhar contemporâneo e uma abordagem inovadora, John Sharp reinventou os espaços exteriores de casas históricas desenhadas por arquitectos icónicos como John Lautner e Richard Neutra, e criou paraísos de jardins para celebridades de Hollywood como as actrizes Hilary Duff, Sophia Bush e Zoey Deutch.

A prática do estúdio John Sharp centra-se na utilização do espaço exterior, expandindo o espaço de vida a partir do interior para o exterior, piscinas, banheiras de hidromassagem, saunas, banhos de gelo, duches, bem-estar, refeições, jardins comestíveis, galinheiros, entretenimento e criatividade.
O estúdio é orientado pela sustentabilidade, integração com a natureza, texturas e materiais orgânicos e a criação de ambientes exclusivamente artísticos.

Quem é John Sharp?
Revolucionário na indústria paisagística, John Sharp oferece projectos paisagísticos altamente expressivos, criando mundos nunca vistos com maravilhas botânicas em casas históricas e famosas. O designer passou vários anos a desenvolver a sua prática exterior em paisagismo, expandindo a sua arte para jardins e para o exterior a partir de uma formação em design de interiores e espacial.

Com uma formação académica em “mixed media” e escultura, seguida de uma carreira inicial na produção de eventos, curadoria, styling e collecting, John Sharp é uma mente criativa carismática e enigmática, impulsionada pelo seu profundo amor pelo mundo natural, sistemas regenerativos e vida poética. Fundou o Studio John Sharp em 2018, que está sediado num bungalow em Venice Beach, Califórnia. O espaço de trabalho cheio de luz tem vista para o oceano e está decorado com uma coleção eclética de arte contemporânea, mobiliário modernista, lareira, objectos esculturais e, claro, plantas.

“A nossa abordagem ao design é dinâmica e centrada no estilo de vida, com ênfase na vida expressiva, conectiva, natural e artística. Estamos empenhados em criar experiências expansivas e cheias de maravilhas através de ambientes pessoais, lúdicos e luxuosamente concebidos. O nosso processo criativo depende do cliente e do local, inspirando-se em ambos, bem como em viagens internacionais, tradições e materiais regionais para criar novas narrativas futuras.”


Três projectos-chave de John Sharp: O olhar paisagístico para as casas mais históricas da Califórnia

1) Casa Garcia de John Lautner (em Hollywood Hills)
Inspiração: “Imaginar a paisagem através de uma lente de ficção científica do futuro retro, casa para a nave espacial, casa como nave espacial.”

2) Hailey House de Richard Neutra (em Hollywood Hills)
Inspiração: A visão arquitetónica modernista de Richard Neutra e o desejo do cliente de alcançar uma sensação de outro mundo/oásis.

3) Gerald and Betty Ford Estate (em Rancho Mirage)
Inspiração: A própria Betty Ford (a primeira-dama dos Estados Unidos de 1974 a 1977). 

Conhecido pelo seu caráter icónico e design intemporal, o mobiliário de carvalho é a nova aposta da cadeia dinamarquesa de lojas de decoração para o lar. Com bonitas formas arredondadas e elementos que conferem uma estética minimal ao espaço, as peças da coleção LYNGVIG complementam-se, atribuindo uma coerência visual por toda a casa.

Disponível em duas tonalidades (claro e escuro), o mobiliário em carvalho acrescenta uma sensação de aconchego e um toque de personalidade a cada divisão. Com linhas simples, as peças da JYSK destacam o interior do espaço, transmitindo serenidade e harmonia ao entrar em casa. 

River Island Villa: a entrada para o paraíso. Rodeada de água e com uma vista deslumbrante para as montanhas, esta propriedade é o mais recente projeto do estúdio Jishang Space Design. Com o projeto, Ding Jilin procurou trazer a natureza para o espaço interior, tirando o máximo partido da luz e da paisagem envolvente.

Ao atravessar a porta de entrada, os residentes são convidados a abrandar e absorver a energia tranquila que se faz sentir na casa. No hall de entrada, o pavimento em carvalho e as paredes revestidas a madeira desdobram-se e conduzem o olhar de qualquer pessoa para as restantes divisões, criando uma sensação natural de conforto.

As janelas, altas e estreitas, oferecem vistas incríveis sobre a paisagem, atenuando a barreira entre o interior e o exterior. Ao mesmo tempo, através do desenho de cada divisão e das diferentes combinações de materiais, o espaço mantém o seu caráter claro e conciso, permitindo que os residentes se concentrem na vida quotidiana no interior.

A estrutura da Villa concede aos espaços multifuncionalidade, possibilitando uma fluidez da luz e do ambiente exterior para dentro de casa. O design pensado ao pormenor permite que as divisões se alternem livremente entre abertas e fechadas.

No segundo andar, as grandes janelas iluminam a sala de estar com luz natural. Neste espaço, os residentes podem desfrutar de vistas magníficas sobre o rio e sobre as montanhas, como se fossem uma extensão da própria sala. As escadas, em espiral e em tesoura, que ligam os diferentes pisos não são apenas elementos funcionais, mas atuam como importantes pontos visuais, exprimindo a beleza das estruturas e das linhas fluídas, perfeitamente integradas na disposição do espaço, e a flexibilidade do mesmo.

Para o quarto principal, Ding Jilin desenhou uma área íntima e confortável para relaxar. As paredes sem ornamentos refletem a luz suave do sol, criando uma atmosfera contemplativa. As cortinas acrescentam um toque suave e subtil ao interior. Aqui, as pessoas são convidadas a colocar de lado a complexidade dos dias e a desfrutar de um momento de calma e tranquilidade. O escritório e a sala de chá desempenham múltiplos papéis na conceção da moradia: enquanto espaços práticos e funcionais, servem também como locais de lazer e cultura.

Centrada na entrada de luz natural, a organização da Villa serve como uma ferramenta prática, mas também como condutora para o sustento espiritual. Assim, a presença de claraboias em pontos estratégicos da casa, não só permite a circulação da luz e do ar, como cria uma sensação de riqueza visual e de proximidade com a natureza.

A cave, em formato open space e revestida a micro-cimento, está equipada com um ginásio, um bar e uma zona de estar. Esta área recebe luz natural por via de uma grande claraboia, melhorando a luminosidade do espaço e criando, assim, um ambiente confortável e acolhedor.

O pátio exterior apresenta um design distinto do interior da Villa. Mais sofisticada, esta zona apresenta linhas modernas, iluminação embutida e alguma vegetação que ganha vida em torno de uma fogueira.

Com estilos de vida acelerados e stressantes, as pessoas procuram, cada vez mais, ambientes onde possam abrandar o ritmo, descansar e sentir-se mais próximas da natureza. O designer responsável pelo projeto respondeu a este desejo através da criação de diferentes espaços abertos e interligados, que satisfazem as necessidades de uma família moderna. 

Projetada por PJCArchitecture, em parceria com o estúdio de arquitetura Juan Pablo Ribadeneira Mora, esta residência familiar abraça o ambiente natural que a rodeia, unindo as fronteiras entre o interior e o exterior de forma harmoniosa.

A estrutura da casa foi decidida tendo como base a sua localização. Orientada para oeste, a Cumbaya House conta com vistas deslumbrantes para as montanhas de Quito. A parte inferior da propriedade, revestida a tijolo, permite a absorção do calor durante a tarde e a sua irradiação por todo o espaço durante a noite. O estuque branco, no piso superior, ajuda a refletir e a mediar a luz solar intensa que se faz sentir nesta região. A gestão da luz forte e do calor equatorial revelou-se um desafio para a equipa, que, como solução, incorporou no projeto uma tela vertical de madeira no alpendre, servindo um duplo propósito: proteger os interiores do excesso de sol e preservar a luz natural.

No que diz respeito à arquitetura e desenho da casa, Cumbaya House apresenta uma composição bastante interessante: a propriedade é formada por dois grandes blocos interligados através de um corredor de entrada, servindo de eixo limitador dos espaços públicos, ideais para receber convidados, e dos interiores mais privados.

A pensar no tempo de qualidade passado entre amigos e família, os arquitetos desenharam, num dos blocos da casa, uma sala de estar e jantar ampla, com pé-direito duplo. Através de umas portas de vidro deslizantes, o espaço faz ligação a um alpendre com lareira e uma zona para churrascos. Concebida para relaxar e desfrutar da natureza, esta sala de estar exterior conta uma passagem para a cozinha.

Revestida com painéis de madeira em tons quentes, a cozinha, localizada no segundo bloco da casa, apresenta uma bonita ilha com vista para o jardim das traseiras. O primeiro piso é complementado por uma sala de estar, uma casa de banho e uma suite. Uma escadaria minimalista em mármore travertino conduz ao segundo andar, composto por uma sala para a família relaxar e desfrutar do tempo de qualidade juntos e dois quartos com casas de banho privativas. A suite principal distingue-se pelo seu teto com pé-direito duplo e uma grande janela voltada para as montanhas. A casa de banho, com ligação direta ao closet, é de sonho: com uma banheira flutuante e uma vista deslumbrante sobre a natureza.

O casal e as duas filhas procuravam um espaço de escritório não convencional. Assim, a equipa de arquitetos tirou partido da inclinação natural do terreno e criou uma sala subterrânea ideal para trabalhar, sem alterar a harmonia visual da casa.

A Cumbaya House resultou num equilíbrio perfeito entre os espaços de lazer e as zonas mais privadas da casa e o fluxo leve e contínuo entre o interior e o exterior, promovendo um ambiente harmonioso com vista privilegiada para as majestosas montanhas de Quito. 

Com assinatura do estúdio canadiano Perron, Bertha é o novo chalé familiar de Le Massif de Charlevoix. Capaz de acolher quase vinte hóspedes, a propriedade foi desenhada para ser um espaço de relaxamento e bem-estar onde as pessoas se sintam em casa. Com inspirações nórdicas, o projeto foi pensado como um retiro privado e luxuoso – um género de boutique hotel.

“Decidimos jogar a carta do “hotel” até ao mais ínfimo pormenor, desde a louça nos armários, ao carrinho de bagagens no corredor e produtos de higiene nas casas de banho”, explica Sarah Ève Hébert, designer do Perron. Apesar da decoração semelhante, cada suite tem uma paleta de cores e um nome diferente, inspirado na palavra “neve”, em diversas línguas.

Um chalé eclético
Inspirado nas montanhas e no estilo nórdico, o design do chalé é minimalista, acolhedor e funcional. O estúdio privilegiou materiais naturais, como a madeira, as plantas de interior e a lã, bem como cores suaves e linhas simples. “Pontuámos o conjunto, muito neutro e minimalista, com elementos texturados, coloridos e invulgares para o Quebeque”, afirma a designer. “Queríamos transmitir um toque nórdico e eclético”.

Um piano amarelo na sala de estar, um escorrega vermelho com acesso à sala de jogos e um ambiente colorido na sala de jantar: a equipa do estúdio Perron combinou materiais, cores e conceitos diferentes que, em conjunto, irradiam a energia positiva que o cliente pretendia.

Da montanha para a sala de estar
No piso térreo do chalé, uma sala, cuja lareira suspensa ocupa um lugar de destaque, convida os hóspedes a relaxar depois de um dia na neve. Neste espaço, o pavimento em tijolo foi pensado para que as pessoas possam entrar em casa com as botas molhadas.

O rés do chão é reservado às crianças – com uma parede de escalada, um baloiço, um escorrega e mobiliário concebido especificamente para os mais pequenos, este espaço foi projetado para que as crianças possam brincar num ambiente seguro e divertido.

No andar superior estão concentrados os espaços comuns: um grande salão, inspirado nos lobbies dos hotéis; uma cozinha equipada com material profissional apto para um Chef trabalhar; e o bar e a garrafeira perfeitos para um serão depois da neve.

Por toda a propriedade, encontram-se peças únicas, importadas da europa, acompanhadas por almofadas e tapetes feitos artesanalmente por locais de L’Isle-aux-Coudres.

Para umas férias nas montanhas, Bertha é um chalé-hotel de inspiração nórdica, cujo design honra o prestígio europeu e o charme do Quebeque.

Num mundo cada vez mais marcado pelas alterações climáticas, o arquiteto Cedric Burgers e a esposa e designer de interiores Mary Burgers, desenharam uma casa eficiente e sustentável a pensar no futuro das suas filhas, sem descurar a arquitetura e o design.

Em West Vancouver, Canadá, junto à Nelson Residence “há um riacho que atua como corredor verde para a vida selvagem. A sua vegetação frondosa oferece privacidade e frescura”, explica Mary Burgers. “Preservar a condição natural do local foi essencial para iniciar todo o processo de design e licenciamento”.

O conceito para esta propriedade surgiu após uma reflexão conjunta entre o casal: “Como seria se construíssemos algo à prova do tempo, que também abordasse algumas das questões que os nossos filhos poderiam enfrentar durante a sua vida, como as alterações climáticas e a sustentabilidade?” recorda a designer e diretora criativa da Burgers Architecture. Para Cedric e Mary, além de net-zero, a casa tinha de ser familiar, acolhedora e esteticamente bonita.

Para o casal era fundamental que a propriedade tivesse uma ligação à natureza e à paisagem luxuriante em que está inserida. “As divisões têm como cenário espaços verdes em constante crescimento, ‘instalações artísticas’ naturais durante todo o ano”, explica Mary. Os designers mantiveram os interiores simples, com uma paleta de cores neutras e pavimentos em betão e carvalho.

Concebido para receber convidados, o piso principal apresenta fluidez entre os espaços. À primeira vista, parece um open-space, mas cada divisão foi desenhada para experiências separadas. Por detrás da biblioteca em carvalho, existe um escritório com vista privilegiada para a natureza. A sala de jantar, separada da cozinha, é o local ideal para jantares mais íntimos e tranquilos. Estes espaços, juntamente com a sala de estar, dão acesso ao pátio exterior e à piscina aquecida a energia solar.

Os quartos com casa de banho privativa estão localizados no piso superior da casa. No nível mais baixo, encontra-se uma suite secundária e alguns espaços de arrumação. Embora a ligação à natureza não seja tão imediata como no piso principal, estes andares proporcionam espaços privados e tranquilos com grandes janelas em todas as divisões.

Com este projeto, Cedric e Mary queriam perceber até onde poderiam avançar com um design sustentável sem comprometer a beleza ou a estética contemporânea da costa oeste, tão apreciada pelo casal. “A casa serviu de catalisador tanto para a arquitetura como para as práticas de construção sustentável em West Vancouver”, afirma a designer de interiores.

Na sua cidade natal, o estúdio Paloma Bau assumiu a renovação e restauro do projeto Casa Ona. Localizada num edifício da década de 20, no popular bairro piscatório de El Cabanyal, a propriedade honra a essência mediterrânica, com texturas e acabamentos que evocam as praias espanholas.

A pedido do proprietário, um jovem surfista apaixonado pelo mar, Paloma Bau e a restante equipa encararam este projeto com respeito pela história e significado do edifício. O trabalho cuidado do estúdio de arquitetura, permitiu que o espaço, originalmente escuro e fortemente dividido, se transformasse numa casa funcional e moderna, sem nunca perder a sua natureza.

Inspirado nas cores do mediterrâneo, o pavimento uniforme em tons de areia une todos os cantos da casa, evocando as longas e bonitas praias de Cádiz. Centrada em torno de uma grande ilha de azulejos texturizados e silestone verde turquesa, a cozinha em tons neutros e madeira de carvalho, abraça a sala de estar, ligando os dois espaços harmoniosamente.

Junto à cozinha, o estúdio de arquitetura desenhou um painel de ripas de madeira lacada que esconde, de forma inteligente, uma arrecadação e uma pequena casa de banho, inspirada na Cala Rotja em Menorca.

Na zona de descanso, composta por um escritório e uma suite com um walk-in closet incorporado, a equipa de Paloma manteve as paredes em tijolo avermelhado, acrescentado um toque especial ao espaço.

A essência do mediterrâneo reflete-se um pouco por toda a paleta de cores do projeto. Os tons em castanho e cinzento, juntamente com o azul brilhante da casa de banho da suite, lembram a Costa Brava e o alto mar. As peças de mobiliário selecionadas para o espaço honram a proximidade ao oceano, através do recurso a materiais como corda, microcimento, linho e algodão.

Situado em Hayes Valley, um dos bairros mais vibrantes e eclécticos de São Francisco, os escritórios da NFX erguem-se num armazém histórico de traça industrial de 1907.
A escolha dos materiais, das cores e do mobiliário traduzem a filosofia do conceito, que deriva do espírito contagiante da era Disco e das vibrações contraculturais da década de 70: peças vintage misturam-se com design contemporâneo numa composição ecléctica e arrebatadora. A suavidade impera em carpetes felpudas, cortinas, texturas lúdicas em confortáveis estofos de múltiplos padrões; em contraste com os azulejos estampados conferem dimensão táctil ao ambiente. Os espelhos e as bolas de espelhos ampliam o espaço num equilíbrio de funcionalidade e irreverência. Um lugar de conexão, celebração e criatividade impregnado de sensações de imprevisibilidade, diversão e irrealismo. 

Juntos há 20 anos, em 2015 compraram esta propriedade no Norte de Portugal. “Foi o lugar que nos encontrou”, partilha Holly embevecida.
O que seria um retiro particular transformou-se no Tinhela610. A par com o arquitecto Luís Rebelo de Andrade, os proprietários iniciaram um projecto de resiliência, ao longo de oito anos, que se manifesta como o fecho de um ciclo e ambição por um estilo de vida sustentável e ecológico. Pensado para recriar sinergias, através de retiros, residências artísticas e culturais, procuram um crescimento orgânico, “permitindo que a energia do espaço flua e floresça”.

Com um percurso combinado de 50 anos na área do bem-estar, o casal oferece uma experiência imersiva e sensorial, que apela à calma. O esplendor e espírito do lugar conduz-nos ao encontro interior, em (re)conexão poderosa por um oásis implantado no âmago da natureza mística, que embala ao som da água como música de fundo.
Desde o antigo moinho (Mill A), onde fica a zona de puericultura e se acede à Fairyland Tent (Tenda Encantada) e à plataforma Stairway to Heaven (Escadas para o Céu), seguimos pelo passadiço envolto no ritmo do rio Tinhela. A partir de ruínas romanas, emergem cabines de madeira que acolhem até 14 hóspedes. Os socalcos descem até ao Mill Be, onde se exploram técnicas de meditação ancestrais que despertam os sentidos. Seguimos depois rumo ao Field of Dreams (Campo dos Sonhos), que nos brinda com a fonte da água circundante. 

Formada pela ENSAD e Beaux Arts de Paris, tem como inspiração a natureza, o esoterismo e rituais que exploram o nascimento, a morte e a transformação para dar vida à arte, com a sua própria temporalidade.

JORGE TEIXEIRA: Quando é que se apercebeu que queria ser escultora e qual foi o seu caminho para criar a sua própria identidade enquanto artista?
JULIETTE MINCHIN: Apercebi-me que queria ser artista quando expus a minha primeira escultura, que também é a minha primeira obra de cera, em 2019. La veillée au candelou é um cubo de aço do tamanho de um homem cujas paredes estão cobertas com trezentos quilos de cera e que, ao derreter, revela uma estrutura de ferro com um padrão labiríntico e geométrico. Ver como a obra tocava o público fez-me perceber a minha capacidade de transmitir emoções. Foi o dia em que decidi concentrar-me apenas na minha carreira artística. Hoje, penso que é uma das melhores escolhas de vida que já fiz. Só no último ano dos meus estudos, em 2018, é que decidi fazer escultura. Queria realmente fazer algo que nunca tivesse sido feito antes, encontrar uma maneira singular de abordar o material enquanto desenvolvia uma nova técnica. O meu encontro com a cera foi, assim, o início da minha produção, que não parou mais!

A sua arte tem uma dimensão e uma mensagem espiritual e esotérica. O que é que a inspira a abordar estes temas e como é que tenta transmitir isso no resultado final? Na minha investigação antropológica, inspiro-me muito nas formas sagradas e em rituais sagrados que foram inventados pelo homem, em resposta ao medo da morte, para levar uma vida espiritual, para dar sentido à vida, ou mesmo para se tranquilizar. O desafio é deixar o máximo de liberdade possível aos sentimentos e ao material. Procuro despertar reflexos animistas, uma espiritualidade universal, para criar obras que falem por si, que ofereçam uma sensação de déjà vu e de empatia. A escolha pela cera acontece por ser um material flexível. Utilizo-a para peças sucessivas, como uma alma que deixa um corpo para outro. A cera é também o material mais próximo da pele e da carne. Provoca uma empatia muito forte porque projectamos seres humanos nela, perturba tanto que encarna o vivo.

Inspirado na cultura e no estilo jamaicano das décadas de 60 e 70, o novo restaurante e lounge na baixa de Miami reflete um conceito único e um design que faz brilhar as paisagens típicas da Jamaica, as cores vibrantes e o artesanato da ilha das Caraíbas.

“O design de interiores inovador do JRK! e do Mangrove combina dois projetos distintos num único espaço multifuncional”, explicam Andreas de Camps e Olivia King, co-fundadoras da FictionWorks. Com destaque para a luz natural, o restaurante jamaicano JRK! apresenta um ambiente simpático e confortável. A oferta disponível no espaço é meticulosamente pensada e elaborada para honrar as tradições culinárias jamaicanas.

Para o Mangrove, as designers optaram por um ambiente mais intimista com uma estética mais sombria. Inspirado no estilo speakeasy, o bar apresenta uma decoração luxuosa, com peças vintage, arte local e alguma vegetação. O espaço inclui ainda uma cabine de DJ com discos de vinil – o cenário perfeito para desfrutar de um bom cocktail.

Com um sofá corrido em couro verde, a área de refeições apresenta uma parede em betão, decorada com obras de arte de inspiração jamaicana de Nick Mahshie. O bar, com uma bancada em zinco envelhecido e bancos em vinil vermelho, realça o estilo retro pretendido para este espaço.

De forma inteligente, a dupla de designers conseguiu incorporar as cores do JRK! (amarelo e verde) na estética geral do espaço. Juntamente com alguns toques de laranja, estes tons criam um ambiente divertido e convidativo, melhorando a experiência dos clientes. Ao mesmo tempo, o interior do espaço é rico em materiais mais envelhecidos e crus, evocando uma sensação de nostalgia.

Com atmosferas contrastantes, cuidadosamente pensadas, o restaurante adapta-se a diferentes gostos e estados de espírito, assegurando uma experiência dinâmica ao longo do dia e da noite. 


Design de interiores: Studio Andreas De Camps (STUDIO AD) em colaboração com FictionWorks (co-fundado por Andreas De Camps e Olivia King)

A traça espanhola vive estampada nesta casa projectada há quase 100 anos, outrora pertencente a Washington Smith, um arquitecto de carreira em ascenção nos anos de 1920, e conhecido por levar o estilo colonial espanhol até aos bairros californianos — precisamente na zona de Montecito, com uma presença significativa de arquitectura do Revivalismo Espanhol e artesanato um pouco por todos os bairros.
Actualmente, são Justine Roddick e Tina Schlieske, acompanhados pelos filhos já adultos e os seus dois cães quem habita esta residência. “Os proprietários são um superduo criativo, cada um com um gosto impecável e cujas opiniões e perspectivas foram uma inspiração para o design geral dos espaços”, conta-nos Tamara Honey, designer responsável pelo estúdio House of Honey, um colectivo feminino com uma estética caracterizada pela criação de “experiências com significado” e com o propósito de “evocar emoções”. E assim o fizeram.
Focada nas raízes históricas da casa, combinada com laivos de modernidade no design, a estrutura de 432 m2 ostenta os pormenores originais, como os tectos em caixotões, os azulejos vermelhos feitos à mão no chão e murais do pintor Ramos Martinez, complementados por designs coloridos à medida da atmosfera extravagante. No encontro e confiança do trabalho de Tamara Honey, conseguiram enaltecer esta pérola centenária. “Eu queria capitalizar a arquitectura espanhola da casa enquanto acrescentava um toque das raízes britânicas de Justine ao seu design. A visão ganhou vida ao incluir padrões únicos em toda a casa”, partilha a designer. 

Há sempre algo de especial numa primeira vez. Aquele momento, que sabemos que não se repetirá nunca, cria uma aura que é um catalisador para a busca de uma qualquer perfeição, muitas vezes e felizmente, perfeitamente imperfeita.
Nua Nakūi significa “honrar os costumes antigos” e foi o nome escolhido por Jasmine Scalesciani-Hawken para o seu primeiro projecto de arquitectura e design de interiores — um retiro de bem-estar na Baixa Califórnia, no México, a poucos passos da praia e acolhido numa quinta de ervas medicinais. Jasmine, que divide a ascendência entre Itália e a Argentina, foi invadida de boas memórias aquando de uma visita a El Pescadero — onde fica a Nua Nakūi —, vendo no lugar potencial para um modo de vida simples e selvagem. A sua larga experiência na indústria do bem-estar permitiu-lhe cultivar alimentos e ervas rejuvenescedoras e passar dois anos a regenerar o solo antes de iniciar a construção daquela que seria a primeira residência para retiros ayurvédicos e programas de jejum desenvolvidos pela própria.
A inspiração para o projecto de arquitectura nasceu das impressões e experiências que coleccionou ao longo das suas viagens e dos lugares onde viveu, especialmente a sua casa de infância, desenhada pelo arquitecto italiano Alberto Ponis, por entre as formações rochosas da Costa Paradiso, na Sardenha, e perfeitamente integrada na natureza. 

Nayarit House: um refúgio à beira-mar com assinatura do gabinete de arquitetura RVO Studio. Inspirada nas construções locais e tribais da ilha mexicana, esta casa representa o renascer da arquitetura brutalista – uma interpretação contemporânea que mantém o poder e a força do betão exposto e das formas geométricas, com um toque mexicano. “A abertura dos clientes às ideias e à criatividade, juntamente com a sua vontade de ultrapassar os limites da forma como vivemos o espaço, inspirou-nos verdadeiramente neste projeto”, afirma Raul Velazquez, arquiteto e fundador do RVO Studio.

A vivência do espaço gira em torno de duas características principais: o oceano e um pátio central. A fachada em frente à praia, onde se encontram os quartos, abre-se para o mar, com um cenário de cortar a respiração. A parte de trás da casa oferece alguma privacidade, com espaços desenhados para receber amigos e família.

Numa propriedade tão exposta como esta, voltada para uma praia pública, o maior desafio para o gabinete de arquitetura foi criar a privacidade necessária para que o cliente se sentisse confortável em casa. Através da colocação de biombos de madeira e outros elementos arquitetónicos, assegurando o devido isolamento, a luz natural, a ventilação e a vista para o mar, os arquitetos conseguiram solucionar esta questão.

A estrutura da casa foi concebida para refletir ao máximo a sua construção, com o betão cinzento a desempenhar um importante papel na paleta de cores. A madeira natural, sem tratamento, foi introduzida para acrescentar uma tonalidade quente ao projeto. O tom de azul da escadaria, inspirado no oceano, foi escolhido para criar um contraste com as cores neutras utilizadas em toda a propriedade.

As pedras naturais e os mármores são as peças-chave deste projeto. A pedra é intemporal e envelhece graciosamente. “Tivemos sempre em mente a necessidade de utilizar materiais que pudessem resistir à brisa salgada, à humidade extrema e ao sol intenso da costa mexicana”, explica Raul Velázquez.

O resultado de um trabalho de dois anos e meio: um refúgio onde se respira natureza, tradição e design, desenhado para fugir da vida agitada de Los Angeles. 

 

Arquitetura: RVO Studio
Design de Interiores: Hadad interiorismo

O candeeiro decorativo KENT é um candeeiro versátil com três níveis de luminosidade e função de temporizador, adequado às várias necessidades. Com um design clássico e simples, pode ser facilmente integrado em diferentes estilos decorativos.
Com uma forma angular, o tabuleiro decorativo JESPER acrescenta personalidade à sala de estar ou de jantar, podendo ser disposto isoladamente ou combinado com outros elementos que o salientem.
De vidro transparente, superfície padronizada e aparência elegante, o porta-velas ARN é um objeto distinto e está disponível em vários modelos. Pode ser colocado no tabuleiro decorativo JESPER e cria um brilho bonito e divertido quando se adiciona luz.

Gont, o revestimento de madeira utilizado tradicionalmente na zona dos Cárpatos, é também o nome do novo projeto do estúdio Between the Walls. Rodeada por densas florestas e pelas incríveis paisagens ucranianas, a casa de campo combina o design moderno com a beleza da natureza.
Com uma filosofia centrada no design ecológico, o estúdio responsável pelo projeto prestou especial atenção à utilização de materiais naturais no interior e exterior da casa. Os pequenos pormenores da propriedade refletem a adoração pela natureza e a preocupação com o ambiente.

Com vista para a montanha, a cozinha combina funcionalidade e aconchego. Madeira, quartzito local e gesso de fabrico ucraniano são alguns dos materiais utilizados nesta divisão. Para tornar este espaço mais quente e acolhedor, o estúdio optou por colocar dois candeeiros de lã sobre a mesa.
Marcada pela paisagem deslumbrante da floresta, a sala de estar apresenta um design simples e único. O espaço conta com um sofá modular em tons neutros, poltronas vintage, uma mesa de centro da famosa marca ucraniana GUSHKA e um tapete da Kononenko ID, que acrescenta um toque de cor à divisão. A lareira garante o conforto necessário para os dias mais frios, sem descurar o design.
Em open space, a cozinha e a sala de estar apresentam uma técnica, aplicada à mão, que confere às paredes um aspeto rico e texturado.

Com uma decoração à base de materiais naturais, os quartos oferecem uma sensação de descanso e rejuvenescimento. De modo a criar um retiro tranquilo e acolhedor, o estúdio Between the Walls escolheu colocar cabeceiras com padrão étnico, para contrastar com o ambiente em tons de madeira.
Com uma parede coberta a azulejos, a casa de banho incorpora detalhes modernos que concedem personalidade ao espaço. Apesar de pequena, a janela presente no duche garante luz natural durante todo o ano.

Gont é a união perfeita entre o design moderno e a beleza natural, onde todos os pormenores foram pensados para homenagear a cultura ucraniana e as montanhas dos Cárpatos. 

Traduzindo a essência da culinária da província de Jiangnan, o novo Bafenbao combina os sabores tradicionais e técnicas culinárias inovadoras, com uma pitada de influências ocidentais.
O espaço está envolvido numa paleta de cores elegante, em tons de vermelho profundo, que enfatiza a sua opulência. A madeira de jacarandá (Hongmu) — originária das costas Sul e Leste e símbolo da fortuna e herança da China — reflecte a sofisticação pretendida para a nova linguagem estética do espaço, assinada por Yifei Wang e Kaiwen Wei, dupla criativa que constitui o estúdio Kai Fei Design, sediado na China.
No primeiro andar, os visitantes encontram uma recepção personalizada, forrada com latão e madeira, que se funde nas linhas modernas, tendo como inspiração as cestas tradicionais chinesas. Através dos típicos painéis deslizantes, acedemos à zona de jantar, arquitectada para elementos clássicos como a madeira de pau-rosa se harmonizarem com o mobiliário imbuído em detalhes e acabamentos modernos, exaltando o estilo chinês contemporâneo de forma vibrante. 

As esculturas em forma de fontes, expostas pela primeira vez em Espanha, desenvolveram-se em torno da ideia da água como símbolo evocativo do conceito de sustentabilidade. “Sempre quis fazer fontes. Crescer junto a um lago, perto da água, levou-me a querer trabalhar com a água e o seu movimento (…). A água flui sobre e em torno das fontes. São como erupções que irrompem da terra, e a água articula esse carácter explosivo. Isto é algo que sentimos no corpo, a sucção da gravidade. Sempre tive muita consciência disto e isso manifesta-se provavelmente em todo o meu trabalho, de uma forma ou de outra” (1), partilhou a artista.
Nascida em 1941 em Lake Charles, Louisiana, nos EUA, Lynda Benglis marcou uma geração de artistas, num percurso expressionista onde em vários momentos tentou “redefinir o que era”. Da pintura, à fotografia e vídeo, até à escultura, foram inúmeras as experiências, num caminho de afirmação onde se questionava da “rigidez do suporte” e, assim, procurando uma manifestação tridimensional para as suas obras. Proclamada em 1970, pela revista Life, como a herdeira de Jackson Pollock, Lynda Benglis foi também seleccionada, em 2022, para a edição anual especial do The New York Times – The Greats –, na qual a publicação destaca quatro “criadores inimitáveis cujo talento cimentou o seu lugar na cultura”. Uma artista com uma carreira notável, reside em Santa Fé, no Novo México, e continua no activo, aos 82 anos, após seis décadas de um trabalho impactante. 

Trata-se de um alojamento local singular que personifica a fusão entre a história e o design contemporâneo. Localizado na Foz do Douro, este é o lugar ideal para uma experiência autêntica que nos conecta com a cidade e as suas gentes. A moradia, que pertence à mesma família desde a sua fundação, ganhou uma nova vida depois de uma meticulosa reabilitação que não esqueceu as suas origens, nem as suas três gerações de história. A assinatura deste projecto é do arquitecto José Carlos Cruz, que preservou a fachada original, voltada para a Rua da Senhora da Luz e para a Praia da Luz.
Embora representado pelos três apartamentos, trata-se de um projecto ancorado na noção contemporânea da vivência dos espaços. Desde o Apartamento B, um T2 duplex com terraço e varanda com vista para o mar, é possível avistar o rochedo Gilreu, que deu origem ao nome deste espaço. Também o Apartamento C expande-se num T2 duplex com panorâmica para o mar. Já o Apartamento D configura um T1+1, com varanda para a rua principal. 

Fruto do amor de Micha Pycke e Albane Paret pela cidade de Oostende, pelo design e hospitalidade, o Paradis Apartment é um projeto versátil, em constante evolução. Com capacidade para receber cinco pessoas, este espaço é um refúgio de férias e um lugar de inspiração para conhecer, partilhar e sonhar.

“Não se trata de uma galeria, nem de um showroom, mas de um espaço de curadoria onde as obras e as peças de arte são utilizadas no dia a dia, longe da sacralidade de um museu e do whitecube”, explica Albane.
O conceito do projeto é inspirado nos primeiros passos de artistas como Leo Castelli, Hans Ulrich Obrist e Gavin Brown, que, no início das suas carreiras, organizavam exposições e mostras de arte nas suas próprias casas.

Para a decoração do apartamento, o casal holandês contou com a ajuda de diferentes parceiros conceituados no mundo do design, como Coseincorso, HAY, Maniera Gallery, LERRY Ceramics, entre outros. Além da vista sobre a praia, a cozinha, desenhada pelo Atelier Ternier, é uma parte icónica deste espaço. Em open space, esta divisão conta com uma ilha metálica que condiz, em perfeita harmonia, com o aparador em madeira e com toda a decoração envolvente.

Para os amantes de design, este é um espaço de inspiração. Podem encontrar parte do mobiliário e das peças de arte presentes no Paradis Apartment à venda nas galerias e estúdios parceiros. 

Projectado pelo arquitecto Thøger Binneballe, o edifício atravessou diferentes usos ao longo dos séculos, até se converter no refúgio privado do icónico hotel Art Deco Sommerro.
Os interiores assinados por Grecodeco completam o cenário idílico marcado por elaborados detalhes. A experiência, imersiva e rara, insinua-se como um déjà vu impresso no imaginário nostálgico.
A história do lugar é tecida numa trama ecléctica de estilos desde o clássico norueguês à Art Nouveau, Arts & Crafts e um pouco de Japonismo.
Situada junto ao Sommerro, a villa conta com uma entrada independente preservando a privacidade dos hóspedes, que poderão reservar a totalidade do edifício ou um dos 11 quartos e suites disponíveis. Íntima, mas opulenta, a atmosfera dos quartos explode numa profusão de tecidos luxuosos, mobiliário personalizado com detalhes únicos em marchetaria, pormenores que evocam motivos noruegueses do século XIX, tapetes feitos à mão e quartos de banho com delicados azulejos. 

Uma porta secreta embutida é a entrada para um verdadeiro paraíso, o Lost Lindenberg: mais do que um hotel, é um extraordinário e ostentoso retiro.
Para o encontrarmos, temos de nos perder. Cercado pela selva e templos, de frente para o oceano, este peculiar refúgio desdobra-se em estruturas colossais que se fundem com o ambiente ao seu redor. A experiência do retiro é oferecida em cada um dos oito quartos: duas Ocean Panorama suites, com vista directa para o mar, e seis Jungle Panorama suites, que avistam os templos e a selva. Uma imersão completa na natureza.
Ficar no Lost é uma experiência invulgar e de sonho no meio de uma floresta mística, onde o desenho da paisagem é uma extensão da pegada arquitectónica (e vice-versa). 

Este verão, a JYSK compromete-se a oferecer uma experiência única de compra, onde cada cliente pode personalizar o seu jardim ou terraço de acordo com as suas preferências, graças a uma extensa coleção de produtos que podem ser combinados para criar espaços únicos e funcionais. Esta iniciativa convida os clientes a fazer uma combinação de estilo, comodidade e qualidade a preços acessíveis, transformando qualquer espaço exterior num oásis de conforto e elegância. 
• Conjuntos de Móveis Versáteis: os móveis de jardim modulares permitem combinações infinitas. Desde sofás seccionados a mesas ajustáveis, cada peça foi concebida para se poder adaptar a diferentes estilos e necessidades.
• Soluções Inteligentes para ter Sombra: Guarda-sóis reguláveis e toldos com design elegante garantem a proteção contra o sol, permitindo desfrutar do ar livre em qualquer momento do dia.

Promoções de Verão: Oportunidades Imperdíveis
Para celebrar o início do verão e para que também possa jogar ao "Mix and Match” sem preocupações, a JYSK anuncia a campanha SALE de verão. Durante as próximas semanas, os clientes poderão aproveitar descontos significativos numa ampla seleção de artigos de jardim. Desta forma, todos podem criar o seu espaço exterior ideal sem exceder o seu orçamento, e sem renunciar à qualidade e ao design. 

Inspirado pela história da marca, o estúdio de design valenciano centrou-se nas paisagens vulcânicas do Havai para criar a primeira flagship store da marca ALOHAS, na famosa Rambla de Catalunya. “A superfície de um rio de lava, ao longo do tempo, arrefece e endurece, criando rios subterrâneos que, após a erupção, se transformam em túneis com um aspeto mágico. Este conceito geológico foi a base do nosso design”, explica Àngela Montagud, diretora do Clap Studio.

Com uma estética arrojada, a loja apresenta-se como uma gruta vulcânica, com um ambiente que combina a força da natureza e a sofisticação do design. O mobiliário metálico com formas pontiagudas simula a ferocidade da lava, contrastando com a atmosfera calma e serena do espaço. Os grandes candeeiros de teto representam as aberturas que se formam nestas grutas, ao longo do tempo.

O diálogo entre esta estética mais crua e feroz da decoração e o requinte das peças da ALOHAS, capta a essência e a dualidade da nova imagem da marca, oferecendo aos clientes uma experiência imersiva e única. O resultado deste projeto do Clap Studio é um espaço não só comercial, mas também uma paisagem interior que representa a identidade e a visão da marca de moda ALOHAS. 

Inspirado nas históricas bibliotecas belgas e dos Países Baixos, com referências subtis às mansões vitorianas, o The Watson é “um empório de cocktails curiosamente elaborados, pequenos pratos do mundo e conversas refrescantes”. Localizado em Mount Pleasant, um típico bairro cosmopolita de Vancouver, o restaurante foi renovado recentemente pelo estúdio Erica Colpitts Interior Design. Com um pé direito bastante alto, o espaço conta com zona de refeições no piso térreo e uma mezzanine mais intimista com vista privilegiada para todo o restaurante. O bar é a peça de destaque do The Watson. Com um espelho envolto num arco de bronze retroiluminado e diversas prateleiras com bebidas e antiguidades, o bar conta com uma bancada em quartzo e alguns candeeiros com um estilo mais contemporâneo.

No primeiro piso, a designer optou por combinar peças delicadas e refinadas com materiais como madeira e lã. “A madeira aparentemente envelhecida combina com os espelhos dourados e o arco do bar”, explica Erica Colpitts. “O resultado é uma mistura de materiais inesperados que funciona perfeitamente em conjunto”. A mezzanine funciona como uma sala separada, permitindo uma experiência mais exclusiva. Neste espaço predominam tons mais escuros conjugados com a madeira trabalhada, mesas em mármore e alguns pormenores em bronze.

Tirando partido da luz natural que invade o espaço nos meses de verão, Erica escolheu a cor verde como base do projeto – com diferentes variações, este tom está presente nos painéis aplicados ao longo de uma das paredes do restaurante, nos estofos dos sofás e nas cortinas de veludo que conferem à mezzanine alguma privacidade. A tonalidade da madeira também foi escolhida cuidadosamente pela designer. “Queria que a madeira tivesse uma qualidade desbotada que, aparentemente, só poderia vir da idade – algo suave e desgastado, mas não em demasia”.

Apesar da decoração dramática e impressionante, o The Watson transmite uma sensação de conforto e tranquilidade. É o local ideal para celebrar um dia normal, assim como uma ocasião especial. 

Situado no coração da cidade do Porto, a poucos passos da famosa Avenida dos Aliados, o Saboaria Boutique Hotel não quer ser apenas um lugar de passagem, mas um refúgio de paz para todos os que visitam a Invicta. Numa analogia à antiga Saboaria do Bolhão, o grupo TAMAR aliou-se ao estúdio NN Arquitectura, ao gabinete NANO design e ao Studio Eduardo Aires para, em conjunto, criarem um espaço que valorize a produção local e artesanal e convide à desconexão.

Casa longe de casa
Com 28 quartos, totalmente equipados com o máximo conforto e funcionalidade, o Boutique Hotel de 5 estrelas conjuga o abraço de casa com uma sensação constante de serenidade. Divididos por três pisos e com sete tipologias diferentes, as suas áreas variam entre 30m2 e 75m2 – alguns quartos acolhem uma ampla sala de estar, varanda com vista para o jardim ou ainda um jacuzzi.
Equipados com kitchenette e utensílios de cozinha, ar condicionado, telefone, televisão e wi-fi, todos os quartos contam ainda com um tapete de yoga, para que os hóspedes possam gozar de momentos de pura calma e tranquilidade.

No centro do jardim, o SPA do Saboaria é um dos pilares do projeto. Um verdadeiro templo do relaxamento, procura estimular os visitantes através da biocosmética, fitoterapia e aromaterapia, oferecendo uma experiência sensorial que valoriza as práticas naturais e ancestrais. As massagens, adaptadas a diferentes propósitos, variam entre tratamentos faciais, corporais e de assinatura. Com um espaço de jacuzzi e uma zona de banho turco, o Saboaria SPA abraça o jardim e a piscina exterior aquecida, transformando-se num oásis.

Edifício histórico e interiores serenos
Inspirados pela história do edifício, os fundadores do grupo TAMAR fizeram questão de transportar para a atualidade a memória desta narrativa, aliando a arte de bem receber a uma estética orgânica e cuidada.
O ponto de partida para o projeto de intervenção do edificado foi a consolidação das fachadas e paredes estruturais dos edifícios, explica Miguel Nogueira do gabinete NN Arquitectura. “Já existia um terceiro piso regulado em relação à rua neste módulo, por isso aproveitámos aquele plano para estender esse terceiro piso a todo o volume”, conta o arquiteto. Os materiais existentes conduziram o resto da narrativa: o mosaico hidráulico a preto e branco nas casas de banho e nas entradas de alguns quartos foram inspirados num dos pavimentos originais, assim como a cor das carpintarias – um género de verde pardo – que foi retirada das carpintarias originais.

Nos interiores predominam tons serenos como o verde, o castanho e o branco, que acompanham as madeiras maciças dos armários e consolas antigas, escolhidas a dedo pelo estúdio NANO design, que optou por materiais como o linho, a terracota e a palhinha para trazer aconchego a todo o espaço.
A aposta em artistas e parceiros locais faz deste Boutique Hotel um lugar especial. A área comum conta com um pequeno corner de produtos portugueses, selecionados por Filipa Alves, do Flórida Studio.

Além da oferta de atividade culturais e de bem-estar, como workshops de olaria e sabão, sessões musicais e provas de vinho, o Saboaria Boutique Hotel Porto irá abrir em breve um novo restaurante. 

Num bairro calmo e residencial, no coração de uma das cidades mais cosmopolitas de Israel, esta moradia luxuosa é o novo lar de uma grande família. Projetada de acordo com o estilo de vida do casal e dos seus seis filhos, a Villa respira ar puro e privacidade. Construída com duas das fachadas voltadas para a rua, a casa “flutuante” está rodeada por casas baixas, criando um ambiente livre e arejado.
O jardim presente no piso térreo cria uma barreira entre o exterior e o interior da moradia, à semelhança da estrutura de ferro que cobre as varandas da Villa, permitindo à família desfrutar da privacidade ao máximo. “Na área das varandas foi planeada uma importante intervenção paisagística, e as linhas modernas foram concretizadas com base num conceito antigo: pátios interiores íntimos, suspensos no ar, com janelas do chão ao teto que permitem uma vista para o exterior, permanecendo escondidas”, explica Hila Israelevitz, co-fundadora da Israelevitz Architects.

Nesta casa, o interior e o exterior comunicam como um todo – o piso superior está rodeado por loggias e o piso abaixo é envolvido por grandes janelas que permitem desfrutar do jardim, dentro de casa. “A área de lazer é rica em elementos aquáticos: um espelho de água com uma figueira-benjamim plantada ao centro e uma piscina, paralela à sala de estar, formando uma extensão direta da mesma”. O deck exterior é revestido com pedra rosa da Guatemala, um tom semelhante ao da piscina, que faz refletir as cores da água e do céu.
Tal como na música, esta Villa também apresenta uma ordem e um ritmo cuidados. Perante os elementos arquitetónicos de grande dimensão, encontram-se detalhes leves e flutuantes, equilibrando a aparência rígida e conferindo fluidez e vida à casa. “De todos os pontos de vista da moradia, o exterior, que constituiu uma parte essencial do estilo de vida da família, é visível”, acrescenta Hila.

O piso principal é constituído por apenas duas paredes – uma na cozinha e outra na sala de estar. O restante espaço está rodeado por vidro, seguro em colunas de aço destacadas em diferentes planos, dando ao piso uma aparência flutuante. A peça central deste open-space – a escada em espiral – liga as salas de jantar e de estar à zona dos quartos. As linhas curvas das escadas suavizam a estrutura geométrica e a combinação dos degraus em madeira de carvalho com o chão e o teto cinzentos, criam um equilíbrio perfeito entre flexibilidade e rigidez, calor e frescura.

“O mobiliário da cozinha integra-se no design monocromático do espaço e a madeira de nogueira acrescenta uma dimensão de calor”, explica a arquiteta. Composta por duas áreas, a ilha é revestida a pedra natural e madeira. “No lado virado para a zona de refeições, concebemos um sistema de gavetas de vidro, dando à bancada um aspeto flutuante, com os utensílios armazenados a adicionar cor e textura ao espaço”.

A moradia está dividida em três pisos – a cave, desenhada a pensar nos filhos do casal, com uma sala de cinema privada e um jardim interior; o piso térreo que contém a sala de estar e jantar; e, o terceiro piso, composto pelos quartos.
Uma arquitetura moderna e pouco convencional combinada com um design de interiores cuidado e minucioso, resulta neste trabalho – uma Villa “flutuante”, onde o exterior e interior parecem um só, sem nunca esquecer a privacidade.
 

Uma requalificação poética: inspirados pelos versos do autor madrileno José Bergamín, David Puerta e María Daroz transformaram este apartamento dos anos 80 num palco de grandiosidade e nostalgia.
Localizado em Salesas, bairro típico de Madrid onde os grandes nomes do design e da arte se reúnem, o espaço recentemente renovado encontrava-se, originalmente, fragmentado e com pouca luz – características das casas da época de 80. No projeto do Viruta Lab, a luz natural flui em todas as divisões, criando um ambiente amplo, acolhedor e luminoso.

Geometria e materiais
Feita à medida pelo estúdio de arquitetura, a peça central do projeto – um vitral com uma estrutura metálica, que lembra as discotecas dos anos 50 – permite filtrar a luz e distribuí-la suave e uniformemente pelo apartamento, transmitindo uma sensação de conforto.

O poema “Anocheció Madrid” foi o ponto de partida para esta remodelação. Transversais a todas as divisões, os armários são inspirados numa “urna de gelo”, com um tom claro e uma moldura em madeira de carvalho. A sala de estar e o quarto apresentam dois vãos, que evocam a imagem de “um diamante em veludo preto”, conseguida através da utilização de um tecido cinzento escuro, que remete para os dias de chuva na cidade de Madrid.
Em perfeita harmonia com a estética global, a cozinha, prática e minimalista, apresenta uma bancada em porcelana com um efeito de mármore dourado (também presente na casa de banho), com uma prateleira incorporada. O pavimento manteve-se o original – as tábuas tinham, inicialmente, um tom amarelado que, depois de tratado, resultou numa cor mais neutra e mate, em concordância com o novo design de interiores.

Ícones de design
Através de linhas robustas e apontamentos de cor, que contrastam com a envolvente arquitetónica, a equipa do Viruta Lab procurou criar uma estética masculina. Sobre um tapete de lã em tons acinzentados, repousam diversas peças icónicas dos anos 50 e 70. Com caráter distinto, estes ícones de design surgem como os principais protagonistas do espaço. A cor camel destaca-se, contrastando com o aço trabalhado a frio.

Dado o espaço limitado do apartamento, os arquitetos optaram por escolher mobiliário compacto, mas versátil, permitindo a sua utilização nas diferentes divisões. 

Uma das maiores e mais influentes feiras de têxteis na Ásia assinala o marco de 30 anos de existência no Centro Nacional de Exposições e Convenções (Xangai), de 14 a 16 de agosto de 2024. Com expositores da indústria de todo o mundo a prepararem-se para participar na edição de aniversário deste ano, a feira contará com pavilhões que regressam, uma nova zona de produtos e expositores de alto nível, abrangendo uma vasta gama de tecidos e muito mais.

Wilmet Shea, Diretor-Geral da Messe Frankfurt (HK) Ltd, comentou a importância atual da feira: “A organização bem sucedida de uma feira comercial deste âmbito e escala durante três décadas não foi isenta de desafios. No entanto, sempre nos esforçámos por superar as mudanças do mercado, adaptando-nos ativamente e moldando as tendências da indústria, para incentivar negócios significativos e lucrativos entre expositores e compradores. Este ano, tencionamos continuar a trabalhar com mais força, oferecendo a melhor porta de entrada para os fornecedores estrangeiros no mercado chinês de têxteis-lar e servindo como uma plataforma de negócios insubstituível para os intervenientes do sector estabelecerem contactos e explorarem potenciais oportunidades de negócio além-fronteiras”.

Celebração do 30º aniversário: crescer com a indústria
Com a marca “Intertextile” presente no mercado têxtil chinês desde 1995, a crescente procura do mercado, tanto a nível nacional como internacional, contribuiu para a consistente trajetória ascendente da Intertextile Shanghai Home Textiles - Edição de outono.
Ao utilizar tecnologias avançadas e recursos abundantes, a China conquistou a sua reputação global como um dos principais centros de fabrico de produtos têxteis para o lar. As exportações chinesas de têxteis-lar atingiram mais de 4,8 mil milhões de dólares nos primeiros dois meses de 2024, um aumento anual de 13,7%, demonstrando uma positiva recuperação. Por outro lado, a enorme população do país, juntamente com o aumento do consumo de têxteis per capita e os projectos de renovação de casas, está a proporcionar uma infinidade de oportunidades de negócio para os fornecedores internacionais descobrirem.

Zonas em destaque e pavilhões nacionais que receberão atenção colectiva
Nesta edição especial, será apresentada pela primeira vez uma nova zona de produtos, a Carpets & Rugs Zone. Com vários produtos relacionados, a procura crescente levou ao nascimento desta nova zona.
Entretanto, o muito procurado Designer Studio regressará para ajudar os compradores a atingir os objetivos de aquisição de produtos específicos. Além disso, com tapetes, cortinas, proteção solar, couro e muitos outros têxteis para o lar, todos devidamente divididos sob o mesmo teto, os compradores poderão abastecer-se eficazmente de uma gama completa de produtos.
Os pavilhões da Bélgica e da Turquia apresentarão, mais uma vez, várias séries de produtos de marcas de primeira qualidade, juntamente com uma lista abrangente de expositores nacionais e vários fornecedores internacionais autónomos que apresentarão as suas mais recentes inovações e designs.


Expositores em Destaque:
• Advansa Marketing GmbH (Alemanha
• Beijing Romin Home (China)
• Zhangjiagang Coolist Life Technology Co Ltd (China)
• Elastron Group (Portugal)
• Love Home Fabrics (Bélgica)
• Mobus Fabrics Ltd (Reino Unido)
• Morgan Fabrics (Reino Unido)
• Prestigious Textiles (Reino Unido)
• Raffinato Inc (EUA)
• Suzhou Roufang Textile Technology Co Ltd (China) 

Neste apartamento, que respira vida nova, sente-se o equilíbrio perfeito entre a história e a modernidade. Abraçando um design simples e clean, os espaços foram pensados em torno da estética original da casa, privilegiando as portas e janelas lacadas a branco com puxadores em bronze e o soalho de carvalho.

A atmosfera do apartamento reflete a sua idade e grandiosidade, assim que se entra no espaço. O verde seco, os tons de madeira e a amplitude do hall, transmitem calma e conforto a quem o visita. Através de uma paleta de cores suaves, nomeadamente brancos, beges e alguns toques de azul, rosa e verde, a sensação de serenidade é transversal a cada divisão.

Originalmente estreitas, as divisões da cozinha e sala de estar formam agora um espaço amplo, inundado pela luz natural que percorre todo o apartamento. A atenção aos detalhes manifesta-se na forma como os diferentes materiais são combinados. Na cozinha, a presença do mármore encontra-se em perfeita harmonia com o pavimento em carvalho, enriquecido pelo mobiliário minimalista presente no espaço.

Na casa de banho, o ambiente ecoa tranquilidade. Os azulejos em tons neutros, os acessórios em bronze e a utilização de materiais como madeira e betão, juntamente com a iluminação suave e subtil, reforçam a sensação de spa presente nesta divisão.

Um apartamento histórico, moderno, minimalista e acolhedor – é o resultado desta remodelação integral do espaço.

Teresa Mata “desbravou” caminho entre a floresta e o prado para conhecer melhor este projecto, fotografado por Andrew Pogue em Seattle, numa forte e visível ligação com a paisagem.
Na península de Key, no estado americano de Washington, uma residência suburbana em terreno rural envelhecia e testemunhava a passagem do tempo. A partir da estrada, um caminho de cascalho serpenteia em direcção à casa, passando por um celeiro novo. À distância, apenas um vislumbre da casa é perceptível onde a encosta se desfaz. Aproximamo-nos e, connosco, também a natureza o faz. O telhado verde surge como uma extensão do solo.
Embora a habitação influencie o fluxo do terreno ao redor, a paisagem permanece como força dominante. Imponentes abetos erguem-se como colunas majestosas à entrada.
Estacas de pinheiro e vigas de nivelamento são cuidadosamente dispostas sobre as raízes das árvores, permitindo que o edifício e a floresta compartilhem o mesmo espaço. Uma ponte estende-se até à casa, atravessando uma área ambígua que parece transitar entre a natureza e a construção. Esses pontos de encontro destacam a conexão contínua entre o ambiente construído e o natural. É uma propriedade familiar impregnada de serenidade, calor e atemporalidade, resultantes da sobreposição de materiais autênticos com meticulosa atenção aos detalhes e ao artesanato. Todos os pormenores foram pensados para fortalecer a ligação com a paisagem, por vezes íntima, por vezes expansiva. 

Foram precisos seis anos para conceber e construir esta casa na costa oeste da Austrália, assente num design intemporal e ligado à terra, graças aos seus acabamentos naturais e terrosos. Nickolas Gurtler, responsável pelo design de interiores do projeto, buscou inspiração às suas viagens a Itália e utilizou pedra natural em grandes volumes e gesso veneziano.
Perfeitamente equilibrada, a casa exala uma sensação de serenidade e energia pacífica, mas também acolhedora e povoada.
O desejo dos proprietários era reunir uma equipa de profissionais - designer de interiores, arquiteto e arquiteto paisagista - que colaborassem na criação da sua “casa para sempre”, afirma o designer de interiores Nickolas Gurtler. “Queriam-na completamente personalizada de acordo com os seus critérios específicos, o que é algo que apreciamos muito no estúdio. A oportunidade de personalizar uma casa até ao mais ínfimo pormenor foi algo a que não conseguimos resistir. Tivemos uma relação fantástica com os clientes e desenvolvemos uma estreita amizade ao longo da vida do projeto.”

Uma paleta neutra e terrosa que perdura no tempo
O design de interiores desta casa faz-se de cinzentos franceses, brancos nítidos, cinzentos escuros e castanhos. Para a decoração, Nickolas Gurtler também incorporou uma variedade de tons de verde, desde o verde militar até ao verde azeitona e floresta. Foram também utilizados bronzes suaves, castanhos e vermelhos profundos. “Estas são cores que vêm da terra e nunca passarão de moda”, diz Nickolas Gurtler. Estes tons ajudam a dar calor e vida aos materiais neutros utilizados no design de interiores.”

Materiais naturais
Pedra natural, madeira, gesso veneziano branco, aço inoxidável e outros metais prateados como ferro envelhecido, níquel e cromado escovado. “Utilizámos materiais naturais tanto quanto possível, não só porque é a nossa filosofia, mas também porque são os mais resistentes e fáceis de manter”, diz Nickolas Gurtler. “Há um luxo na utilização de materiais da terra. A combinação do seu processamento, maquinação e acabamento manual cria camadas de beleza. O gesso veneziano e o betão foram escolhidos pela sua qualidade intemporal - têm sido utilizados desde a antiguidade e continuam a parecer contemporâneos hoje em dia.” 


Design de interiores: Nickolas Gurtler
Arquitetura: Dorian Morelli
Arquitetura paisagista: Tristan Peirce
Construtor: Formview Building

Idílico na forma, vibrante em carácter e liberdade, este projecto é assinado pela designer Pernille Lind, sob o olhar de Joachim Wichmann.
Na linha costeira de Hellerup, abastado subúrbio de Copenhaga, uma rua esgueira-se até ao mar. Na encosta, surge magnífica uma moradia de arquitectura tradicional do séc. XIX. Os tempos fundem-se, os percursos ajustam-se e o futuro desenha- se numa casa de muitos mundos.
A designer de interiores dinamarquesa-tailandesa Pernille Lind assina a recuperação da moradia num estilo inconfundível, que atravessa a estética do design escandinavo e incorpora influências e materiais asiáticos.
A intervenção resultou de um processo criativo colaborativo com os proprietários, um jovem casal na casa dos 30 e 40 anos, advogada e realizador de cinema, com dois filhos pequenos.
Construída em 1895 pelo arquitecto Henrik Hagemann & Møller, a casa teve como anterior proprietário o artista Hans Voigt Steffensen, cuja filha viria a ter um papel fundamental — através da cedência de fotografias históricas — na recuperação dos ornamentos originais do telhado, da varanda e das balaustradas exteriores.
No interior, os 420 m2 distribuídos por quatro pisos sofreram profundas alterações ajustadas às necessidades e ao ritmo agitado da jovem família. A cave, utilizada anteriormente para armazenamento, conheceu outros usos com espaços de cuidado e fruição lúdica: o ginásio, a adega, a sala de jogos para crianças e o spa com sauna e banho turco completam uma existência mais contemporânea. No andar térreo, a parede entre a sala de jantar e a cozinha foi eliminada deixando espaço para uma área de convívio familiar.  

Quer prefira um ambiente acolhedor para os jantares nas noites quentes, ou apenas disfrutar das tardes relaxantes em boa companhia, a JYSK apresenta sempre uma solução.
Para que os recantos no exterior reflitam uma decoração aconchegante é importante ter em consideração o espaço que tem disponível. A marca oferece uma ampla seleção de lounge sets de várias dimensões e materiais para garantir que consegue criar o espaço ideal para si e para os seus convidados.

Espaço para toda a família
O lounge set ULLEHUSE é espaçoso e convida a jantares aconchegantes ou pausas relaxantes, sem esquecer o conforto e a elegância. O lounge set AGERMOSE é fabricado em rattan sintético e inclui um espaço de arrumação para que possa guardar as almofadas de jardim quando não estão em uso. O ULLEHUSE está disponível numa cor cinzenta muito elegante e o AGERMOSE está disponível nas agradáveis cores natural e preto clássico. 

Este espaço, em Chengdu, na China, explora as origens e identidade da marca de luxo italiana e redefine o conceito de boutique, elevando-a a uma experiência estética onde cada elemento faz parte de uma narrativa em constante mudança.
Esta loja representa uma expressão do processo criativo em si, com arranjos imprecisos e materiais em constante transformação. Em contraste com as silhuetas metropolitanas, o novo espaço da Anest Collective é uma fusão de texturas, formas e luzes, onde o aspecto “inacabado” ganha tanto valor quanto o acabado. A simplicidade do espaço teve como ponto de partida uma lógica de construção que permanece descomprometida e dá lugar à imaginação — uma influência do arquitecto canadiano Frank Gehry. 

A sexagésima Bienal de Veneza (Abril – Novembro de 2024) tem curadoria de Adriano Pedrosa — director artístico do Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand (MASP) e primeiro comissário latino-americano —, cujo conceito curatorial para esta edição foi apresentado como “Estrangeiros em Todos os Lugares”.
Este título leva-nos a questionar a presença do “outro” naquilo que declaramos como sendo o nosso território ou identidade, quando estamos fora do país que consta como o nosso local de nascimento no passaporte. O que significa esta ideia de estrangeiros em todos os lugares? Somos todos estrangeiros? Há estrangeiros onde quer que se vá e, no fundo, somos sempre estrangeiros.
O artista contemporâneo e realizador de vídeo Iván Argote, de origem colombiana mas radicado em Paris, apresenta um trabalho provocador nos jardins da Bienal que nos leva a reflectir sobre esta linha curatorial proposta para a Bienal mais reconhecida no mundo da arte. O trabalho multidisciplinar de Argote é influenciado pela resistência, desobediência civil, e é combinado com humor e inteligência. Nos seus projectos — esculturas, instalações, imagens em movimento e intervenções — Argote analisa a construção do poder e a produção da história. Interessa-se por intervir na esfera pública, ao criar esculturas e instalações de grande escala que tentam reinterpretar o status quo.
Instalada nos Giardini, Descanso mostra uma nova possibilidade onde as plantas selvagens nativas e migrantes crescem a partir do repouso horizontal da estátua de Cristóvão Colombo; esta é uma réplica da estátua que se encontra erguida em Madrid. Desta figura histórica surge uma nova vida e um novo significado, apresentando ao público diferentes perspectivas. Argote abre um novo discurso possível.

VERÓNICA DE MELLO: A arte é um meio de activismo político? Qual a mensagem que pretende transmitir?
IVÁN ARGOTE: A arte é um lugar de expressão política, poética e emocional. A arte está no centro do pensamento e do desenvolvimento humano; está relacionada com esta capacidade de alucinar e criar novos mundos e futuros. É um pensamento sensível. Eu venho de uma família de activistas; é um trabalho diferente do meu, muito concreto e ancorado num lugar, num tempo e num grupo de pessoas. Eu trabalho numa esfera mais vaga, propondo ideias para uma grande conversa que atravessa tempos e geografias. Pode fazer-se arte militante ou militância artística. Não me sinto em nenhum desses casos; sinto-me mais próximo de um ensaísta que usa a poesia para gerar um pensamento crítico sensato.
Não se trata necessariamente de uma mensagem, mas provavelmente mais de um sentimento. Como é que se sente quando se está rodeado de injustiça? Como é que se sente? O mundo de “Kasia” é governado por um espírito de dominação?
Sinto que somos mais como escritores de romances. Criamos histórias, ângulos a partir dos quais podemos olhar para a existência. Coloco questões sobre a forma como nos relacionamos uns com os outros, como nos relacionamos com as nossas histórias e cidades, e como podemos propor novas perspectivas sobre isso, utilizando os nossos próprios meios — agindo. 

Dos anos 50 aos nossos dias: o legado da modernidade
A coleção Patrimony tem sido transmitida de geração em geração sem ser afetada pelas modas ou pelas tendências. Intemporal por natureza, está naturalmente sintonizada com cada época, tendo conseguido captar o inegável espírito de modernidade que envolveu a década de 50. Esta foi uma época marcada pela efervescência criativa, pela renovação e pelo otimismo, uma década em que a moda sofreu uma grande revolução, quando o design brincava engenhosamente com curvas e linhas retas, enquanto a arquitetura se expressava principalmente através de formas puras. A Vacheron Constantin acompanhou a energia deste período com criações que se distinguem pelas suas discretas curvas e finura impressionante.

Vinte anos de elegância
O eufemismo é um exercício estilístico exigente e que a Vacheron Constantin domina na perfeição. Desde o primeiro modelo apresentado em 2004 – um Patrimony de corda manual fiel em todos os aspetos à inspiradora referência de 1957 – a coleção acolheu inúmeras complicações relojoeiras sem nunca abandonar os seus códigos de identidade. Calendário perpétuo, mostradores retrógrados, repetição de minutos, calibre ultrafino e grandes complicações relojoeiras, marcaram os últimos 20 anos sem nunca diminuir a sobriedade formal do Património.

Uma seleção de relógios que remete para a origem da coleção Patrimony
Esta seleção de relógios remete para a origem da coleção Patrimony, epítome da pureza estilística, e destaca as linhas desta coleção, expressão única da harmonia entre a excelência mecânica, a discrição estética e o conceito de "simplicidade" que caracteriza perfeitamente a Vacheron Constantin.

“Disco Volante” Relógio de bolso – 1965 (Ref. 6345)
Este relógio de bolso está em perfeita sintonia com a era dos «anos sessenta», onde o estilo por vezes assumia liberdades extravagantes. Este modelo ultrafino em ouro rosa é a versão de bolso de um relógio apelidado de «Disco-Volante» pelos colecionadores italianos. Caracteriza-se pela sua caixa biselada, também conhecida como «fio de faca» e concebida para acentuar a extrema finura do relógio, necessária para permitir a utilização do Calibre 1003. Esta referência está equipada com o lendário Calibre 1003 de corda manual de 9'''.
Em 1955, para comemorar o bicentenário da sua fundação, a Vacheron Constantin intensificou a promoção dos modelos ultrafinos, apresentando três relógios equipados com a primeira versão do movimento mecânico mais fino do mundo, o Calibre 1003. Este movimento de 120 peças é pouco maior que uma moeda com apenas 1,64 mm de espessura e continua a ser até hoje, um dos calibres mais finos do mundo.
Toda a experiência da Maison também é expressa nos acabamentos do relógio, do polimento escovado da caixa, ao acabamento polido em pedra da luneta e aos subtis efeitos de luz que atuam no mostrador prateado com raios de sol.

Relógio de pulso com bracelete – 1958 (ref. 6264)
Concebido na década de 1950, quando a elegância voltou a estar em primeiro plano, este relógio redondo convencional ultra plano personificava o estilo clássico da Vacheron Constantin, oferecendo simultaneamente uma fiabilidade excecional. A ausência de decoração com elementos estranhos e o design controlado são tudo o que é necessário, desde que cada detalhe sirva para acentuar as linhas limpas e a beleza de um design intemporal.
Este relógio em ouro amarelo de 1958, conhecido como Referência 6264 e parte da coleção privada da Maison, serviu de inspiração para a coleção “Patrimony” com a sua abordagem deliberadamente minimalista. A coleção é inteiramente composta por relógios redondos que apostam decididamente no essencial, nu estilo requintado que representa a sua força e charme. Este relógio é representado por um mostrador prateado pontuado apenas por índices radiantes. A caixa, que opta por uma ampla abertura no mostrador, está equipada com saliências muito curtas para não perturbar as formas delicadamente equilibradas e a elegância de um modelo semiplano típico desta época.
Para se ajustar ao formato estreito da caixa, este relógio apresenta um movimento de notável elegância; o movimento de corda manual calibre 1002, com segundos centrais.

Relógio de pulso com bracelete – 1976 (ref. 34001)
A referência 34001 oferece um design perfeitamente alinhado com as tendências artísticas da relojoaria dos anos 70: minimalismo estético, mostrador monocromático de um toque, asas e uma caixa fina. A ausência de decoração com elementos estranhos e o controlo do design são determinantes para acentuar as linhas limpas e a beleza de um design intemporal. Este relógio ultra plano personifica o estilo clássico da Vacheron Constantin, simultaneamente oferecendo enorme fiabilidade.
Este relógio está equipado com o calibre 1014, um movimento de corda manual ultrafino. Os seus acabamentos evidenciam a intransigência da Vacheron Constantin na abordagem à relojoaria mecânica, contando com a sofisticação estética como um dos seus maiores trunfos.

A exposição pode ser visitada até ao dia 6 de maio de 2024. 

Propriedade de uma família local, o conceito do Arbaso nasceu da vontade de três irmãs convidarem os viajantes a mergulhar na essência da cultura basca ao mesmo tempo que usufruem de uma atmosfera autêntica e de um serviço altamente exclusivo.
A sensação de chegar a casa pressente-se de imediato na recepção. O aroma e o som do crepitar da madeira, a grande mesa comum a lembrar as sociedades gastronómicas tradicionais bascas, tudo respira memória e identidade vibrante.

O edifício histórico de cinco pisos alberga 50 quartos, entre os quais dúplex com lareira e espaçosas suites de pé-direito duplo com vistas para a catedral. O projecto de arquitectura de interiores assinado pela FIARK Arquitectos reúne sofisticação e acolhimento. Peças de design assinadas por Charles Eames ou Norman Foster cruzam-se amiúde com elementos desenhados e produzidos no País Basco, como as cadeiras de Rafael Moneo desenhadas originalmente para uma igreja local ou as mesas e secretárias produzidas em Vitoria pela Arkaia.  

O estúdio Punto Zero concretizou o projeto de renovação deste apartamento num edifício do século XVII no bairro de Monti, trabalhando sobre a sequência existente dos três espaços em que a casa está inserida. Os arquitetos criaram um espaço novo com uma atmosfera clara, iluminada por apontamentos de cor de bloco, e que apresenta “duas almas diferentes: a casa ‘pública’, luminosa e aberta, com vista para uma pequena rua do bairro, e a casa ‘privada’, mais íntima, que pertence a pequenas janelas nos pátios internos e nos telhados do bairro. “As duas casas permanecem em ligação visual e espacial entre si” - explicam os arquitetos.

Assim, a primeira sala de estar abriga uma cápsula rosa e azul concebida como um canto de leitura, juntamente com um roupeiro de parede e uma pequena casa de banho de hóspedes em tons de verde.
Continuando, a sala de jantar apresenta um pavimento redesenhado com a “cementina” original elevada de acordo com a nova planta, que deixa depois espaço à resina monocromática, para marcar a transição para a cozinha, enquadrada por uma passagem envidraçada.
Dois totens em azul-cobalto que contêm o frigorífico e o forno - chamados, em tom de brincadeira, “Scilla e Cariddi” - acolhem-nos à entrada.
No final da sequência, encontramos o quarto, um espaço fundamental que engloba a zona da cama e um armário que o divide da casa de banho privativa.

Para sublinhar a ligação com a densa história da antiga arquitetura, alguns elementos originais, como pavimentos, tetos e portas, foram recuperados e reintegrados no projeto, e postos em diálogo com novas presenças, plásticos e cromados, “numa amálgama vibrante que ecoa o cinema irónico, excessivo, romântico e nostálgico de Almodóvar”. 

Datada de 1910, a casa foi submetida a uma renovação transformadora em várias fases pela Measured Architecture (projeto de arquitetura) e Paul Sangha Creative (projeto de arquitetura paisagista). Preservando o encanto histórico da estrutura original, uma nova e moderna estrutura cúbica revestida a aço entrelaça-se harmoniosamente com o passado. Os esforços de colaboração criaram uma área semelhante a um jardim botânico, estabelecendo um fluxo fluido entre os espaços interiores e exteriores. Um passeio pela natureza liga, então, a varanda da casa principal, a piscina e a casa da piscina. O resultado é um santuário sustentável e harmonioso onde a arquitetura e o paisagismo se complementam na perfeição.

Harmonizando a história com a modernidade, a abordagem faseada da equipa consistiu na revitalização de uma casa clássica de 418 m2 - um design quadrangular intemporal. A Measured Architecture equilibrou perfeitamente a preservação do património, completando primeiro o interior, permitindo aos clientes desfrutar da sua casa durante o processo de rejuvenescimento da paisagem. Quatro quartos contornam uma escadaria central, proporcionando vistas da frente para a parte de trás da estrutura. O charme histórico da fachada frontal foi orgulhosamente mantido, enquanto as intervenções contemporâneas inovadoras redefiniram as traseiras da casa, reforçando a fusão perfeita entre tradição e design de vanguarda.
Uma parede interior foi substituída por um átrio aberto que abrange os quatro níveis da casa e apresenta uma faixa de vidro ininterrupta que unifica a fachada traseira e se transforma numa parede de lanternas iluminadas à noite. Durante o dia, esta faixa inunda a casa com luz natural e permite vistas desde a porta da frente até ao pátio das traseiras, passando por uma escadaria de aço contemporânea de quatro pisos.
Em contraste com a preservação de grande parte do aspeto exterior original da casa principal, a pedra angular da segunda fase do projeto foi uma estrutura cúbica moderna, revestida a aço. A parte superior alberga uma garagem para dois carros e um sistema de armazenamento de bicicletas montado na parede. Por baixo, a casa da piscina destaca-se como uma forma geométrica modernista em ângulo perpendicular à borda da piscina infinita. A parte exterior superior da estrutura está revestida de espelhos, o que não só camufla os veículos estacionados no interior da garagem, como também multiplica eficazmente as exuberantes plantas do quintal. Painéis solares pretos foram integrados no topo da estrutura para aquecer a piscina durante as quatro estações do ano.

Uma visão paisagística inspirada nos lagos e oceanos do Noroeste do Pacífico
“O nosso objetivo era criar uma série de zonas diversas que coexistissem harmoniosamente sob um conceito de design unificado", afirma Paul Sangha, arquiteto paisagista principal e fundador do Paul Sangha Creative. Estas zonas incluem plantações formais que se alinham com as diretrizes de design do património do bairro, uma área de campo desportivo e um pavilhão para lazer, um passadiço que liga a varanda à garagem, um espaço de lounge tranquilo à beira da piscina e um passadiço que conduz a uma estrutura de jogos e à casa da piscina, tudo isto aninhado numa área arborizada.
Inspirado pelas cores serenas dos lagos e oceanos do noroeste do Pacífico, o estúdio de arquitetura paisagista selecionou cuidadosamente uma paleta de cores que exalasse uma sensação de harmonia em toda a propriedade. Ao adotar materiais neutros, permitiu que a paisagem suave tivesse um impacto visual mais forte.
"A vegetação existente é preservada e melhorada com uma variedade de plantas indígenas, adotando os princípios de rewilding sempre que possível para minimizar o consumo de água, a utilização de pesticidas e a necessidade de fertilizantes, promovendo simultaneamente o equilíbrio ecológico", afirma Paul Sangha.

Um projeto de sucesso reconhecido como uma referência
Elogiado como um projeto que fez tudo o que estava certo para preservar uma casa histórica existente, ao mesmo tempo que a transportava para o futuro, esta casa tornou-se um projeto de referência na cidade de Vancouver, tendo sido galardoada com um Prémio Especial do Júri do Architectural Institute of BC (AIBC) para a Conservação e Modernização do Património. 

“Como mediterrânicos, trazemos nos nossos genes a tradição de apreciar as coisas simples e a relação com o ambiente. Seguindo o sábio conselho de Groucho Marx, compreendemos que a boa vida não se resume a luxos extravagantes, mas sim a desfrutar das pequenas alegrias quotidianas. E que melhor maneira de o fazer do que no conforto do nosso próprio espaço exterior?”

Foi com esta premissa em mente que a marca Andreu World apresentou a nova coleção de mobiliário exterior, um convite para desfrutar a vida ao ar livre e o sol quente do Mediterrâneo. No centro da filosofia da marca está o compromisso com a sustentabilidade, reconhecendo que a preservação do ambiente é essencial para garantir a continuidade destes momentos de felicidade. Por isso, a coleção destaca a responsabilidade ambiental e a durabilidade em cada peça.

Siesta, de Lievore Altherr Molina
A versatilidade de Siesta é uma homenagem ao conforto, à modularidade e à beleza no seu melhor. A sua estrutura em aço, especialmente tratada para resistir aos rigores do exterior, garante uma durabilidade excecional. Com módulos de um só lugar, unidades de canto e apoios para os pés, Siesta oferece infinitas possibilidades de configuração para se adaptar a qualquer espaço e ocasião.

Depois de inaugurarem a primeira loja em Valência (2015), o novo espaço nasce no coração de Madrid, dando continuidade ao projeto de colaboração entre o estúdio valenciano Paloma Bau Estudio e a marca.

Liderado pela arquiteta e designer de interiores Paloma Bau, o estúdio valenciano materializou um projeto inovador inspirado na câmara escura de Richter para o espaço inaugural do Carmencita Film Lab em Madrid. O espaço, com 80m2, funciona como um dispositivo ancestral onde a luz exterior se funde com uma pele interior perimetral.

À semelhança de uma câmara escura, que distorce a imagem quando projetada no interior, o acesso ao local é feito através de uma lente côncava - uma abertura de entrada no espaço, criada por um grande espelho curvo que distorce o reflexo e oferece uma experiência visual única. No interior, uma pele têxtil perimetral recebe, projetadas, algumas das imagens mais icónicas do Carmencita Film Lab.

O mobiliário, feito à medida para o espaço, inspirou-se no processo da linha de montagem e oferece várias opções de utilização: expositores, zonas de espera, arrumos e balcões. Através de uma pequena perfuração no pavimento, acede-se a uma cave de 30m2 que acolhe uma galeria de obras selecionadas, transportando os visitantes para uma câmara escura.

O atelier criou, assim, um espaço que não só satisfaz as necessidades básicas da marca, em termos de armazenamento, exposição e atendimento ao cliente, como também gera uma experiência abrangente e imersiva para quem o visita. Para além da imponente lente de acesso, um photobooth aguarda os visitantes, convidando-os a desfrutar de uma imersão 100% analógica, em perfeita sintonia com os valores do Carmencita Film Lab.

Respeitando a identidade da marca, a equipa do Paloma Bau procurou uma estética sóbria e intemporal que se reflete na escolha de materiais crus e naturais, como a madeira de iroko, a pedra, a juta, o algodão e a cor "negativa".
As peças de mobiliário, fabricadas em madeira de iroko lacada com acabamento em microcimento, sobrepõem-se e ligam-se para se deslocarem e rodarem num eixo de acordo com as necessidades do estabelecimento. O mobiliário é complementado por peças de design clássico, como o candeeiro TMM de Miguel Milá para a Santa & Cole, e por várias plantas. Além disso, a iluminação técnica foi fornecida pela Arkoslight e os candeeiros suspensos distribuídos do chão ao teto foram concebidos por Paloma Bau com tubos LED.

Para concluir esta experiência de imersão no universo do Carmencita Film Lab, o estúdio optou por realizar uma sessão fotográfica do espaço em formato analógico, pelo fotógrafo Jorge Peiró.  

Aconselhamos a todos que por acaso forem ver a maior feira do mundo de relógios adicionar na agenda a visita à loja da Patek Philippe, onde no penúltimo andar apresenta uma coleção de 82 exemplares únicos e realizados em tributo aos artesãos da casa. Uma exposição que já vem sendo preparada nestes últimos 3 anos e que estará patente em Genebra até dia 27 deste mês de Abril, seguindo depois para a loja principal da marca em Londres de 7 a 16 de Junho.
As criações apresentadas passam pela aplicação da marqueteria em miniatura, a fixação de pedras preciosas, pelo ‘Guilloché’ e pelas técnicas de esmaltagem acabando na delicada arte de gravação, tudo técnicas ancestrais de controlo humano e que resultam em exemplares de relojoaria sem precedentes.
A exposição mostra igualmente os artesãos a realizarem as diferentes técnicas no local, e a apresentação com expositores criados em função dos temas que são no mínimo de deslumbrar qualquer apreciador do belo e muito especial. 

Originária dos Países Baixos, onde vive atualmente, a artista Eva Hendriks cria imponentes peças de parede, monocromáticas e palpáveis, com materiais brutos como gesso, madeira, aço e areia. "Tudo está em movimento", diz Hendriks. "É isso que quero tornar tangível com o meu trabalho e recordar-nos constantemente".

Seguir o caminho da arte foi muito natural. Eva cresceu com uma mãe que escrevia poesia, pintava, e que integrou desde cedo a arte como parte da educação dos filhos. “Quando era mais nova, tinha dois sonhos: viajar pelo mundo e frequentar uma escola de artes para me tornar artista ou designer de moda. Sempre fui muito criativa e queria encontrar uma forma de ganhar a vida a fazer isso."
Durante mais de uma década viveu um pouco por todo o mundo, desde Antígua (na Guatemala) e Barcelona, até Banguecoque e Xangai. E, nessa altura, apesar de a arte não ser o seu trabalho diário, encontrou sempre cursos ou artesãos locais que a orientavam para aprender um ofício local. “Era uma forma de aprender a língua, a cultura e o poder da arte de uma perspetiva diferente."

Continuou a desenhar e a pintar durante toda a vida e, quando regressou aos Países Baixos, concentrou-se em transformações imobiliárias, o que a levou a querer explorar o trabalho com aço, areia, madeira e resina. Quando estava grávida do seu quinto filho, percebeu que a arte se tinha tornado parte essencial da sua existência. Criou ligações, ultrapassou barreiras, tornou-se uma forma de comunicar e de satisfazer uma inquietação e uma vontade incessante de aprender e explorar. Optar por deixar o trabalho no sector imobiliário acabou por ser uma das decisões mais simples que tomou.

O seu processo criativo é “um equilíbrio ténue entre a preparação e a liberdade dos materiais”. Eva começa por fazer esboços e desenhos para trabalhar as suas ideias, e depois há uma fase de pesquisa de materiais. "Cada coleção representa o equilíbrio entre o meu esboço inicial e o quanto posso controlar o material com que trabalho", afirma Eva. "No final, há uma parte que não consigo controlar, o que muitas vezes leva à arte mais bonita."  

A remodelação desta casa esteve a cargo do arquiteto Francisco Barosa, do atelier de arquitetura Ocaso Studio que teve como ponto de partida transformar o apartamento num lugar tranquilo e sereno, “uma atmosfera distinta alcançada pela busca da paz e introspecção.” Partindo da construção existente predefinida, o apartamento foi redesenhado e simplificado, maximizando-se a entrada de luz natural e criando uma arquitetura minimalista que busca a transformação e organização espacial.

“A essência, abstração e pureza são o leitmotiv para pensar no projeto. A escolha dos materiais, a paleta de cores limitada e a combinação de acabamentos transmitem ao apartamento a serenidade tão evidente no Restelo.”

Predominam os tons neutros e a madeira, que reforçam a tranquilidade. A máxima atenção ao detalhe, assim como os acabamentos simples e minimalistas, realçam o carácter contemporâneo do projeto. As amplas janelas estabelecem um diálogo com a paisagem, mantendo-nos em permanente contacto com o exterior, com o rio, a Sul, e a floresta, a Norte.
Nas áreas sociais foram desenhados espaços abertos e interligados, encerrados através de portas de correr, permitindo integração e harmonia entre eles. Esta ambiguidade, juntamente com uma arquitectura meticulosamente desenhada, não só melhora a funcionalidade dos espaços, como também separa as zonas comuns das privadas, criando universos distintos. Os espaços interiores, meticulosamente desenhados, elevam o projeto, enfatizando o bem-estar.

A atenção aos detalhes vai ao encontro do desenho rigoroso das portas, armários e mobiliário, atribuindo formalidade à habitação, elegendo a simplicidade como virtude. Aqui, o rigor da arquitectura, em combinação com a linguagem sensual dos ambientes, forma a essência e o sucesso do lugar.  

Situado mesmo no coração da capital britânica, o acolhedor pied-à-terre tem uma charmosa lareira vitoriana, mobiliário contemporâneo, sublimes obras de arte e peças personalizadas da famosa designer de interiores Olga Ashby e um terraço único no telhado.
O edifício principal, em estuque branco, data de finais do século XIX. O pequeno apartamento de 68 metros quadrados acolhe uma cozinha e sala de estar em openspace, dois quartos e um terraço. "É um lugar mágico, um santuário de paz e calma no meio de uma das zonas mais exclusivas de Londres", diz a proprietária. Camila Clarke, a proprietária, nasceu em Bogotá, na Colômbia, e cresceu em Londres e Washington DC. Atualmente, vive e trabalha em Silicon Valley, na Califórnia, e utiliza este apartamento na capital britânica como seu pied-à-terre. "Sempre fui uma cidadã do mundo, e é por isso que a energia de Londres - e a sua natureza sofisticada e internacional - sempre me atraiu."

A luz natural preenche o apartamento em diferentes horas do dia; o pavimento, em mármore e madeira, tornam-no ainda mais charmoso; e a lareira vitoriana exala o glamour do velho mundo que não deixa ninguém indiferente.
Olga Ashby, designer de interiores do projeto,seguiu as indicações da proprietária para conseguir " um visual intemporal mas moderno, um espaço aberto e acolhedor que fosse muito habitável e que permitisse receber hóspedes”. “Misturámos um pouco de designs italianos icónicos com decoração escandinava e características britânicas tradicionais.", diz.
As paredes e os tectos adoptaram um esquema de cores unificado, envolvendo o espaço num abraço reconfortante. O pavimento e o mobiliário feito à medida misturam artisticamente mármore travertino e carvalho branqueado, enquanto as paredes exalam luxo através de uma combinação de texturas de seda e camurça. Para os estofos, a designer de interiores optou por uma combinação de veludos, linhos e bouclé. A cuidadosa seleção de tecidos torna a casa acolhedora e, ao mesmo tempo, elegante e visualmente interessante. 

ALEXANDRA NOVO: Como surgiu o fascínio pela impressão de papel de parede em placa e o interesse em ressuscitar técnicas dos séculos XVIII e XIX?
FRANÇOIS-XAVIER RICHARD: As técnicas de impressão em chapa encontram-se na encruzilhada dos mundos da gravura, do papel, da pintura, do design gráfico, do livro, do objecto. E tudo isso através de um mesmo meio: o papel. O que me fascinou, sem que inicialmente me apercebesse, foi o papel, daí a noção de “ennoblisseur de papier” (enobrecedor de papel).
O diálogo do papel com a arquitectura de interiores é a verdadeira fonte da minha pesquisa. Quanto às técnicas antigas, atrai-me a força carnal que oferecem num mundo digitalizado. Assim como o papel, uma matéria ancestral e incubadora de cultura.

A investigação ocupa um lugar de destaque nas actividades do atelier. Para além das técnicas ancestrais, que técnicas inovadoras foram introduzidas? De que forma é que estas se ajustam às aplicações contemporâneas no âmbito das artes e do design de interiores? Esperamos oferecer uma abordagem diferente do papel na decoração, fazendo com que a arte, o design e o artesanato se cruzem sem tabus, promovendo o diálogo entre o objecto e a parede, a inteligência e a mão. Através de uma exploração sem fronteiras da matéria — o papel — procuramos encontrar um significado específico, uma linguagem, uma história que desejamos contar sobre o ser humano, para o ser humano. Encarnar o pensamento, o imaginário, é quase uma inovação nos dias de hoje.
Além disso, procuramos atender às expectativas sociais sobre a forma de consumir e perceber o mundo, adoptando uma abordagem ecológica com um espírito de sustentabilidade. As técnicas antigas, abordadas com um olhar contemporâneo, tornam-se inovadoras e surpreendentes. Gostamos de transgredir alguns códigos, frequentemente desnecessários.

A residência artística em Villa Kujoyama, em Kyoto, foca-se no som do papel. Em que consistiu esta abordagem/intervenção? O papel tem alma? Que significado vive por trás desse som? O papel é o espelho fosco da nossa alma. O papel é um confidente, a pele do nosso imaginário, dos nossos pensamentos. Concedo-lhe um poder místico. O som é uma forma de explorar a fibra do papel, de ir à fonte da nossa memória, do nosso imaginário.
O órgão de papéis é um espaço sonoro que propõe uma arquitectura de papel a vários artistas (músicos, actores, video makers, artistas plásticos, bailarinos) para explorar a sua linguagem. 

Esta residência é a mistura perfeita entre o charme rural e a elegância contemporânea. Abraçando um design centrado no mobiliário, os espaços foram meticulosamente moldados em torno dos emaranhados padrões de pedra. Combinada com madeira natural e estuque tom de creme, a pedra preta sombria confere um encanto moderno à casa.

A designer de interiores, Corinne Mathern, quis criar uma casa calma e inspiradora, que fosse uma tela para a vida dos proprietários. "O nosso cliente tinha desenhado várias peças em toda a casa, que nós adorámos, e nas quais nos inspirámos", diz Mathern. "O candeeiro junto ao sofá azul Michael Taylor e a mesa de centro na sala de estar eram dele, entre outras peças espalhadas pela casa".
"A minha fotografia preferida é a do "lavabo" que tem um incrível lavatório em pedra esculpida que o nosso cliente tinha feito anteriormente; combinámo-lo com uma mesa simples e personalizada e arandelas para o deixar brilhar. ADORO essa divisão", diz Mathern.
A arte e o artesanato foram fundamentais. A coleção de mobiliário icónico que os proprietários já possuíam foi uma base fantástica para criar um briefing. “Senti a "faísca" que sinto com um cliente e uma casa quando sei que é um projeto para o qual eu e a minha equipa nos adequamos melhor e que podemos tornar realidade", diz Mathern.

Paleta de cores
As cores da casa são em tons de madeira natural, estuque creme suave e camadas de pedra e azulejos pretos sombrios, trazendo uma sensação de sofisticação e uma estética moderna. Um sofá original de Michael Taylor (um influente designer de interiores americano de meados do século XX) foi estofado num mohair Pierre Frey azul-celeste, que acaba por ser o único apontamento de cor introduzido na casa.  

Situado no vale Garonne, na região de Bordéus, o Château Marcellus ergue-se imponente entre vinhedos numa extensa propriedade de 35 hectares. É aqui que os campos alcançam o horizonte a perder de vista, os jardins perfumados incendeiam primaveras, a piscina mergulha na serenidade estival e as experiências gastronómicas revivem a exuberância da corte francesa.
O castelo, residência do casal, compreende ainda uma área destinada a receber hóspedes em busca de uma experiência gloriosa. O processo de renovação iniciou-se em 2020 com o compromisso de se preservar a memória e construir um futuro auspicioso.
A propriedade e o castelo pertenceram ao rei Henrique IV até 1581, mas o actual edifício foi construído entre 1773 e 1775. A escala opulenta, a simplicidade das formas geométricas e os detalhes inspirados na arquitectura grega e romana testemunham a elegância e a nobreza do estilo neoclássico do edifício. Uma enorme profusão de antiguidades, esculturas e peças de arquitectura originais do séc. XVI ao XIX povoam o interior numa espécie de acervo museológico fornecido pela Origines, empresa de Samuel.
A história do castelo foi o ponto de partida para o casal desenhar uma narrativa fabulosa, fruto da sua paixão pelo passado. Catherine esteve particularmente envolvida na decoração. A casa falou por si lançando pistas subtis para o redesenho dos espaços. No sótão, encontrou tecidos de seda costurados à mão no início do séc. XIX. Com eles criou uma peça original, que hoje enfeita a cama com dossel, no quarto do casal. A cor original das paredes foi recuperada com paciência e habilidade na manipulação de corantes.  

Em 2017, a Rolex selou uma parceria com a Academia de Artes e Ciências Cinematográficas, tornando-se Exclusive Watch of the Academy, Proud Sponsor of the Oscars® e Exclusive Sponsor of the Governors Awards. A marca promove, assim, a excelência, o perpetuar do conhecimento, a conservação da arte e a exposição de novos talentos. A missão da Academia consiste em celebrar todos os aspetos da indústria cinematográfica, preservar o seu legado para as gerações futuras, inspirando e conectando audiências globais através da sua paixão pelo cinema. Esta parceria reforça a convergência dos valores partilhados pela Rolex e pelas artes cinematográficas.

Na linha desta parceria, a Rolex passou também a assinar a Greenroom no Dolby Theatre, um espaço de convívio onde os nomeados e apresentadores costumam reunir-se antes e depois da entrega dos Óscares. Pensada para ser uma experiência imersiva para a qual a Rolex desenvolve, anualmente, uma decoração original, esta sala responde sempre a um tema pré-definido. Em 2024 a marca representou o mundo vegetal, leve e delicado, utilizando a imagem dos leques como inspiração. O conceito integra elementos essenciais da natureza - estruturas orgânicas e clorofila - e pretende criar harmonia através de um universo cromático. Neste espaço, a utilização de materiais - fibras, cerâmica, vidro - todos de origem sustentável, privilegia um trabalho artesanal de excelência.

Na pertença actual do AT Group, que detém já algumas unidades hoteleiras na capital com a marca My Story Hotels, e cujas actividades económicas passam por outros desafios, bens e produtos, inicia desta forma, com o mais recente Art Legacy Hotel, a entrada no ramo de hotelaria de excelência com cinco estrelas, um desafio bem mais complexo e exigente, como nos confidenciou Acácio Teixeira, CEO do AT Group.
Para Luís Rebelo de Andrade, responsável pela recuperação do edifício, nada mais claro seria senão voltar a devolver ao prédio o seu esplendor e glamour de outrora. Com base nas pesquisas fotográficas existentes, o atelier Rebelo de Andrade não só recuperou e restaurou as fachadas do edifício pombalino, como reorganizou todos os interiores para hoje albergar 53 quartos e o restaurante Áurea, aberto ao público. São igualmente da sua autoria todos os interiores e decoração do espaço; e aqui surge a história da empresa holandesa Moooi como protagonista exclusivo (com excepção das camas) para preencher e dar alma a este hotel. 

A casa ergue-se numa planta de base quadrada com janelas voltadas a Sul e outras a Norte. A estrutura da habitação original foi condicionada pelo poço de ventilação do edifício, na zona central, cuja existência tinha de ser respeitada. Paralelamente, foram identificadas várias colunas estruturais que se pretendia esconder. A solução passou por criar uma peça de madeira identitária e esteticamente apelativa, que passaria a albergar a zona de serviços (quartos de banho, armazenamento e adega), assumindo a sua existência como parte integrante da casa. Revestido com ripas de madeira de Etimoe totalmente artesanal, este elemento começa por definir o carácter orgânico do espaço. Toda a carpintaria foi feita sob medida e as ripas que compõem o volume foram instaladas uma a uma ao longo de várias semanas, de forma a não se perder a verticalidade da composição. O novo design é protagonizado pelo cubo em madeira, a partir do qual se sucedem percursos de circulação dinâmicos e flexíveis. Recorrendo a portas de correr é possível compartimentar ou abrir as divisões, separando as áreas públicas das privadas sempre que desejado. O chão, em madeira de tonalidade mais clara, suaviza a atmosfera num equilíbrio visual.  

Imagine-se no interior de uma casa, rodeado por 35 hectares de floresta e prados ondulantes, como que acolhido num casulo e envolto em vistas de tirar o fôlego. Se isto não é um gatilho para desencadear doses generosas de criatividade, não sabemos o que mais poderá ser. Na verdade, foi a procura de um espaço com essas características que levou os proprietários — um casal de escritores e donos de uma editora discográfica independente — a desejar construir esta casa, perto de Wilson, no Wyoming.
Aos arquitectos do colectivo CLB Architects e aos designers de interiores do HSH Interiors coube a tarefa de desenhar o espaço que deveria ser orientado para a natureza e catalisador de um trabalho criativo, uma vez que os proprietários queriam aqui encontrar um lugar para prosseguir a sua prática de escrita. O resultado foram três estruturas simples e em forma de caixas, que pontuam o bosque de choupos e que acolhem a casa principal, a casa de hóspedes e o estúdio do escritor.
A casa principal foi concebida como um vestígio geológico na paisagem, localizada no limite entre o campo e a floresta. A casa de hóspedes e o estúdio do escritor estão aninhados mais intimamente no ambiente arborizado. Uma quarta estrutura, de cariz espiritual, será ainda construída mais a Sul. A arquitectura é aberta, com vistas deslumbrantes para as montanhas do Parque Nacional de Grand Teton, deixando a fauna e a flora natural entrar portas dentro, e permitindo que os interiores comunguem com as florestas e prados.
De planta rectilínea, a casa principal parece agarrar-se às árvores que a rodeiam. A sua linguagem, em perfeita consonância com a paisagem, é uma qualidade dinâmica que, segundo os autores, é aprofundada no exterior em Shou Sugi Ban — uma técnica tradicional japonesa em que a madeira é carbonizada.  

GOB17 é sobre transição, sobre movimento. Trocar a "Big Apple" pelo Mediterrâneo é mais do que um ato de vontade, é um desafio complexo. Ultimamente, cada vez mais pessoas decidem atravessar o oceano para começar uma nova vida, e muitas delas escolhem uma cidade que supera os rankings sobre as melhores cidades para se viver: Valência, uma cidade acolhedora e fácil de percorrer, com um clima imaculado e uma enorme tradição festiva.
Vivemos nas cidades num determinado momento da sua história. Elas crescem e mudam como as pessoas que nelas vivem, num movimento constante que nos obriga a mudar com elas. Os protagonistas desta história, uma família formada por um casal e um cãozinho brincalhão, decidiram que era o momento certo para trocar o racionalismo calculado do meio século americano pelo palimpsesto cultural mediterrânico.
Encontrar um bom ponto de partida foi crucial. O perfeito é sempre antes da compra, para que nenhuma característica oculta possa condicionar o resultado. Depois de um bom briefing e de um estudo pormenorizado das necessidades, começou a procura. Foram visitados vários imóveis até que surgiu o escolhido, um "rara avis" dentro do Bairro Histórico. Perto do parque do rio Túria, um edifício nobre do século XIX ergue-se numa esquina particular com duas fachadas principais e um pátio interior cheio de árvores. A sua distribuição original, caótica e retorcida, adapta-se ao local singular, alimentando-se da envolvente e reclamando o seu lugar. É curioso pensar que este tipo de espaços singulares e erráticos foram os que, na mesma época, os comissários Randel jr, Morris, Rutherfurd e De Witt tenderam a evitar para o desenho do Loteamento de Manhattan. A grelha assegurava as mesmas condições de luz e ar para todos os edifícios, perfeitamente racional, mas sem espaço para improvisação.
Este projeto pretende ligar todos estes elementos, fazendo não só com que os espaços estejam visualmente ligados, mas criando uma dinâmica em torno do espaço. Dois volumes principais organizam-no, dando as boas-vindas ao visitante, apontando a vista, e permitindo que a presença dura e lapidosa da cidade penetre na natureza orgânica e verdejante do interior. Relacionam-se com alguma distância com a construção pré-existente, deixando expostas as estruturas originais.
A materialidade é complexa e assenta numa dualidade complementar. Por um lado, a construção original, sólida e pesada, remete para um espaço central como um peristilo romano. Este espaço fechado é permeável à luz, à visão e ao movimento, permitindo-lhe jogar com as transições entre os espaços. Estes elementos pré-existentes têm um acabamento branco mate abstrato para equilibrar o peso e torná-lo atemporal. Por outro lado, os elementos introduzidos têm uma abordagem mais contemporânea e sóbria. O pavimento e os armários feitos à medida suportam toda a funcionalidade, mantendo uma sensação de calor. Isto é conseguido através de uma paleta de materiais naturais, não só para realçar o carácter nobre do edifício, mas também para proporcionar uma experiência tátil completa. Folheado de carvalho nas peças de mobiliário integradas, pavimento com acabamento em palha de terracota, tons de marfim do quartzito que combinam o tom da madeira com as paredes brancas pré-existentes e, por fim, os pormenores em latão. No seu conjunto, criam uma harmonia de tons dourados refletidos no acabamento branco da construção original, retroalimentando-se mutuamente e integrando a história do local na nova narrativa que trará as novas personagens. 

O exterior em estuque, a decoração interior e as obras de arte combinam na perfeição com a paleta de cores do deserto e são inspirados no artesanato tradicional do México e do Sudoeste dos EUA.
Localizado a cerca de 30 minutos do Parque Nacional Joshua Tree, oferecendo paisagens e pores-do-sol de cortar a respiração, The Bust'n B Ranch – que foi outrora um rancho – apresenta um design que nos coloca em permanente contacto com a envolvente. Originalmente construída em 2003, a casa foi totalmente remodelada em 2023 e assume um estilo com influências do México, da Califórnia e do Arizona, misturando muitos elementos do artesanato tradicional com um toque de modernidade.
A transformação completa da casa apresenta muitas peças à medida, produzidas por artesãos e artistas, mostrando o autêntico savoir-faire com um toque contemporâneo numa atmosfera acolhedora.

“Esta casa reflete uma mistura de carácter do velho mundo e uma perspetiva moderna", diz o designer de interiores Sydney Ballesteros. "É acolhedora, mas requintada. Assente no deserto elevado, sente-se a consideração cuidadosa do lugar e da luz natural, bem como uma ligação aos materiais da terra e camadas culturais, património e textura encontrados na seleção curada de objetos de design e escolhas de acabamento. O projeto oferece uma apreciação da paisagem simples de um mundo sem interrupções que existia antes de nós.", afirma.

O resultado é um refúgio rejuvenescedor, perfeito para escapadelas de fim de semana ou viagens de férias. 

Arquitetonicamente, a casa adapta-se ao local, com dois volumes sobrepostos que se integram perfeitamente no terreno. No interior, as numerosas aberturas para a luz natural permitem que os residentes estejam sempre perfeitamente conectados com a natureza. Os espaços comuns da Uetikon, como a sala de estar, a sala de jantar e a cozinha, abrem-se também para uma vista deslumbrante de um espelho de água sobre o lago, dando a ilusão de continuidade com a paisagem circundante. Os quartos, por sua vez, estão estrategicamente posicionados, para estarem o mais ligados possível ao exterior. 

Localizado no centro de Manhattan, num edifício histórico que já foi a sede da Tiffany & Company, o loft foi transformado com cores arrojadas e papéis de parede que combinam com peças esculturais. No bairro de Flatiron, em Nova Iorque, o apartamento está situado num icónico edifício residencial com vista para a Union Square, em Manhattan. Originalmente a sede da Tiffany & Company, a estrutura histórica projetada por John Kellum (1809-1871) remonta ao final do século XIX. Na década de 2000, foi rematado com mais seis andares de apartamentos totalmente em vidro, projetados por Eran Chen do estúdio de arquitetura ODA, misturando o antigo e o novo através da combinação de ferro fundido e vidro.

Atualmente, o edifício é composto por 12 andares e 36 habitações, com espaços de lazer (incluindo uma sala de massagens, sauna, piscina, estúdio de ioga, etc.) e uma linha exclusiva de utensílios de cozinha e casa de banho fabricados pela Sherle Wagner.
Este loft com pé-direito duplo, cujo proprietário é um jovem de 29 anos ligado à moda e à tecnologia, apresenta uma clara preocupação com o design e a escolha dos materiais, refletindo o estilo de vida do cliente. Predominam os tons azuis – cor de eleição do proprietário –, que foram incorporados em toda a casa sem, no entanto, dominar o espaço. Apostou-se nos papeis de parede e na exploração da cor, criando uma sensação de conforto e, ao mesmo tempo, trazendo para o apartamento uma vibração jovem, alegre, perfeita para receber amigos. Por exemplo, no espaço adjacente à sala de estar, onde estava originalmente um quarto, encontramos agora a sala perfeita para receber visitas para filmes e cocktails.
As vistas para o parque, acrescentam um toque poético, romântico ao apartamento, e as parede enormes são o cenário perfeito para exibir obras de arte. A cozinha, glamorosa e vistosa, complementa o espaço. E o quarto foi projetado como um oásis de luxo com uma pintura dramática para uma maior afirmação arrojada.
No geral, o apartamento é neutro e equilibrado, sem descurar uma clara sensação luxuosa.  

A nova seleção da marca evoca o conforto e inspiração, elevando assim os espaços ao ar livre e transformando as áreas de exterior em verdadeiros oásis de relaxamento. A qualidade da madeira, os têxteis naturais e o design funcional fundem-se com toques de cor para criar espaços repletos de personalidade. A marca convida a explorar a grande variedade de peças que compõem esta coleção, desde sofás e espreguiçadeiras para relaxar a cadeiras e mesas para refeições ao ar livre.
As novas propostas foram produzidas a partir de materiais cuidadosamente selecionados e de alta qualidade, tendo em vista a durabilidade e o design. Os protagonistas desta coleção são a madeira de teca, a pedra, o microcimento, a cerâmica e as fibras naturais. Uma das novidades é o primeiro sofá modular de exterior Kave Home - Sorells - que vem redefinir os espaços ao ar livre. Oferece versatilidade, durabilidade e conforto para criar um espaço que represente estilo e se adapte às suas necessidades. As espreguiçadeiras Sonsaura e Dandara , que se apresentam em dois estilos totalmente diferentes, foram desenhadas para se adaptarem a qualquer espaço.

Outra tendência da coleção é a corda trançada à mão, protagonista dos sets Vellana e Saconca . Um processo artesanal que dá personalidade a cada um dos produtos, tornando-os únicos e especiais. A proposta perfeita da Kave Home para as refeições ao ar livre é Tudons, combinando na perfeição com o design das cadeiras Joncols. Para os adeptos das formas orgânicas e das linhas arredondadas, a mesa Addai, com o design artesanal das cadeiras Ydalia, são o match da temporada. E em termos de resistência, as cadeiras Nina e a mesa Alcaufar em madeira maciça de teca e acácia, são ideais não só para espaços exteriores como interiores. A Kave Home junta à sua coleção cores intensas como contraponto aos materiais nobres em tons mais neutros. Um exemplo perfeito são as mesas em cimento e terrazzo esmaltado Mesquida, em contraste com as floreiras Presili e Rotja, e as velas Sapira. Os matizes cromáticos destas coleções conferem uma imagem artística e minimalista aos espaços exteriores. 

Nesta casa, que respira vida nova, a história e a modernidade dialogam constantemente, criando um verdadeiro sentido de equilíbrio. A atmosfera da casa reflete autenticidade e é definido por uma paleta de cores suaves, materiais naturais, texturas e papéis de parede combinados com peças de mobiliário antigas, candeeiros e alguns objetos provenientes de lojas locais.
O design de interiores ficou a cargo da designer Liz Lipkin, fundadora do Liz Lipkin Interiors. "Todos nós sentimos que a renovação deveria ser abordada com um toque leve, respeitando a disposição e os pormenores originais da casa", recorda Liz Lipkin. Apostando num ambiente vintage, predominam as madeiras, objetos antigos, algumas peças novas em materiais naturais e diferentes texturas que acrescentaram profundidade e dimensão a cada divisão. "As texturas contrastantes, como a mesa de centro lacada da sala de estar, o tapete de lã volumoso e o sofá nubby, evitam que uma paleta neutra pareça plana", afirma Liz Lipkin. Para reforçar uma sensação de retiro tranquilo, optou-se principalmente por cores neutras, nomeadamente castanhos, beges e cremes, com alguns azuis suaves e alguns toques de amarelo.

Pelas palavras dos próprios proprietários, o resultado é uma casa “simultaneamente histórica e moderna, minimalista mas acolhedora, tradicional mas divertida e caprichosa e, mais importante, altamente funcional." 

As dunas de areia do maior parque nacional da Dinamarca, Thy, são pontuadas por antigas casas de pescadores. Ao longo deste troço de costa existe um paraíso para os surfistas apelidado de "Cold Hawaii", onde o estúdio de arquitetura local Hahn Lavsen transformou uma destas casas históricas do início de 1900 numa contemporânea guesthouse.

Num terreno de 9900 m² no Parque Nacional de Thy, uma casa de campo solitária surge no horizonte de uma paisagem costeira indomável. Sem vizinhos à vista, as planícies intermináveis e isoladas de Leymus parecem não ter princípio nem fim. À distância, o edifício assemelha-se a uma clássica cabana de pescadores, mas quando nos aproximamos torna-se claro que o estúdio de arquitetura Hahn Lavsen concebeu uma versão moderna do vernáculo arquitetónico local. Agora, os hóspedes são recebidos por 185 m² de formas geométricas e silhuetas repetidas, revelando uma estrutura deslumbrante que se mistura perfeitamente com a paisagem e é impressionante na sua simplicidade.

A casa de hóspedes exala uma confiança subtil e uma robustez concebida para resistir aos elementos externos. Abraçando um minimalismo arrojado, a arquitetura apresenta uma paleta de materiais limitada, uma expressão honesta e uma crueza intencional. "A procura de uma paleta de apenas 5 materiais, processados o menos possível, foi um princípio de design orientador na transformação", explica o casal de arquitectos, Caroline Hahn e Ebbe Lavsen.
As paredes são construídas com monoblocos de betão celular altamente isolantes, grosseiramente caiados de branco tanto no interior como no exterior. Para resistir ao vento, ao mar e ao sal, o telhado é forrado com abeto Douglas não tratado com 100% de cerne. Como uma referência ao objetivo original da área como terra de cultivo, as portas clássicas de estábulo em carvalho são repetidas em todas as divisões e permitem uma ventilação natural. As paredes de vidro são outro elemento repetitivo, passando quase despercebidas na fachada ao serem recuadas para o fundo das paredes. Os pavimentos de tijolo à vista, assentes em areia em vez da argamassa clássica, abrem caminho a um brutalismo refinado e a uma experiência espacial inesperada que remete para as longas extensões de areia da praia que espreitam através das janelas.

"Quando se sai pela porta, entra-se num parque nacional. A sensação de estar numa terra de ninguém, quase numa paisagem lunar, impressiona-nos. Tal como a natureza intocada que nos abraça à chegada, a casa acolhe-nos com uma franqueza sem mácula", diz Lavsen.

O interior
Enquanto o exterior da casa ganha o seu carácter a partir da crueza dos seus materiais, o interior, com curadoria da designer de interiores Julie Cloos Mølsgaard, está repleto de mobiliário e objectos de grande precisão e artesanato. "O meu objetivo era tornar a casa tão tranquila e confortável quanto possível, criando um local onde os hóspedes quisessem ficar mais tempo e onde pudessem simplesmente relaxar rodeados pela natureza indomável", afirma Cloos Mølsgaard.

Tal como os arquitectos, Julie Cloos Mølsgaard utilizou um esquema de materiais simples, onde a madeira, o metal, o vidro, a pedra e as fibras naturais se entrelaçam para criar um interior à medida, e onde a textura, mais do que a cor, cria interesse e proporciona uma atmosfera relaxante. O mobiliário Vipp surge misturado com peças de lojas de artesanato vizinhas, relíquias vintage e trabalhos de artistas locais. 

O ponto de partida foi juntar, no mesmo espaço, peças distintas, sustentadas por diferentes técnicas e suportes, que se complementam na sua génese. Com curadoria de Marie de Carvalho, PAPIER & TERRE MÊLÉE reúne desenhos, telas e esculturas cerâmicas com peças mais utilitárias, como apliques, puxadores de portas ou azulejos, todos concebidos propositadamente para esta exposição.
Inspirado pelas infinitas possibilidades que vários mediums concedem ao seu processo criativo, Victor Marqué refere que “todos os materiais” lhe trazem “uma abordagem diferente”, variando entre eles consoante o estado de espírito ou a energia que sente no dia. “Uma gravação rápida num azulejo de cerâmica pode levar-me a uma composição para uma escultura que, eventualmente, poderá incitar a um trabalho em tela de meses e meses. Trabalhar em diferentes mediums permite-me ter sempre dezenas de peças em curso”, partilha Victor.

As referências arquitetónicas são evidentes, uma evolução que começou em 2011 quando ainda estudava arquitetura. Fazendo uso de ferramentas de representação da disciplina, como secções, axonometria e desenhos em planta, Victor brincava com a ideia de geometria e a sua desconstrução. Chegou ao Porto em 2017, onde ainda vive e trabalha, para prosseguir a sua pesquisa neste campo, mas sempre com a ideia de expandir os horizontes artísticos, um universo fictício composto, por exemplo, de quimeras – neste caso, metade animal, metade edifício – com influência de ruínas arquitetónicas de outras eras, fragmentos de peças em cerâmica expostas em museus arqueológicos ou até têxteis antigos com padrões geométricos e pigmentos únicos. “Inspira-me tudo o que é feito à mão e com paixão”, conclui. 

A paixão dos proprietários por viagens, arte e música, foi a principal fonte de inspiração para este projeto. "À medida que os proprietários embarcam nas suas viagens, criam continuamente memórias duradouras e transportam fragmentos das histórias dos locais que exploram", diz Josh Evan. Utilizado principalmente como um “pied-à-terre”, este loft serve tanto como espaço de lazer como local de inspiração.

O loft tem um plano aberto com uma grande sala dividida em três zonas - áreas de estar, de jantar, de televisão e de música. A suite principal abre-se para essa sala, mas está separada por uma grande porta antiga que os proprietários encontraram quando viajavam para Nova Orleães.

As paredes em tijolo originais e as vigas exposta, caracterizam o projeto. Tons ricos e saturados, como cor de vinho, bronze e azuis profundos, compõem a paleta principal. A madeira castanha quente complementa a autenticidade dos materiais utilizados no apartamento, nomeadamente materiais suaves e sumptuosos.

"A autenticidade e a energia do espaço são muito poderosas", afirma Josh Evan, cofundador da Evan Edward.

Os designers tinham já uma história com o espaço, uma vez que tinham trabalhado nele ao longo dos anos com a antiga proprietária, a célebre modelo Erin Wasson. Esta familiaridade ajudou-os a compreender a forma como os atuais clientes planeavam utilizar o apartamento, tendo em conta a sua propensão para viajar, a sua afinidade com a arte e o seu amor pela música ao vivo.  

 


Mantendo a espontaneidade como mote desta exposição, que pode ser visitada até 23 de novembro, Eva Claessens desvenda aqui o seu mundo, partilhando-o com os seus amigos mais próximos, e construindo, assim, momentos únicos: “Quero que as pessoas sintam e mergulhem na minha forma de trabalhar, na minha estética e no que preciso de ter à minha volta para criar. A visita dos meus amigos à minha casa/estúdio é uma constante; sentam-se no chão enquanto trabalho, ajudam-me com o que for preciso. E agora que vou trazer o ambiente da minha casa/estúdio para esta exposição tão especial, fez sentido convidar os meus amigos a partilharem também o seu trabalho”, conclui Eva.

EVA CLAESSENS
Nascida na Bélgica, em 1971, estudou em várias escolas de arte na sua província-natal de Antuérpia. Aos 18 anos, mudou-se para Florença (Itália), onde estudou na Academia Dell’Arte e trabalhou no estúdio de Romano Stefanelli como modelo e artista. O seu trabalho e estilo de vida levaram- -na aos EUA, Jamaica, Israel, Índia, Uruguai, Portugal e França. Nestes anos formativos, aperfeiçoou o uso de diferentes técnicas de cor. Eva rea- lizou várias exposições individuais e participou noutras por toda a Europa, América do Sul e Ásia, e o seu trabalho foi comissionado por coleções privadas e colecionadores e empresas internacionais dos quatro cantos do mundo. A artista trabalha, usualmente, com tinta acrílica, aguarela e lápis em diferentes estruturas, esculturas, prints feitas à mão e cerâmicas, uma abordagem inovadora à arte que se distingue pela forma como transpõe a temática das pinturas bidimensionais para esculturas a três dimensões, que usa, então, como uma nova tela em branco.

HORÁRIO (até 23 de novembro de 2023)
Quinta e sexta-feira - das 14h às 20h
Sábado e domingo - das 15h às 19h
Para Visitas Privadas contacte: +351 920 547 308
CRIATURA – Verride Palácio de Santa Catarina
Rua de Santa Catarina 7 · 1200-012 Lisboa · Portugal
 

To discuss the two, through proportion and structural arrangement, it induces emotional shock of harmony or different intensities, occupying the abstract/figurative ends of art, and are similar in nature.

The rise and fall of writing opera in architecture
Waterfrom Design responsible for this case hopes to use the narrative technique of opera and the specificity of architecture to write the grandeur of the natural features of Qingdao, a port city, and to express the rich marine phase of the base located on the shore in the succession and transformation of space brewing.